Originaire d'Ouzbékistan, le chef d'orchestre Aziz Shokhakimov dirige depuis 2021 l'orchestre philharmonique de Strasbourg. À 38 ans, ce premier chef d'orchestre ouzbek, passionné de musique française, a fait un parcours sans faute. Entretien.

À Strasbourg, Aziz Shokhakimov est directeur musical et artistique de l’Orchestre philharmonique de Strasbourg depuis septembre 2021. Dans le cadre de ses fonctions, il collabore aussi étroitement avec l’Opéra national du Rhin, puisque l’orchestre y assure une activité lyrique régulière. Il connaissait déjà bien la formation strasbourgeoise, qu’il a dirigé en tant qu’invité dès 2014, avant d’en prendre la tête.

Né en Ouzbékistan et formé à la capitale Tachkent, Aziz Shokhakimov n’a pas tant choisi la direction d’orchestre qu’il y a grandi. À seulement onze ans, dans un orchestre d’enfants puis scolaire, il apprend le métier en pratiquant - parfois il compense l’absence d’instruments en jouant lui-même certaines parties. Cette précocité nourrit une relation viscérale au collectif : l’orchestre comme organisme vivant, fait d’écoute, de discipline, de confiance.

À Strasbourg, ville-frontière dont il aime la fusion franco-allemande, sa présence se remarque dans les grands rendez-vous populaires de l’orchestre. Pour les concerts de la Saint-Sylvestre et du Nouvel An 2026, l’Orchestre philharmonique de Strasbourg a réuni plus de 3 800 spectateurs, salle Érasme complète, autour d’un programme intitulé Florilège lyrique, auquel Novastan a assisté. Sous la direction d’Aziz Shokhakimov, la soirée mettait à l’honneur la voix avec deux solistes internationaux, la soprano ouzbèke Barno Ismatullaeva et le ténor René Barbera. On remarque aussi la participation du Chœur de l’Opéra national du Rhin, dans une ambiance de . . .

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Yerjan Kouchanov est un exemple rare de musicien originaire d’Asie centrale qui, sans connaissances linguistiques préalables ni avantages extérieurs, a surmonté la concurrence internationale. Il a été le premier flûtiste kazakh à être admis dans l’une des écoles de musique les plus exclusives et les plus renommées d’Europe : le Conservatoire national supérieur de musique de Paris.

Le flûtiste Yerjan Kouchanov est lauréat de divers concours internationaux. Il est le premier participant kazakh au prestigieux concours du Printemps de Prague (2015), ainsi que lauréat du Fonds Marcel-Bleustein-Blanchet (2014) et du Fonds Banque Populaire (2015). Il a fondé l’Académie internationale de flûte (2022) et l’Académie internationale des instruments à vent (2022), développant des projets pour les jeunes musiciens dans le cadre de festivals à l’étranger.

En tant que soliste, il se produit en France, en Allemagne, au Japon, en Russie et au Kazakhstan. De retour dans son pays natal, il a pris le poste de premier flûtiste de l’Orchestre symphonique académique national de la République du Kazakhstan. Il conjugue la formation de base rigoureuse du système spécialisé kazakh à la plus haute tradition européenne en matière de flûte traversière.

Novastan : Racontez-nous comment votre carrière musicale a commencé et pourquoi vous avez choisi la flûte.

Yerjan Kouchanov : Ma carrière musicale a commencé assez tôt, à l’âge de sept ans, à l’école spécialisée. Honnêtement, ce n’était pas mon choix. Je n’avais aucune idée de ce qu’était la musique. Je savais seulement qu’il existait le violon et le piano.

La musique était le rêve de ma mère. Elle voulait que je joue pour les invités, quelque chose au piano ou au violon, juste à la maison. Le tournant s’est produit lorsque l’école a soudainement manqué d’élèves en instruments à vent et que notre promotion a été délibérément composée principalement d’instruments à vent. On m’a fait passer à la flûte, au motif que j’étais particulièrement doué pour cet instrument. Je n’avais aucune idée de ce qu’était cet instrument, mais c’est ainsi que tout a commencé.

Pendant longtemps, je me suis exercé sans grand enthousiasme. La vie dans cette école spécialisée était très intense : le matin et jusqu’à midi, nous avions des cours généraux, l’après-midi, des cours de musique, et le soir, nous devions nous exercer individuellement. Nous étions occupés 13 à 14 heures par jour. Avec un tel emploi du temps, un enfant préfère naturellement jouer et se défouler plutôt que de s’exercer.

Qu’est-ce qui a changé votre attitude envers votre travail ?

Le premier tournant s’est produit lors d’un concours où j’ai remporté mon premier prix. Pour la première fois de ma vie, j’ai reçu un prix matériel pour mon jeu sur un instrument : une chaîne stéréo. Plus tard, lors d’un concours national où j’ai remporté la première place, on m’a offert un lecteur DVD, à une époque où la plupart des gens avaient encore des magnétoscopes. Ce fut un choc pour moi : j’ai réalisé que la musique pouvait non seulement procurer du plaisir, mais aussi être un véritable travail apprécié à sa juste valeur.

C’est à ce moment-là que ma motivation est née. J’ai soudain compris que je voulais me perfectionner dans ce domaine précis, chercher des possibilités de continuer à apprendre et d’élargir mes horizons.

Quand l’idée d’étudier en France vous est-elle venue ?

C’est un concours en Israël qui a été déterminant. J’y ai rencontré un représentant de l’école française de flûte, plus précisément parisienne. C’était un niveau que je n’avais vu auparavant que dans des enregistrements – l’élite absolue.

Je savais déjà que l’école française des instruments à vent était l’une des meilleures au monde. C’est précisément en France que le système de la flûte moderne de Theobald Böhm (flûtiste allemand qui a marqué de son empreinte le développement du système moderne de la flûte, ndlr) a été perfectionné et adopté comme norme.

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Tous les grands flûtistes du XXème siècle – Marcel Moyse, Jean-Pierre Rampal, Alain Marion, puis James Galway, Emmanuel Pahud – sont liés d’une manière ou d’une autre à cette tradition. Mais c’est une chose de le savoir au Kazakhstan, et une autre de s’imaginer soi-même dans ce système. L’idée semblait presque fantastique.

Êtes-vous alors venu directement au Conservatoire de Paris ?

Non, le chemin a été beaucoup plus long et difficile. Il existe deux conservatoires supérieurs en France, à Paris et à Lyon. Ils proposent un cycle complet d’études supérieures jusqu’au doctorat. Il existe également de nombreux conservatoires régionaux. La formation est gratuite, mais la concurrence est rude.

Je me suis adressé à Madame Sophie Cherrier, professeure au Conservatoire de Paris. À cette époque, je ne parlais ni anglais ni français. Je lui ai écrit dans un anglais approximatif à l’aide d’un dictionnaire et je l’ai littéralement harcelée de lettres pour obtenir une invitation à des master classes.

À ma grande surprise, elle m’a répondu et a rassemblé tous les documents nécessaires. Je suis venu, j’ai joué pour elle et j’ai reçu un diagnostic très honnête : « Votre niveau n’est pas suffisant, vous ne serez pas admis au conservatoire. » Elle m’a dit directement qu’elle ne pensait pas que je pourrais atteindre le niveau requis en quatre ans. J’avais déjà 16 ans à l’époque, et l’admission était possible jusqu’à l’âge de 20 ans.

Comment avez-vous finalement été admis pour suivre une formation en France ?

Un tournant décisif a été pris grâce à mon ami Rakhim Toksanbaïev, qui étudiait déjà dans un conservatoire régional près de Paris et m’a conseillé de commencer à ce niveau. J’ai été admis à Aubonne (36 candidats pour 6 places) et j’y ai étudié pendant environ deux ans, tout en postulant parallèlement dans plusieurs écoles, souvent sans succès ou seulement sur liste d’attente.

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Pendant un court moment, j’ai même envisagé de retourner au Kazakhstan, mais l’idée de Paris ne me quittait pas. Puis une opportunité inattendue s’est présentée : un professeur du conservatoire de Saint-Maur m’a proposé une place qui s’était libérée et m’a préparé intensivement pendant six mois à l’audition de Paris, malgré ses doutes sincères quant à mes chances de réussite.

À quoi ressemblait cette préparation ?

C’était la période la plus difficile de ma vie de flûtiste. Le professeur a pratiquement démonté ma technique et l’a reconstruite : respiration, embouchure, posture. Au lieu d’affiner le programme du concours, je suis resté assis pendant des semaines avec ma tête de flûte et j’ai pratiqué les notes longues, comme un élève de CP.

Il restait encore deux mois avant le concours, et je ne faisais toujours que souffler dans mon instrument. J’étais nerveux et je demandais : « Quand allons-nous commencer à jouer le répertoire ? » La réponse était toujours la même : « Si tu me fais confiance, fais ce que je te dis. »

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À cette époque, je m’entraînais dix heures par jour. Je passais dix minutes à manger, le reste du temps avec mon instrument et de courtes pauses pour boire un espresso. J’étais obsédé par un seul objectif : être admis.

Comment se déroule le concours du Conservatoire de Paris ?

Le concours comprend plusieurs épreuves exigeantes. L’année où j’ai participé, environ 70 personnes se sont présentées pour 5 places. Il fallait d’abord préparer et interpréter une étude, puis des œuvres plus importantes telles que des sonates et des fantaisies, ainsi qu’un programme moderne. Malgré la concurrence extrême, j’ai passé les épreuves les unes après les autres.

La finale consistait à jouer spontanément une pièce contemporaine à vue – cinq minutes de préparation, puis directement devant le jury international. À ce moment-là, j’ai eu de violentes douleurs à l’estomac. Plus tard, on m’a diagnostiqué un ulcère gastrique, conséquence de plusieurs mois de surmenage. Malgré un stress physique intense, j’ai tout de même joué jusqu’à la fin.

Le soir, j’ai été déclaré premier – et je suis ainsi devenu le premier flûtiste kazakh à être admis au Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris.

Comment ont réagi les professeurs qui vous avaient refusé auparavant ?

Le jury m’a dit plus tard en toute franchise que mes faiblesses techniques étaient audibles, mais ce qui a été décisif, c’est qu’ils ont immédiatement reconnu l’artiste – ma musicalité, mes couleurs, mes idées personnelles. C’est pourquoi ils m’ont surnommé « loup des steppes ». Lorsque je suis arrivé plus tard chez Sophie Cherrier, elle s’est souvenue : « Vous étiez le jeune homme qui jouait si mal à l’époque. » Puis elle a simplement ajouté : « La façon dont vous jouez et parlez aujourd’hui m’impressionne. »

Comment se sont déroulées vos études et quelles étaient vos relations avec vos professeurs pendant votre formation ?

Pendant ma formation, je n’avais presque pas d’argent. Je jouais dans la rue – au Louvre, dans les passages souterrains – et gagnais ainsi ma vie. Récemment, je suis tombé par hasard sur la vidéo « Music at the Louvre Museum » sur YouTube et j’ai reconnu que c’était moi, en 2009.

Une fois, une enseignante m’a demandé si c’était vrai que je jouais dans la rue et sur quelle flûte. J’ai répondu que je jouais sur ma flûte de concert. Sa réaction a été très directe : « Ce n’est pas possible, tu vas l’abîmer. Je vais t’acheter un instrument spécial pour la rue. »

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J’ai essayé de refuser, car la flûte coûtait au moins 1 500 euros. Une heure plus tard, elle est revenue avec une nouvelle flûte. Lorsque je lui ai proposé de lui rendre l’argent, elle m’a répondu : « Ce n’est pas la peine. Continue juste à t’entraîner. »

Quand quelqu’un qui n’est pas de votre famille vous achète un instrument coûteux simplement parce qu’il croit en vous, cela change considérablement votre perception du métier.

Selon vous, quel rôle l’école kazakhe a-t-elle joué dans votre développement ?

Un rôle fondamental.

La musique académique est une culture européenne qui n’est arrivée chez nous que relativement tard, au début du XXème siècle. Nous n’avons pas encore une tradition séculaire comme en France ou en Allemagne. Mais l’école kazakhe m’a donné les bases sans lesquelles je n’aurais même pas pu entrer dans les conservatoires régionaux. Solfège, harmonie, analyse musicale, littérature musicale : toutes ces matières théoriques sont prises très au sérieux chez nous.

Certes, de nombreux enseignants avaient un accès limité aux informations modernes, mais ils nous ont transmis d’énormes connaissances de base et nous ont soutenus avec tous les moyens dont ils disposaient. C’est précisément cette solide formation théorique qui constitue un avantage certain : on acquiert non seulement des compétences instrumentales, mais aussi une large base musicale. On peut se spécialiser plus tard, mais l’horizon élargi par les études scolaires est déterminant. Sur ce point, le Kazakhstan est nettement supérieur à de nombreux systèmes européens.

Parlez-nous davantage de cette différence entre l’enseignement musical au Kazakhstan et en Europe.

En Europe, la plupart commencent comme amateurs : ils s’entraînent sans pression et ne deviennent professionnels que lorsque les conditions sont réunies : un bon professeur, un environnement adapté, une motivation personnelle. La théorie n’y est enseignée que dans les conservatoires supérieurs et son niveau est souvent moins élevé que dans les écoles spécialisées kazakhes.

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Mais, chez nous, on constate au contraire une stagnation. La raison n’en est pas à rechercher du côté des professeurs, mais plutôt dans l’environnement. Au Conservatoire de Paris, il existe un filtre naturel : seuls des musiciens sélectionnés et très talentueux y sont admis. Quand on écoute quotidiennement des interprètes de ce niveau, on progresse inévitablement, qu’on le veuille ou non. C’est précisément ce maillon qui manque au Kazakhstan : un environnement stimulant qui vous pousse vers le haut et ne vous permet pas de stagner.

Quelles sont les autres raisons de la stagnation de la musique académique au Kazakhstan ?

Cette stagnation de la musique académique ne touche pas tous les domaines ni tous les instruments, mais la tendance est là.

Premièrement, beaucoup d’enseignants ne jouent pas eux-mêmes. Ils expliquent très bien la théorie, écoutent comment « ça devrait être », mais ils ne montrent pas l’exemple. C’est comme un entraîneur sportif qui ne montre jamais les exercices. La raison est claire : ils n’ont pas reçu suffisamment de connaissances dans le passé et ne savent pas jouer beaucoup de choses techniquement. Mais un enfant a besoin d’un modèle vivant. Voir une fois est plus important que d’entendre cent fois.

Deuxièmement, la musique académique passe au second plan derrière les orchestres commerciaux qui jouent des bandes originales et des arrangements pop. Le phénomène en soi n’est pas mauvais : un orchestre symphonique peut ainsi remplir des salles de 10 000 à 12 000 personnes, ce qui est impressionnant. Mais cela comporte un danger pour la jeune génération de musiciens. Ils s’orientent de plus en plus vers des cachets rapides et cessent de se perfectionner sur le plan académique. Les spectateurs eux-mêmes préfèrent souvent des formats de divertissement plus légers. La musique classique est perçue comme quelque chose de sérieux.

À votre avis, qu’est-ce qui pourrait changer la situation ?

Avant tout, un soutien systématique de la part de l’État.

Il faut organiser régulièrement des master classes avec des spécialistes étrangers de renom, non pas des actions ponctuelles, mais un programme structuré. Il faut proposer de véritables stages dans les grandes écoles européennes, pas simplement dans n’importe quelle école régionale, mais dans des conservatoires de tradition et dotés d’un corps enseignant solide.

Il faut également un véritable grand festival international de musique classique au Kazakhstan, pas un concours formel pour remporter le titre de lauréat, mais un événement qui s’inscrit véritablement dans le calendrier international.

Avez-vous vous-même essayé de créer de tels formats ?

Oui. Pendant plusieurs années, j’ai organisé des académies et des festivals pour instruments à vent et cuivres à Almaty. Des solistes venus d’Europe, de Corée et des États-Unis y ont participé. Tout était gratuit pour les étudiants, grâce aux sponsors et au soutien de la Philharmonie (la Philharmonie académique nationale du Kazakhstan, ndlr).

Des jeunes de toutes les régions du Kazakhstan sont venus. Un environnement, un laboratoire vivant, s’est créé : cours, exercices collectifs, concerts, échanges avec les professeurs. Mais sans le soutien de l’État, il est très difficile de maintenir de telles initiatives à long terme.

Le Kazakhstan pourrait devenir un centre pour toute la région – pour les pays d’Asie centrale, la Russie, la Chine – dans le domaine de la musique académique. Le potentiel est là.

Comment le public perçoit-il votre jeu, au Kazakhstan et en Europe ?

Le public est différent partout. Dans certaines villes du Kazakhstan, il est très passionné, émotif et ne vous laisse pas quitter la scène. Dans d’autres, il est plus réservé. En Europe, c’est pareil : parfois, on est accueilli avec une incroyable chaleur, parfois avec une quasi-indifférence.

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Mais le plus important est ailleurs : lorsque la musique touche vraiment, peu importe d’où l’on vient et de quel instrument on joue. La musique a le même effet partout, que ce soit à Almaty, Paris, Prague ou Erevan.

Les Européens s’intéressent-ils à l’évolution de la flûte au Kazakhstan, et que leur diriez-vous à ce sujet ?

En Europe, on ne pose presque jamais de questions sur les particularités de la flûte kazakhe, non pas par préjugé, mais parce que la France et l’Allemagne sont considérées comme le centre des instruments à vent.

Lors des grands concours, j’étais souvent le seul représentant du Kazakhstan, alors que la Corée, la Chine ou Taïwan avaient plusieurs participants. L’intérêt pour notre pays n’est donc pas faible parce qu’il est sous-estimé, mais parce qu’il est à peine perceptible sur la scène internationale. Pourtant, le Kazakhstan compte suffisamment de flûtistes, comme j’ai pu le constater lors de master classes dans différentes régions. Le problème n’est pas le nombre de musiciens, mais leur absence sur les scènes internationales.

Comment décririez-vous votre identité artistique ?

Formellement, tout est très simple : je suis kazakh. Je suis d’origine ethnique kazakhe, je suis né au Kazakhstan, j’y ai reçu mon éducation de base et mon soutien. C’est ma patrie et mon code culturel d’origine. Lors de mes représentations à l’étranger, je représente toujours le Kazakhstan avec fierté et j’essaie toujours de présenter quelque chose de traditionnellement kazakh.

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Mais au fond, j’essaie de voir plus loin et de me sentir citoyen du monde. Pour moi, il est important de ne pas me limiter à la formule « uniquement kazakh » ou, à l’inverse, « désormais européen ». De telles étiquettes sont restrictives.

Je dis toujours à mes étudiants : nous ne sommes pas seulement des flûtistes. Nous sommes des musiciens. Si l’on se concentre uniquement sur la technique, cela ne touchera personne. Lorsque le texte, le style, la technique et le point de vue personnel se rejoignent, il en résulte ce que j’appelle « une petite magie ». Nous sommes avant tout des êtres humains et des musiciens, qui faisons partie d’une grande culture mondiale.

Nurgul Adambaïeva
Rédactrice pour Novastan Deutsch

Traduit de l’allemand par Isabelle Vincent

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En octobre et novembre, le duo musical avant-gardiste Vtoroi Ka part en tournée à travers l’Europe, d’Istanbul à Reykjavík. Il s’agit de la première tournée de ce type pour un groupe de musique kirghize, et d’une nouvelle étape dans la carrière prometteuse du groupe.

Comme dans le reste de l’Asie centrale, le Kirghizstan connaît un essor des musiques populaires, porté par l’importance croissante des plateformes de streaming internationales. Cependant, jusqu’à présent, les artistes kirghizstanais sont restés en retrait par rapport au succès de leur grand voisin, le Kazakhstan. Ce dernier s’est imposé comme une puissance musicale, allant même jusqu’à remporter un prestigieux Grammy Award. C’est aussi devant un public composé de membres de la diaspora d’Asie centrale que les artistes du Kirghizstan se produisent régulièrement.

Mais le duo musical innovant Vtoroi Ka, originaire de la capitale kirghiz Bichkek, pourrait bien changer la donne. Du 17 octobre au 12 novembre, il se lance dans une tournée ambitieuse de 16 concerts dans 11 pays différents, d’Istanbul à Reykjavík en passant par Paris et Berlin. Il s’agit de la première tournée de ce type pour un groupe de musique contemporaine du Kirghizstan, marquant une percée pour la scène musicale locale. Pour Vtoroi Ka, c’est la suite logique d’une carrière prometteuse.

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C’est également l’avis des organisateurs du festival « Iceland Airwaves » à Reykjavík, où Vtoroi Ka se produira le 7 novembre. La présentation du groupe sur le site du festival rend compte de leur grande conviction quant à la suite de la carrière du groupe : « Avec l’élan actuel, il ne faudra pas longtemps avant que Vtoroi Ka soit le nom sur toutes les lèvres de vos amis les plus branchés. »

Comme l’explique Bakaï Koltchaïev, manager du groupe et directeur d’Infinity Music, le principal distributeur de musique à Bichkek, l’idée d’une tournée européenne était dans l’air depuis quelque temps, vu la croissance de la base de fans internationale. « Nous avons examiné attentivement les indicateurs dans différents pays d’Europe et au-delà, et les chiffres montrent un intérêt considérable », explique-t-il à Novastan. Selon lui, le groupe est notamment beaucoup écouté en streaming dans des pays comme l’Allemagne, la France, la Pologne et l’Espagne.

Débuts dans le hip-hop

Vtoroi Ka a été fondé au milieu des années 2010 par Sultan et Iliya dans le district d’Asanbaï, au sud de Bichkek. Les deux amis, qui se sont rencontrés une dizaine d’années plus tôt, en deuxième année d’école primaire, ont choisi le nom du groupe en référence à cette classe, « 2K ». Ils ont commencé à écrire des morceaux de rap underground sur des instrumentaux maison dans leur home studio, puis les ont publiés sur YouTube et des plateformes locales, parfois accompagnés de clips vidéo qu’ils réalisaient eux-mêmes.

C’est ainsi qu’est né, en 2017, leur premier EP « Iz Okna » (« Par la fenêtre »), qu’ils ont depuis supprimé des plateformes de streaming, car ils n’étaient plus satisfaits de la qualité. Le single du même nom, accompagné d’un clip vidéo, est toutefois toujours disponible sur YouTube et offre un aperçu de leurs premières productions.

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Début 2020, alors qu’ils envisageaient déjà de dissoudre le groupe, ils connaissent leur premier succès local avec le single « Reznitsam stalo tyajelo » (« Les paupières se sont alourdies »). Six mois plus tard, c’est la sortie de leur premier album officiel: « Dien’ Zavisimosti » (« Jour de la dépendance »). Cet album de hip-hop musicalement riche tourne principalement autour de leur quotidien dans leur « quartier », le micro-district d’Asanbaï.

Alors qu’ils recevaient les éloges de la scène hip-hop de Bichkek, Sultan et Iliya composaient déjà une musique tout à fait différente. Leur deuxième album, « Serial », sorti en 2022, contient encore quelques morceaux de rap, notamment le single « 39 Chkola » (« 39ème école »), dédié à une école redoutée à l’époque pour ses performances lors de batailles de rue. Mais cet album, qui traite des émotions intenses vécues par leurs alter egos adolescents, est déjà fortement marqué par l’éclectisme musical. Les fans de pop-rock des années 2000 y trouveront également leur compte.

Toujours en vadrouille

En juillet 2022, le single « Teni ot palm » (« L’ombre des palmiers ») marque une nouvelle percée. Avec sa ligne de basse entraînante, il est devenu un tube de l’été, dépassant largement les frontières du Kirghizstan. À ce jour, c’est le morceau le plus écouté de Vtoroi Ka. Dans le clip qui l’accompagne, Sultan et Iliya apparaissent pour la première fois dans des rôles de gangsters extravagants et démodés, qu’ils continueront à développer par la suite.

C’est également le cas dans le morceau « Vstretchaïtie Govnyukov » (« Les salauds arrivent ») sorti début 2023, avec son clip vidéo au style rétro. Les deux artistes y jouent le rôle de fauteurs de troubles qui débarquent en ville avec « toute une bande » et leur « groupe de scène live».

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La nouvelle devise : toujours en vadrouille, tant pour les membres de Vtoroi Ka que pour leurs personnages de gangsters. Tantôt ils apparaissent comme des fugitifs insaisissables, comme dans le single « Gdie-to za granitseï » (« Quelque part à l’étranger »), tantôt comme des entrepreneurs douteux, toujours à la recherche de la prochaine occasion, comme dans « Tonirovannyi Kaban » (« La Merco teintée »), dans lequel les deux protagonistes partent à la conquête de Saint-Pétersbourg avec leur partenaire commercial « real bayke » (joué par Bakaï, leur directeur). C’est également à cette époque que le groupe a commencé à voyager : certaines scènes de ces vidéos ont été tournées lors de leurs premiers concerts en Russie.

A cette étape de leur carrière, Vtoroi Ka était déjà largement dans le collimateur des principaux critiques musicaux russes. Le magazine hip-hop de référence The Flow a parlé pour la première fois de ces deux « nouveaux venus » en juillet 2022. Des journalistes musicaux tels que Nikolaï Redkine et Danya « Pornorap » ont exprimé leur admiration pour ces « salauds incroyablement stylés », estimant qu’ils avaient réalisé « les meilleurs clips musicaux de l’année [2023] ».

Post-punk et rave

Avec l’album « Svinaïa Poputka » (traduction littérale de l’anglais «Piggy Ride», c’est-à-dire « à califourchon »), sorti en avril 2024, Vtoroi Ka a définitivement percé dans les espaces russophones et au-delà. Outre plusieurs autres best-of, l’album s’est hissé à la première place du classement annuel Top 50 de The Flow. Avec leurs morceaux inspirés du post-punk, mais toujours colorés et ironiques, ils ont visiblement touché une corde sensible. C’est également ce que souligne le texte promotionnel de leur concert à Paris : « Leur approche léchée et à la Baxter Dury du post-punk qui les a propulsés au rang de phénomène viral. »

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Mais le groupe échappe encore à ceux qui souhaiteraient le réduire à un style musical, si populaire soit-il. Avec la sortie de l’album, Vtoroi Ka a annoncé sur les réseaux sociaux la fin de sa période post-punk. Sorti en mars 2025, « GO PUBE EP » s’oriente davantage vers la musique rave électronique. Son esthétique visuelle s’éloigne également de l’univers des gangsters en blousons de cuir pour se concentrer plutôt sur une réinterprétation psychédélique et imaginative des motifs quotidiens kirghiz.

On retrouve déjà ces éléments dans les clips vidéo précédents, comme « Doura » (« Idiote »), ainsi que dans les clips de « Soundcheck » et de leur dernier single « Minimum iz sta » (« Minimum sur cent »). Cette chanson, qui fait référence musicalement et visuellement au début des années 2000, annonce également l’album « Svobodnye Dvijéniya » (« Mouvements libres »), prévu pour 2026.

Carnaval kirghize

Ces réorientations s’accompagnent également d’une expansion géographique. Après une mini-tournée en Russie en mai 2025, Vtoroi Ka a participé à plusieurs festivals en Chine en août, avant de se tourner vers l’Ouest cet automne.

Avec tous ces changements musicaux, même l’agence de booking berlinoise More Zvukov, qui organise la majeure partie de la tournée, a du mal à classer ce groupe « innovant ». Elle présente le groupe comme étant « connu pour son mélange unique de sons électroniques, alternatifs et indie », et ajoute : « Combinant des rythmes expérimentaux et des paroles émouvantes, Vtoroi Ka crée une musique qui transcende les genres et trouve un écho auprès d’auditeurs issus de divers horizons culturels. »

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Néanmoins, quelques constantes ont permis au groupe de se forger une identité claire au fil des ans, que ce soit sur des rythmes trap bruts, des lignes de basse mélancoliques ou de l’électro puissante. D’une part, il y a l’humour et l’autodérision avec lesquels ils se représentent eux-mêmes et leur environnement, sans jamais tomber dans la bouffonnerie. La combinaison de motifs décalés et de précision artistique a aussi parfois quelque chose de carnavalesque, purement kirghiz.

Ces explorateurs de mondes musicaux sont en effet toujours restés attachés à leur ville natale, Bichkek. Dès le début, leur ambition était de créer un son propre à cette ville. Le russe dans lequel leurs textes sont rédigés est d’ailleurs un russe largement kirghizstanais, regorgeant de termes ayant interpellé le journaliste qui les a interviewés pour The Flow. Dans leur langage visuel également, les deux artistes sont de fervents représentants du Kirghizistan et créent un univers visuel qui leur est propre, plein de détails ludiques, et qui se démarque des clichés touristiques.

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Une partie de cet univers visuel est certainement le fruit du travail de la directrice artistique Youliya Petrova, qui accompagne le groupe depuis 2021. Elle a également réalisé la plupart des vidéos récentes du groupe. De manière générale, si Sultan et Iliya continuent d’écrire, d’enregistrer et de mixer eux-mêmes leur musique et leurs textes, l’équipe qui les entoure s’est considérablement élargie.

Des salles combles et une énergie débordante

Leur groupe live, que l’on peut également voir dans différentes vidéos live, comme cette réinterprétation de leur tube « Teni ot palm », se compose d’un batteur, d’un guitariste et d’un ingénieur du son. S’y ajoutent une responsable de la communication et Bakaï, le directeur, qui s’occupe de toute l’organisation « afin que les musiciens puissent se concentrer pleinement sur leur art ».

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« Vtoroi Ka est une grande équipe qui travaille avec soin sur la musique et l’image », résume-t-il. Selon lui, leur succès croissant, qui se manifeste par des dizaines, voire des centaines de milliers d’auditeurs dans différents coins du monde, n’est que « logique, car tout est fait honnêtement, en profondeur et à une niveau élevé ».

Pendant la tournée, Bakaï relève « des salles pleines et une véritable énergie ». À cet égard, certaines étapes de la prochaine tournée s’annoncent prometteuses : l’un des deux concerts à Berlin ainsi que le concert à Hambourg étaient déjà complets plusieurs semaines avant les premières dates.

Florian Coppenrath,
Rédacteur pour la version allemande de Novastan

Cliquez ici pour consulter la liste des dates de la tournée de Vtoroi Ka. Ils se produiront notamment le 3 novembre à Paris et le 5 novembre à Bruxelles.

Corrigé par Anaïs Boulard

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La troupe de ballet national tadjik s’est produite à Paris. Elle y a rencontré du succès et puisé de l’inspiration.

Le 26 mars dernier, la troupe du théâtre d’opéra et de ballet tadjik a eu la chance de monter sur la scène de l’un des plus anciens théâtres de France, le Théâtre du Gymnase Marie Bell.

« C’est une victoire… Pour nous, c’est un immense honneur de représenter la culture tadjike en Europe. Et nous avons l’intention de poursuivre cette tournée, car grâce au soutien global apporté au secteur culturel et à la politique de la porte ouverte menée par le président de la République du Tadjikistan, nous disposons de possibilités illimitées », a affirmé le promoteur de ce projet, le directeur du théâtre Kamoliddine Saïfiddinzoda.

Le voyage de la troupe de ballet tadjik en France a été organisé à l’invitation de France UNESCO Esplanade, dans le cadre de l’événement culturel international « Culture du Tadjikistan à Paris ». Cette association œuvre régulièrement à la promotion d’artistes internationaux en organisant divers événements culturels.

Les spectateurs parisiens émerveillés

Le programme du concert se composait de deux parties : la première présentait le ballet Les Sylphides de Mikhaïl Fokine, sur la musique de Frédéric Chopin. La seconde comprenait des extraits des ballets Don Quichotte de Léon Minkus, de Giselle d’Adolphe Adam, et du Petit cheval bossu de Cesare Pugni, ainsi que des variations sur les thèmes de Niccolò Paganini.

Dans cette deuxième partie, le public a également pu apprécier des œuvres du ballet moderne national tadjik, sur des musiques de compositeurs tels que Tolibkhon Chakhidi, Zokir Nichonov et Daler Tilloev.

La diversité des répertoires interprétés par les artistes a mis en lumière leur polyvalence ainsi que la richesse de leur talent sous de multiples formes.

Le concert s’est achevé sous un tonnerre d’applaudissements et des acclamations enthousiastes. À l’issue de la représentation, Christian Cogne, président de l’Esplanade française, a remis une statuette commémorative à la troupe de théâtre tadjike, saluant leur collaboration et soulignant l’excellence de leur professionnalisme.

Un programme rythmé pour les danseurs

Aussitôt arrivée à Paris le 24 mars, la troupe de théâtre repartait déjà quelques jours plus tard le 27, peu de temps après le concert.

Le calendrier du séjour à Paris a été planifié de façon à ce que chaque artiste ait le temps de répéter les représentations chaque soir, tout en profitant du cadre unique offert par la capitale. En raison de l’importance de cette représentation, juste avant le départ pour la France, il y a eu une répétition à Douchanbé, le dimanche 23 mars.

La capitale parisienne : un cadre inspirant

Asia-Plus était présent à l’aéroport pour recueillir leurs retours d’expérience. « Le public nous a accueillis chaleureusement. C’était émouvant, nous avons été littéralement stupéfaits par les ovations », déclare le soliste principal du ballet, Mohammad Azimzoda.

« Dans son ensemble, Paris nous a éblouis par sa beauté, l’omniprésence de ses lumières, son atmosphère vibrante et riche en authenticité, que nous connaissons grâce aux films et au chansons les plus populaires », s’enthousiasme-t-il.

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« Avant la représentation, nous avons eu l’occasion de visiter les attractions historiques avec une guide, dans le cadre d’une excursion organisée. Nous avons également fait des promenades entre amis, et il faut dire que le printemps parisien s’est avéré être une véritable source d’inspiration et d’énergie », ajoute-t-il.

Des perspectives prometteuses pour la suite

Sa partenaire sur scène, la soliste Faranguis Kasymova, a affirmé que ce voyage générait une profonde source de motivation, l’encourageant à travailler avec encore plus d’ambition et de détermination.

« Je comprends qu’il nous reste encore beaucoup de chemin à parcourir. Je pense aussi que la troupe prend conscience que ce n’est que le début. Ce voyage nous a apporté une énergie positive qui nous a inspirés et motivés. Cela aura très certainement un impact très favorable sur notre travail personnel au théâtre. Cette tournée a favorisé notre épanouissement artistique et renforcé notre confiance en nous-mêmes », a-t-elle expliqué.

Une première en Europe

C’était la première tournée internationale des artistes du théâtre d’opéra et de ballet Sadriddine Aïny depuis de nombreuses années, et elle s’est terminée par un succès retentissant. Ce fut également la première représentation de ce type en Europe.

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Malgré les grandes attentes du public français, les artistes tadjiks ont réussi à marquer les esprits en offrant une touche unique de leur pays dans les différents ballets.

Des professionnels de haut niveau

Ce succès se doit non seulement au travail de la troupe de danseurs, mais aussi à toute l’equipe du théâtre national d’opéra et de ballet Sadriddine Aïny : chorégraphes, tuteurs, ingénieurs du son et de l’éclairage, maquilleurs et costumiers.

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Les danseurs ont eu la chance d’être préparés par des chorégraphes de haut niveau : la chorégraphe principale du théâtre, Aïana Oskenbaïeva, diplômée du GITIS (Académie russe des arts du théâtre), et les répétiteurs Melika Kalonova et Alexandre Bakhman, artistes émérites du Tadjikistan.

Anna Miftakhova
Journaliste pour Asia-Plus

Traduit du russe par Lisa D’Addazio

Edité par Emma Fages

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Dans la capitale tadjike, un duo de musiciens revisite la musique populaire traditionnelle du falak. Ce répertoire, déjà sujet à diverses redéfinitions ces dernières années, met un pied dans la musique expérimentale contemporaine avec ce nouveau projet.

Le 6 décembre dernier, au musée des instruments de musique Gourmindj, le Duo Falak a donné son premier concert officiel chez lui, à Douchanbé. L’évènement est assez confidentiel : la musique expérimentale n’est pas vraiment un genre couru au Tadjikistan. Aussi, lorsque ces musiciens se produisent à Douchanbé, c'est devant un public principalement constitué d'amis et grossi grâce au bouche-à-oreille.

Le duo a pourtant du succès à l’étranger, jusqu’à Berlin, et est plus particulièrement habitué des scènes ouzbèkes. Son premier album, Tira-Tira, sorti en octobre dernier, a été enregistré lors d’un concert à Tachkent et est disponible sur différentes . . .

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Le duo musical de Bichkek Vtoroï Ka a sorti son troisième album : du postpunk carnavalesque avec un monde d’images où rien n’est aussi sérieux qu’il n’y paraît. Novastan publie sa critique.

« Ces villes postsoviétiques ont déjà vu beaucoup de bêtises / Mais à la vue proche de cette troupe kirghize, il y a en quelque sorte un confinement soudain », dit le refrain du single Vstretchaïte govnioukov, sorti en février 2023. La vidéo rétro-esthétique qui l’accompagne montre une joyeuse fête de mariage qui agite la capitale kirghize, Bichkek. L’auditeur est prévenu : les « fouteurs de merde » viennent semer le trouble.

Les « fouteurs de merde » – en russe govniouki – nommés Soultan et Ilia, le duo Vtoroï Ka, sont l’un des groupes de musique les plus passionnants d’Asie centrale. Ils ont repris ce terme d’un blogueur vidéo qui s’en moquait et l’ont transformé en un terme positif. Comme le dit Soultan dans une longue interview avec le magazine en ligne SRSLY : « [Nous sommes] deux fouteurs de merde. Nous sommes des chercheurs. Ceux qui n’ont pas peur d’essayer des choses et qui sont constamment en quête artistique. »

Début mai, Vtoroï Ka a présenté son troisième album : Svinaïa popoutka, un titre énigmatique traduisible littéralement par « covoiturage porcin » – une description pas tout à fait inexacte de l’expérience d’écoute. Elle s’ouvre sur la ligne de basse invitante du titre Teni ot pal’m (ombre de palmier) : « Viens vite m’emmener là où il y a l’ombre des palmiers… »

Une joyeuse Joy Division

La chanson, qui a déjà été publiée en juin 2022 avec une vidéo tournée à Bichkek et au bord du lac Issyk-Koul, est le tube le plus réussi des deux jusqu’à présent. Au total, six des 11 morceaux de l’album étaient déjà sortis en single auparavant, tous accompagnés de vidéos drôles et colorées. Les fans inconditionnels du groupe reconnaîtront donc certaines choses, mais dans tous les cas, Svinaïa popoutka offre une demi-heure remplie de charme musical.

Depuis leur premier album, Den’ Zavisimosti (2020), qui était encore clairement un album de rap, Vtoroï Ka semble se tourner de plus en plus vers le passé musical. Leur deuxième album, Serial (2022), montre des incursions dans le teen rock alternatif des années 2000 et les morceaux les plus récents sont pleins d’allusions au post-punk des années 1970 et 1980.

Le son caractéristique de basse, de boîte à rythmes et de synthétiseur, qui, selon un critique, rappelle même en partie le groupe culte de la fin de l’ère soviétique Kino de Viktor Tsoï, n’accompagne toutefois pas ici un paysage sonore sombre comme c’est souvent le cas. « Vtoroï Ka joue du postpunk, mais sa musique n’a pas la vibe dépressive typique du genre », souligne le magazine hip-hop The Flow. Au contraire, Svinaïa popoutka est plein d’ironie haute en couleur – une sorte de joyeuse Joy Division comme pourraient le dire ceux qui ont grandi avec la musique anglophone, d’autant plus que la voix de basse de Soultan n’est pas si éloignée de celle de Ian Curtis.

Lire aussi sur Novastan : « Créer un son pour Bichkek » : l’album Dien’ Zavisimosti du duo Vtoroï Ka

D’ailleurs, les références et citations musicales abondent, que ce soit dans le texte lui-même (« Une vieille cassette, vernissage dans les haut-parleurs ») ou dans les éléments musicaux. Les Reels Instagram avec lesquels Soultan et Ilia font la promotion de leur musique sur les médias sociaux ressemblent à des manuels de construction. Par exemple pour Doura (Idiote), leur dernier single : « Oh, essaie de chanter comme Janna Agouzarova », une chanteuse russophone excentrique qui a surtout connu le succès à la fin des années 1980.

Sexe, drogue et romantisme de gangster

Alors que Svinaïa popoutka transporte musicalement les auditeurs dans les années 1980, son contenu se réfère surtout à la première décennie d’indépendance après la fin de l’Union soviétique. Selon les mots d’un autre critique, « les personnages principaux de ces chansons sont des bandits de l’époque des folles années 1990, des romantiques de la route ».

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Le symbole en est le « kaban » qui trône sur la pochette de l’album. Kaban – qui signifie sanglier en russe – désigne dans le langage populaire la Mercedes W-140, un symbole de statut social particulièrement apprécié des nouveaux riches et des mafieux des années 1990 post-soviétiques. Sur le capot, l’étoile habituelle est remplacée par un nez de porc.

En arrière-plan se profilent les gratte-ciel de Bichkek et un panneau « Koch Kelinizder » (« Bienvenue » en kirghiz). Un regard plus attentif remarquera sur le panneau une tête de cochon, la signature de l’artiste graffiti Cherv1, qui orne certains murs de Bichkek.

Un single extériorisant ses sentiments et fantaisies

Le single du même nom est également consacré au « kaban », dans lequel Soultan et Ilia se mettent en scène en tant que dealers de musique : le rôle du chef mafieux dans le clip est joué par Bakaï Koltchaïev, directeur du label de musique Infinity Music de Bichkek, qui diffuse également la musique de Vtoroï Ka.

Cependant, contrairement à la série culte russe Brigada, qui a définitivement associé le « kaban » aux années 1990 criminelles, Svinaïa popoutka ne se prend pas au sérieux. « Nous ne voulons pas être pris au sérieux comme Skriptonite. Nous voulons être plus simples, avec de l’ironie. Parfois sérieux, mais avec un peu de plaisir », résume Ilia.

Grâce à la musique, au langage visuel coloré et à l’humour linguistique, les références en fait sérieuses sont détournées vers le carnavalesque. Le clip de Doura, dont les personnages bizarres semblent tout droit sortis du pays des merveilles d’Alice, en est un exemple significatif. En même temps, le morceau est truffé d’allusions au monde des webcams érotiques, un commerce aussi lucratif que douteux au Kirghizstan, et un motif récurrent dans l’œuvre de Vtoroï Ka.

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Ainsi, les paroles de Doura parlent de ses prétendants qui « lui donnent de l’argent de tout leur cœur et si sérieusement », alors qu’elle ne cesse de « passer à l’antenne ». Il en va de même pour le très dansant Ona sovsem odna (Elle est toute seule) : « Son corps est une bande dessinée sur papier glacé pour adultes », et plus loin : « Tous les prétendants sont sauvages, aux mouvements vifs, désarmés / Dans le chat, des tontons de plus de 40 ans s’ébattent ».

Un univers empreint de rêverie et de vague à l’âme

Le monde souterrain de Vtoroï Ka est romantique, avec ses personnages très sympathiques, toujours à la recherche du prochain « dvij », du prochain coup. Dans Boomerang, un couple en parfaite complicité se cache de vagues dangers dans l’attente du prochain dvij : « Ici, nous sommes une cible facile / Quittons ces toits », que ce soit métaphoriquement ou littéralement.

« Nous ne devons pas déjà mourir », disent-ils, comme dans Teni ot Pal’m, qui parle d’une jeune fille devenue une « grande tireuse », sans doute non sans faire allusion à Léon de Luc Besson.

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Bien sûr, car après la mort, plus de divertissement. L’ivresse, les paradis artificiels traversent l’album comme un autre leitmotiv. Le lieu de nostalgie où se trouvent les palmiers est celui « où un kilo de substance pour le nez coûte des milliers ». Ou Pomiat, un morceau sauvage « quand il n’y a rien pour se recharger ». Bong se distingue particulièrement par son rythme rock’n roll et est, sans surprise, dédié au narguilé.

Un artisanat pur

Svinaïa popoutka séduit notamment par sa production aussi détaillée que sans faille. Tout est fait à la main par Soultan et Ilia qui, de leur propre aveu, aiment « tout contrôler du début à la fin » lorsqu’il s’agit de leurs chansons. Sans surcharger leurs chansons, ils parviennent à faire en sorte que même la centième écoute puisse surprendre par un bruit de fond, une rime inventive ou une transition particulièrement réussie.

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Les morceaux sont divertissants, tous d’une durée d’environ deux minutes et demie, avec des introductions vives – et conviennent donc parfaitement à l’ère du streaming. Après avoir écouté tout l’album en une fois, il est toutefois possible d’être lassé de l’interaction entre la basse et la boîte à rythmes.

Mais Vtoroï Ka, qui a dû ressentir la même chose pendant son travail, a également une réponse à cela : « Nous aimerions dire que cet album marque la fin de notre histoire post-punk. A partir de maintenant, il y aura d’autres chansons, d’autres vidéos, peut-être un autre nous ». Il faut donc rester impatients de leurs prochains projets – et fouiller rapidement dans leur vidéothèque – pour pouvoir encore prétendre avoir découvert ce bijou avant qu’il ne devienne mainstream.

Svinaïa popoutka est disponible sur toutes les grandes plateformes de streaming.

Florian Coppenrath
Rédacteur pour Novastan Deutsch

Traduit de l’allemand par Sandra Attia

Édité par Rayane Théodore

Relu par Helene Witkowski

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La scène du metal à Bichkek peine à trouver son audience, mais n’en est pas moins vibrante. Novastan est allé à la rencontre d’Alexander Degtyariov, un de ses pionniers.

Bichkek, la capitale du Kirghizstan, abrite une petite mais vibrante scène de musique metal. Dans la société kirghize, encore largement traditionnelle, les musiciens de musique metal locaux luttent souvent pour trouver une audience, produire leur musique et capter l’attention des médias.

Cependant, certaines figures de la scène metal à Bichkek œuvrent à faire connaître le genre, sur place comme à l’étranger. L’un de ces pionniers est Alexander Degtyariov, 32 ans. Il a participé à de nombreux projets, produit plusieurs albums avec différents groupes et se produit régulièrement à Bichkek et ailleurs en Asie centrale. Son festival-anniversaire qui a eu lieu en novembre 2023 a attiré plus de 100 personnes, qui se sont rassemblées au repaire favori des métalleux à Bichkek, le Bar56.

Novastan a pu discuter avec lui de son parcours, de sa carrière et du rôle du metal dans les sociétés kirghize et centrasiatique. Son témoignage est retranscrit ici.

Une enfance à Tokmok

Je me suis mis à écouter de la musique quand j’avais 14 ans. J’ai grandi à Tokmok et, à l’époque, c’était difficile là-bas. Il y avait beaucoup de problèmes sociaux, souvent liés à la drogue. Quand j’étais à l’école, j’ai commencé à jouer dans un groupe punk. Plus tard, un ami m’a montré une chanson de Blur. Je me suis beaucoup reconnu dans cette musique.

Je suis allé sur un forum kirghiz en ligne pour découvrir plus de musique et je me suis rendu compte que beaucoup de gens aimaient ces grands groupes, Metallica, ACDC, Black Sabbath et Slayer. J’aimais beaucoup ces groupes aussi mais j’avais le sentiment qu’il me manquait quelque chose, alors j’ai continué mon exploration.

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Progressivement, j’ai découvert d’autres styles de musique comme le metalcore, le grindcore, le hardcore et le melodic death metal. Quand je faisais écouter cette musique à mes amis, ils bottaient en touche et disaient que c’était trop pour eux. Mais j’adorais ça. Plus c’était fort et plus ça provoquait les gens, plus j’aimais ça. J’aimais la colère qu’il y avait dans cette musique.

Quand j’avais 16 ans, un ami m’a proposé de jouer dans un autre groupe mais je me pensais trop vieux pour ça. Je croyais que faire de la musique, c’était un truc de gosse. Finalement, il m’a persuadé de jouer une fois après l’école. Après ça, j’ai continué à venir et j’ai commencé à jouer sur scène régulièrement.

D’un groupe à l’autre

Avant, il y avait très peu de groupes de metal au Kirghizstan. Et ceux qui se produisaient faisaient seulement des covers. Très vite après mes premiers petits concerts, j’ai créé un groupe appelé Almagest, avec qui j’ai fait mon premier gros concert. C’était en plein air, pour environ 500 personnes.

J’ai adoré les émotions et l’énergie de la foule, la façon dont celle-ci s’est transformée en un organisme à part entière pendant le concert. Avec Almagest, nous avons aussi joué dans des bars rock locaux. Malheureusement, nous n’avons produit qu’un seul single avant que le groupe ne se sépare.

Vers 2014, je me suis vraiment mis à aimer le New York hardcore mais personne n’en jouait. Je me suis alors rendu compte que l’offre crée la demande. Si tu commences à jouer quelque chose, les gens vont venir et écouter. Certains ne vont pas apprécier mais ça plaira à d’autres et ceux-là vont te suivre. C’est pourquoi j’ai commencé à jouer de ce genre moi-même. J’ai fondé un second groupe, Art of Gore, avec qui nous avons fait une tournée au Kazakhstan. Malheureusement, le batteur a eu des problèmes légaux et nous avons dû stopper le projet.

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En 2016, j’ai encore commencé un nouveau projet, Shahid, et un autre groupe, Devouring Genocide, a suivi peu après. Entre temps, j’ai eu plein d’autres groupes. Je jouais tous les jours. Il y a un mème qui tourne sur moi, parce que je n’arrête pas de créer de nouveaux groupes.

Choc des cultures

De manière générale, ça a toujours été difficile de faire du metal au Kirghizstan. Souvent, ils pensent que tu es sataniste. Il y a deux façons d’être métalleux au Kirghizstan : tu dois être fort ou tu dois te cacher. C’est un pays traditionnel et parfois les gens réagissent mal.

Aussi, financièrement, ça a toujours été dur. À l’époque, nous n’avions pas d’argent pour l’équipement. Quand j’ai eu ma première guitare, j’ai dû manger des nouilles pendant six mois pour la payer. Nous avons récupéré nos batteries à la Dom Kultura, l’ancienne maison de la culture, où les jeunes traînaient à l’époque soviétique. Un de mes amis a réussi à mettre la main sur un moniteur studio, et c’est là que nous avons commencé à enregistrer. Nous n’avons jamais eu un véritable studio et je pense qu’il y a encore des studios metal non-professionnels au Kirghizstan.

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Nous jouons dans nos garages, dans nos caves, là où nous pouvons. Si tu as une prise, des lampes, des murs et un toit, tu peux jouer. La situation économique nous limite également. Quand les gens ont peu d’argent à dépenser, aller à un concert n’est pas leur priorité. Heureusement, il y a plusieurs bonnes adresses où des groupes de metal underground peuvent répéter et il y a toujours des gens qui essaient de faire fonctionner des studios, des clubs et d’organiser des concerts pour le monde underground. Nous dépendons de tous ces fanatiques qui soutiennent la scène locale.

Regarder vers l’avenir

Actuellement, la situation est lentement en train de s’améliorer. Les gens commencent à avoir plus d’argent. Avant, nous avions des instruments de l’époque soviétique ou du bas-de-gamme chinois, mais maintenant nous avons accès à du meilleur matos.

L’intérêt du public augmente aussi. Le metal se répand grâce à Internet. La musique ne dépend plus d’une nationalité, elle s’est mondialisée. Les enfants la découvrent simplement grâce à TikTok. Il y a une nouvelle génération de musiciens qui monte, maintenant que les gens qui nous écoutaient ado ont commencé à comprendre la musique et à l’interpréter à leur manière. La musique est aussi moins chère à produire grâce à la technologie, puisqu’une partie de la production est devenue digitale.

Lire aussi sur Novastan : De quoi vit la scène musicale underground au Kazakhstan ? Entretien avec des artistes et des producteurs d’Almaty

Au Kirghizstan, la scène metal se fait moins remarquer qu’au Kazakhstan, surtout à Almaty. Nous allons souvent y jouer. C’est plus peuplé et l’économie y est plus développée. Alors que nous avons du mal à trouver de l’argent pour acheter de l’équipement, les gars au Kazakhstan réussissent d’habitude à trouver du meilleur matos. La scène est aussi en train de se développer en Ouzbékistan, puisque le pays s’est ouvert sous le président actuel. Auparavant, là-bas tout était underground. Mais, bientôt, ils vont avoir leur premier grand concert avec un groupe de Finlande, The 69 Eyes.

Une petite scène qui s’entraide

Sur notre petite scène, tout le monde se connaît et s’entraide. A l’époque où nous avons commencé, il n’y avait personne pour nous aider. Maintenant, nous sommes trois à faire plus ou moins tourner la scène metal à Bichkek. Arseny Jerdev joue avec Kashgar, un groupe de black metal ethnique. Il s’occupe des gros concerts et réussit à faire venir des groupes qui viennent de loin.

Quand Sepultura, un groupe de heavy metal brésilien, est venu à Bichkek, ça a été un moment très important. Au début, nous n’y avons pas cru. Quant à Mikhaïl Efimenko, il se concentre sur les groupes locaux du Kazakhstan et du Kirghizstan. Il joue dans MY OWN SHIVA, un groupe metalcore.

Je ne travaille qu’avec le monde underground. Pour moi, c’est l’émotion qui compte. Si un chaman se met à taper sur une batterie et veut faire du metal, je vais l’aider. Ma philosophie de vie tourne autour du soutien à la créativité. Que tu joues du temir komuz, du grindcore, du punk, du death metal, peu importe, ça me convient parfaitement. Si j’ai la possibilité d’aider, j’aide.

La musique connecte le monde

Par ma musique, je suis connecté avec des gens qui viennent de partout dans le monde. Le premier album de mon groupe Shahid parlait des problèmes sociaux du Kirghizstan : le crime, les révolutions, la violence des rues, la haine, les problèmes de famille, la pauvreté, les drogues, les problèmes de santé mentale. C’était la nostalgie de l’époque soviétique, le “post-Union noir”. Ça parlait de fatalité. Nous n’avons pas beaucoup d’opportunités au Kirghizstan. Il y a eu pas mal d’instabilité ces dernières années.

Dans l’album, j’avais besoin de m’exprimer. Je ne m’attendais pas à ce que quelqu’un me comprenne mais il s’avère que des gens de toute l’ex-URSS pensent et ressentent la même chose. Des personnes d’Ukraine, de Biélorussie, du Kazakhstan, de Russie et de Pologne. J’ai même reçu un message de deux gars du Canada. Même si mes textes sont toujours en russe, ils m’ont dit qu’ils comprenaient ce que je voulais transmettre et comment je me sentais. C’est là que j’ai compris qu’avec la mondialisation, les problèmes sont les mêmes partout dans le monde. Et quand tu chantes ces problèmes, des gens de partout te comprennent.

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Pour nous, la musique c’est plus qu’un hobby. C’est une façon de vivre. Nous avons un peu vieilli et nous avons des problèmes au travail, des problèmes de famille, nous subissons les problèmes de société et encore bien d’autres. Nous ne faisons pas d’argent avec la musique. Au contraire, nous payons souvent pour voyager et se produire. Mais ça ne nous pose pas de problème.

Nous essayons d’aider les gens ici qui veulent jouer, leur prêter des guitares, des batteries, des micros, tout ce dont ils ont besoin. Nous n’avons pas d’intérêt pécuniaire à le faire, nous le faisons par passion et pour nos idéaux. Et je continue à monter sur scène. Bientôt, je vais jouer avec Death before Dishonour, un groupe hardcore de Boston, à Almaty. Si vous me l’aviez dit il y a cinq ans, je ne vous aurais pas cru.

Les photos ont été aimablement mises à disposition par le festival Rock da bone à Bichkek.

Douwe van der Meer
Rédacteur pour Novastan English

Traduit de l’anglais par Arnaud Behr

Edité par Vladimir Przybylinski

Relu par Eléonore Jeannot Ventura

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Begaïym Omour, fille de la célèbre chanteuse kirghize Asel Tourdaliyeva, a décidé de suivre la voie de sa mère. Novastan est allé à sa rencontre.

Jeune chanteuse de 25 ans, Begaïym Omour a publié son premier clip en février dernier. Si celui-ci connaît déjà un certain succès sur sa chaîne YouTube, ce n’est que le premier projet de sa carrière. "Il y a deux ans, j’ai fait un clip pour ma famille. Ce n’était pas vraiment pour me faire connaître du public mais plutôt pour faire une surprise à mes parents", explique la chanteuse à Novastan.

Cette envie de devenir chanteuse remonte à son enfance. Mais grandir en étant la fille de la célèbre chanteuse Asel . . .

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Le film Dos-Moukasan d’Aïdyn Sahaman, présenté lors du 33ème Festival du film de Cottbus en Allemagne, retrace l’histoire du groupe de rock kazakh éponyme, surnommé les « Beatles kazakhs ». À travers cette épopée musicale, le réalisateur offre un regard sur la société kazakhe.

Le 12 novembre dernier a eu lieu la clôture du 33ème Festival du film de Cottbus en Allemagne. Avec Close up : Kazakhstan, l’édition 2023 consacrait une section à part entière à ce pays d’Asie centrale, proposant ainsi un survol du cinéma kazakh sur 40 ans. Outre de véritables classiques, le festival a projeté un des grands films à succès de ces dernières années : Dos-Moukasan.

Ce film du metteur en scène Aïdyn Sahaman raconte l’histoire du groupe éponyme qui a fait éclore le rock et la pop dans le Kazakhstan des années 1960, ce qui lui a valu le surnom de « Beatles kazakhs ». De nos jours, les chansons de Dos-Moukasan jouissent encore d’une grande popularité dans ce pays.

Selon Aïdyn Sahaman, l’idée d’un tel biopic lui est venue en 2018, après son visionnage du film Bohemian Rhapsody dédié au groupe anglais Queen. « Pourquoi ne pas faire pareil avec nos propres légendes ? », se demande-t-il, cité par le portail d’information kazakh Kursiv.

Les Beatles kazakhs

Le film commence en 2010 avec le tragique accident de circulation qui a coûté la vie à Baqytjan Joumadilov, un des meneurs de Dos-Moukasan. Son passager, Dossym Souleïev, cofondateur du groupe, s’en est sorti avec de graves blessures. Dans cet instant entre la vie et la mort, ce dernier se remémore les débuts du groupe.

Baïanaoul, 1967. Rassemblés à l’occasion d’un chantier international, des étudiants de l’Institut polytechnique kazakh (aujourd’hui l’Université Satbaïev à Almaty) jouent de la musique autour de feux de camp. C’est là qu’apparaît le nom Dos-Moukasan, composé des premières syllabes des prénoms de ses membres : Dossym Souleïev, Mourat Qousaïynov, Qamit Sanbaïev et Alexandre « Sania » Litvinov. Le secrétaire du Komsomol, qui se révélera par la suite être le pire adversaire du groupe, se trouve également à Baïanaoul.

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De retour dans leur institut à Almaty, Dos-Moukasan jouit d’une popularité croissante parmi les étudiants : la musique rock est alors très en vogue auprès de la jeunesse soviétique, au grand dam des officiels qui, eux, l’apprécient beaucoup moins. Mais lorsqu’il s’avère que les garçons ont du talent et qu’ils peuvent gagner des concours, ils bénéficient du soutien tacite de leurs enseignants, malgré des notes insuffisantes.

Un groupe en constante évolution

Des changements interviennent très vite dans la composition du groupe : des membres marquants comme Baqytjan Joumadilov, Charip Omarov et sa future femme Qourmanaï Omarova rejoignent la bande, tandis que Sania Litvinov doit s’en aller sous la pression de sa doyenne. Au fil du temps, plus de 30 musiciens se succéderont ainsi dans le groupe au gré des changements.

Le film retrace le parcours des membres du groupe à travers les différentes étapes de leur vie : la fin des études, la fondation d’une famille et une popularité toujours plus grande, notamment dans la République socialiste soviétique (RSS) kazakhe. Les tentatives de réduire l’importance du groupe, considéré comme nationaliste puisqu’il chante en kazakh, n’ont généralement qu’un succès éphémère. Finalement, la RSS kazakhe envoie Dos-Moukasan à un concours de musiciens professionnels à Minsk, sans que cela ne soit tout à fait conforme aux règles. Le groupe a désormais atteint son sommet.

La dissolution du groupe marque un tournant dans le récit, en mettant en lumière les questionnements existentiels qui animent ses membres. Le point culminant du film survient lors d’une scène évocatrice dans la steppe, où Dossym Souleïev, devenu professeur et recteur de l’université Satbaïev, annonce sa décision de quitter le groupe afin de poursuivre une carrière scientifique et d’entamer un doctorat à Moscou. À cet instant s’achève la rétrospection sur l’histoire du groupe.

Une bromance kazakhe

Malgré les divergences d’opinion, Dos-Moukasan est avant tout l’histoire de l’amitié et de la cohésion entre les membres du groupe, avec un accent particulier sur Dossym Souleïev et Mourat Qousaïynov. « On dirait bien qu’on a affaire à une bromance », ont déclaré les réalisateurs à Kursiv.

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Cet esprit d’équipe s’avère d’autant plus nécessaire que le groupe est constamment victime d’intrigues de la part des officiels soviétiques au cours du film. La représentation à l’écran de cet antagonisme entre le groupe kazakh et le pouvoir soviétique reflète également les débats du Kazakhstan d’aujourd’hui, où il est toujours question de décolonisation et de recherche d’une identité nationale. Le portail d’information kazakh Tengrinews souligne ainsi que le film est bilingue : le recteur de l’école polytechnique, le chef du parti et les fonctionnaires s’expriment en russe, et les membres du groupe en kazakh.

Un film à voir malgré quelques éléments surfaits

Alors que Dos-Moukasan reproduit fidèlement les événements historiques, le film n’est pas totalement dépourvu d’éléments fictifs. Et c’est malheureusement là que résident ses faiblesses. La figure de l’éternel contradicteur incarnée par le secrétaire du Komsomol, qui ne se remet pas de ce que la belle Sabira qu’il courtise se décide pour Mourat Qousaïynov, et qui par la suite ne cessera de mettre des bâtons dans les roues aux musiciens, paraît particulièrement surfaite.

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Il en va de même pour la fin du film : dans une scène inventée de toutes pièces, censée se dérouler en 2022 (le tournage a eu lieu, d’après Tengrinews, en 2020 et en 2021), le groupe donne un concert à Almaty. Soudain, les lumières s’éteignent et, après une courte pause, des lampes de portables s’allument dans le public qui reprend la chanson à peine interrompue. Réussi dans l’ensemble, le biopic se conclut par une scène donnant inutilement dans l’émotion.

Dos-Moukasan n’en reste pas moins un film à voir absolument, qui réussit à entremêler l’histoire du groupe avec des intrigues, des histoires d’amour et une bromance. Les tubes de Dos-Moukasan offrent ici une bande-son tout à fait adéquate. En fin de compte, le film ne raconte pas seulement une partie passionnante de l’histoire musicale du Kazakhstan, il donne aussi un aperçu important de ce qui anime la société kazakhe d’aujourd’hui.

Robin Roth
Rédacteur pour Novastan Deutsch

Traduit de l’allemand par Adrien Mariéthoz

Édité par Macha Toustou

Relu par Elise Medina

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La scène underground fait partie du paysage musical kazakh et se concentre en grande partie dans la ville d’Almaty. Peu soutenus par des professionnels, les conditions de vie des musiciens peuvent s’avérer compliquées. Loulia Petrova s’est entretenue pour The Village Kazakhstan avec certains artistes emblématiques.

Dans le jargon musical, le terme underground est utilisé pour décrire une production peu connue et indépendante. Les artistes sont généralement peu connus du grand public. Ils diffusent et produisent eux-mêmes leur propre musique. Leurs conditions de vie sont par conséquent peu stables. 

Dans la ville d’Almaty, les artistes se regroupent autour d’une scène locale assez importante. Loulia Petrova s’est entretenue avec des membres représentatifs de ce genre musical : Lena, Lika et Laura, musiciennes et co-fondatrices de la communauté underground Pink Noise, Artiom Vvedenski, propriétaire de la salle de concert Enclave, organisateur des soirées événements « Chabach » (sabbah en russe, ndlr) et membre du groupe P.I.G.Z., ainsi que Piossa Katsenelenboguen, membre des groupes Krasnyechoulki et ANTIVSYO.

The Village Kazakhstan : Quelle activité entretenez-vous avec la scène musicale underground ?

Lena : Le projet Pink Noise a été créé il y a environ un an. Après s’être regroupées avec Lika et Laura, nous avons décidé de réunir une communauté qui couvrirait la scène locale et parlerait des musiciens locaux pour qu’on leur accorde plus d’attention. 

Lika, fondatrice du groupe The Ravenmockers : J’ai toujours cru que la musique pouvait être monétisée. Le groupe m’aide à m’immiscer dans la sphère de l’art, à la découvrir sous tous ses aspects, à la consolider avec la science. Quand l’idée est apparue, les possibilités sont aussi apparues : il y a huit ans, j’ai fait la connaissance d’Ivan (guitariste des Ravenmockers, ndlr) et de Sacha (bassiste des Ravenmockers, ndlr), ils m’ont énormément inspirée et continuent de le faire. En parallèle de la musique, je suis chercheuse en neurobiologie, j’écris et je donne des cours au croisement entre art et science. 

Quel est l’état actuel de la scène locale ?

Lena : Après le covid, beaucoup de nouveaux groupes sont apparus au Kazakhstan, des genres qui ne rentraient ni dans le mainstream, ni dans les catégories qui existaient à ce moment-là. Maintenant la situation s’est grandement améliorée, mais si nous ne soutenons pas la scène locale, elle pourrait bien disparaître. À Almaty on a déjà observé ce scénario : de nouveaux groupes sont apparus, des salles de concert ont été créées, mais après quelques temps, elles ont cessé de répondre aux besoins des spectateurs et ont fermé. 

C’est tout l’underground kazakh qui se concentre à Almaty. Ici, il y a une diversité des genres, les gens veulent et sont prêts à expérimenter. C’est ce qui distingue fortement notre scène des autres, comme par exemple la scène russe. Là-bas, le mouvement général va vers la simplification de la musique, le post-punk domine. Nos musiciens jouent du Noize, du Grunge, du Psychédélique. Ils veulent se mesurer musicalement au reste du monde, alors que les musiciens russes ne travaillent que dans le périmètre de leur propre scène. 

Pourquoi les groupes ne sortent pas du cadre de l’underground ?

Artiom Vvedenski : La majorité des groupes reste dans l’underground à cause du manque de soutien des auditeurs. Par exemple, un nouveau groupe peut rassembler quelques amis pour un concert, mais la masse ne s’y intéressera pas. Ils préfèrent se rendre au concert d’un artiste déjà connu plutôt que d’écouter de l’underground local. En Europe, les gens essayent d’aller aux concerts des groupes « no name », pour découvrir quelque chose de nouveau. Chez nous, malheureusement, c’est l’inverse. 

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Lika : Le problème le plus important est l’absence totale de culture et d’éthique professionnelle. On ne signe même pas de contrat. Personne ne veut prendre de responsabilité. Mais même dans l’underground, il faut des règles. Quand il n’y a pas d’éthique, ça engendre une montagne de conflits internes et externes. J’ai remarqué que de génération en génération, beaucoup se découragent tout simplement : soit ils n’ont nulle part où évoluer, soit le projet reste au stade de l’enthousiasme. Beaucoup oublient que l’industrie musicale est un business. 

Lena : Tout repose sur les ressources. Nous avons peu de professionnels qui savent enregistrer et mixer des chansons. Et ceux qui savent ne maîtrisent pas les spécificités des genres, et peuvent seulement travailler avec une musique définie. Beaucoup de musiciens ne font pour l’instant que participer, et peu parviennent à composer une production compétitive. Et les infrastructures, et le soutien de la communauté aux musiciens débutants sont insuffisants : il y a peu d’endroits où se produire, peu de salles de répétition. 

De plus, beaucoup de musiciens considèrent qu’à partir du moment où ils composent une chanson et la partagent, alors ils seront automatiquement écoutés. Mais ce n’est pas si simple, la préparation du public à la sortie, les annonces et l’analyse qui en suivent sont indispensables. Si la sortie n’a pas marché, ça vaut la peine d’en chercher les raisons, de réfléchir à ce que l’on peut améliorer. Il est important de réfléchir sur son travail. 

Laura Casper, artiste solo : Les caractéristiques individuelles de chaque musicien peuvent aussi gêner leur développement. Souvent, les débutants ne partagent pas leur travail de peur de recevoir des critiques. La critique constructive est pourtant indispensable au développement. Il est important de savoir prendre en compte des remarques de la bonne manière et de distinguer la critique des haters.

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Malheureusement, les organisateurs invitent à se produire les artistes déjà connus localement, avec un grand nombre d’abonnés, tout en ignorant pratiquement les débutants. Les artistes populaires le deviennent encore plus. 

Piossa Katsenelenboguen, membre des groupes Krasnyechoulki et ANTIVSYO: Notre scène commence tout juste à se développer, notamment dans le genre punk. La scène est tenue par quelques groupes qui font autorité et populaires, en ce qui concerne l’underground. Ils se produisent dans tous les grands événements pendant que d’autres se battent au sujet du plafond de verre. Pour s’épanouir dans l’industrie musicale, il faut avoir soit des connexions, soit les moyens d’organiser ses propres festivals et concerts.

Quelle est l’éducation musicale au Kazakhstan ? 

Lika : Les Kazakhs ne s’intéresseront pas à développer la musique indépendante tant que personne n’aura titillé leur intérêt. Il faut des gens pour constamment raviver la flamme de ces groupes, et d’autres pour les soutenir. Comment faire? Il faut un manifeste constant. Rien n’est impossible à celui qui désire vraiment quelque chose. Et un manifeste produit avec passion touchera même les esprits indifférents.

Lena : Il y a beaucoup de facteurs qui influent sur l’éducation musicale, en premier lieu l’économie. Notre scène est concentrée là où il y a des ressources et de l’argent, à Almaty. Le reste de la population n’a pas l’opportunité de se renseigner sur la scène underground d’Almaty. 

On peut noter une tendance positive : la demande d’auto-identification et d’autoréflexion augmente au Kazakhstan, et beaucoup de musique est créée en langue kazakhe. S’il y a du mainstream, alors tôt ou tard il y aura de l’underground où seront présentés des artistes de langue kazakhe d’orientations moins populaires. 

Pourquoi la visibilité des artistes est-elle compliquée ? 

Artiom Vvedenski, propriétaire de la salle de concert Enclave: Tout repose sur l’argent. Les musiciens ont besoin de moyens pour organiser des concerts, mais les gens ne veulent pas donner trop d’argent pour de la musique. Il manque la compréhension que, comme pour tout autre service, il faut payer pour l’art. Nous avons essayé d’organiser des concerts le plus simplement possible et sans trop de dépenses, mais nous n’avons jamais pu récolter de grandes sommes. 

Piossa Katsenelenboguen : Les difficultés financières arrivent très vite. Nous n’avons pas de revenu fixe, et il faut toujours de l’argent pour les répétitions. C’est pour cette raison que j’ai des comptes d’épargne où je place de l’argent spécialement pour la musique. 

Lena : Les algorithmes qui font la promotion de la musique sur les plateformes de streaming ne sont pas assez développés pour organiser parfaitement les titres par playlist. Si tu fais de la musique qui se différencie grandement de ce qui est populaire dans ta région, alors il faudra du temps pour que les algorithmes comprennent qui tu es, et quel genre de musique tu fais.

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Ils peuvent créer une playlist avec des titres venant de genres différents du tien, mais produits par des artistes de la même zone géographique. À cause de ça, ton titre risque de se retrouver en compagnie improbable, loin de ton orientation. 

Peut-on gagner de l’argent avec la musique indépendante ?

Laura : Non. Sur la scène locale, tu ne fais qu’investir en ne gagnant rien. Personnellement je n’ai pas gagné un centime, bien que j’ai injecté pas moins d’un million de tengués (2013,45 euros) dans ce projet depuis 2018. Le travail des artistes indépendants n’est pas reconnu à sa juste valeur. Le seul paiement que tu reçois pour ta musique, c’est quand tu vois ton audience régulière, ces 5-10 personnes à tes concerts, et que tu te ressources par leur énergie pour pouvoir continuer à t’investir dans ton travail. 

Lika : Je pense que c’est possible. C’est vérifié, et plus tu investis ton courage et ton intellect, plus tu gagnes. Il y a une tonne d’instructions différentes pour monétiser son œuvre. C’est aussi une activité expérimentale, surtout au Kazakhstan. 

Comment passer au niveau supérieur et devenir plus connu ? 

Lena : Il faut travailler ses productions, sa promotion, chercher son audience. Je pense que quand un musicien de l’underground peut rassembler à lui seul 500 personnes, on peut dire avec assurance qu’il a réussi. Après ça, ces musiciens peuvent eux-mêmes organiser de grands concerts et inclure des débutants dans la programmation. 

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Artiom Vvedenski : Être toujours à l’écoute, choisir son audience cible et travailler dessus, écrire des titres pour qu’encore plus de gens puissent vous écouter, non seulement en concert mais aussi sur les plateformes de streaming. Il faut fermement se présenter, se rendre aux grands festivals, se préparer avec sérieux pour ses concerts, éviter l’alcool et la flemme. 

Beaucoup de musiciens débutants ont cette impression qu’il faut courir au studio et payer des sommes astronomiques pour enregistrer. En vérité ce n’est pas le cas, nous avons toujours enregistré nos titres à la maison, à la va-vite, et eu le résultat attendu. 

Comment aider la scène locale ?

Piossa Katsenelenboguen : Il faut que les musiciens collaborent les uns avec les autres et abandonnent les préjugés. J’aimerais que les événements soient organisés avec une grande ouverture à la nouveauté. Par exemple, la programmation du festival Chabach, pour lequel devaient se produire plusieurs groupes « durs », ne contient désormais que les artistes habituels. Mais je me réjouis que notre scène ait commencé à se développer. Il n’y a pas si longtemps que ça que le bar Enclave a ouvert, n’importe qui peut s’y produire. 

Lena : Pour soutenir les artistes, les auditeurs peuvent se rendre à leurs concerts, payer l’entrée, partager leurs contenus sur les réseaux sociaux. Ça augmente la probabilité que le post finisse dans les recommandations. C’est important d’écouter les chansons et de s’abonner sur les plateformes de streaming. Les algorithmes marchent d’une telle façon que si vous cliquez sur « like » pour cette chanson, alors elle sera suggérée à d’autres utilisateurs ayant des goûts similaires. 

Lika : Les producteurs autoproclamés doivent apprendre à accompagner les musiciens et leurs projets avant de se justifier. Inviter des têtes d’affiche d’autres pays n’est pas l’idéal, il faut aussi de la confiance envers les artistes locaux. 

Les musiciens doivent apprendre à défendre leur réputation. « Nous ne serons pas les serviteurs de ceux qui veulent s’enrichir sur notre dos », tel est le manifeste. Soit vous établissez une trajectoire et cheminez tranquillement à votre rythme, soit on vous imposera un joug et tout le monde vous marchera dessus les uns après les autres. Le choix est le vôtre. 

Quels artistes locaux recommanderiez-vous ? 

Lena :  Avec l’équipe de Pink Noise, nous avons rassemblé une énorme playlist multigenre avec des artistes locaux.

Artiom Vvedenski : Pour ma part, j’aimerais recommander plusieurs groupes qui essayent de rendre la scène locale meilleure : Secret Radio, Krasnyechoulki, Kepler’s Three Laws et Yourskii park. 

Propos recueillis par Loulia Petrova
Pour The Village Kazakhstan

Traduit du russe par Mathilde Garnier

Édité par Lisa Martin

Relu par Elise Medina

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DECRYPTAGE. Depuis le début d’année 2023, certains chanteurs russes annulent un à un leurs concerts programmés dans des pays d’Asie centrale. Leur engagement en faveur de la guerre en Ukraine est souvent évoqué. Pourtant, récemment, certains artistes ont été bridés, à l'inverse, pour leur position contre la guerre.

Au Kazakhstan, au Kirghizstan et en Ouzbékistan, la guerre en Ukraine permet une vraie recomposition de la scène musicale russophone. Décryptage d’un changement culturel en Asie centrale.

Le célèbre chanteur russe pro-Kremlin Grigory Leps a une nouvelle fois vu une de ses dates être annulée. A cause de son soutien à l'invasion de l'Ukraine, les organisateurs ont pris la décision d’annuler sa performance à Tcholpon-Ata, ville de la région du lac Issyk-Koul au Kirghizstan, rapporte le média kirghiz 24.kg.

Cet artiste russe ultra-patriote avait déj . . .

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Dos-Moukasan, groupe kazakh culte formé dès les années 1960, a eu droit à son biopic. Dans un entretien, le réalisateur Aïdyn Sakhamane revient sur la trajectoire du groupe et le tournage du film qui leur est consacré.

Novastan reprend et traduit ici un article publié le 11 octobre 2022 par le média kazakh The Steppe.

Fin septembre dernier, la première du film Dos-Moukasan a eu lieu au Kazakhstan. Le drame musical revient sur le succès du groupe kazakh du même nom, formé en 1965 par des étudiants de l’institut polytechnique. Le célèbre groupe, dont l’histoire dure depuis déjà près d’un demi-siècle, a largement contribué à l’essor culturel et artistique de la société kazakhe. D’amour, d’amitié et de musique, ce film montre toutefois qu’aucun succès n’est possible sans difficultés, déceptions et dilemmes.

La rédaction de The Steppe s’est entretenue avec Aïdyn Sakhamane, le réalisateur du film qui, pendant trois ans sans interruption, y a travaillé en veillant à ce que parvienne au spectateur l’histoire la plus proche possible de la réalité. Il a partagé avec la rédaction ses impressions sur la première du film ainsi que ses anecdotes de tournage.

The Steppe : Comment a débuté la production du film et comment s’est déroulé le casting ?

Aïdyn Sakhamane : Tout a commencé lorsque le ministère de la Culture et des Sports a rendu public le projet de tournage. Un grand concours avait été organisé, pour lequel plus de 250 projets de réalisateurs très talentueux, avec de bons scénarios, ont été qualifiés. Le niveau était élevé et la concurrence rude. Nous avons eu la chance de passer cette étape car, au moment du confinement, les complications se sont accumulées : nous avons dû reporter plusieurs rendez-vous, repenser l’organisation du tournage et, pour plusieurs raisons, le destin du projet nous semblait incertain. Mais d’un autre côté, le confinement nous a été favorable car à son apogée, nous nous occupions de l’organisation, faisions passer les castings, et les artistes avaient suffisamment de temps pour pouvoir se préparer.

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Nous n’avons pas précipité les étapes de repérage et de préparation au tournage, qui étaient plutôt ambitieuses, et tout s’est déroulé à un rythme normal. Nous avons organisé un grand casting, faisant jouer des acteurs de nombreux théâtres à travers le Kazakhstan. Parce que nous travaillions avant tout à la réalisation d’un biopic, nous avons mis un point d’honneur à choisir les acteurs si bien pour leur talent que pour leur ressemblance physique aux personnages réels. Une fois le casting terminé, les artistes se sont longuement préparés à jouer de l’instrument de leur personnage, avec des professionnels ou en autonomie. Meïyrghat Amangueldine, un acteur et vocaliste épatant, avait une difficulté supplémentaire car son personnage devait jouer de cinq instruments de musique différents.

Pendant la scène la plus importante, Maksat Sabitov – dans le rôle du musicien Mourat Kousaïnov – a dû jouer une partition extrêmement technique à la dombra(instrument national kazakh de la famille des luth, ndlr), que même les professionnels ont du mal à maîtriser.

Êtes-vous satisfaits des résultats et des réactions, si bien du public que des critiques, après la première ?

Je voudrais commencer par évoquer les chaudes félicitations que j’ai pu apprécier sur les réseaux sociaux, dans les critiques des professionnels et des journalistes cinéphiles. Bien sûr, les réactions sont variées, mais c’est aussi ce que nous cherchions en réalisant ce film. Il y a certaines scènes fortes dans le film, dans lesquelles nous avons placé une intention spécifique, mais le spectateur lambda ne les perçoit pas nécessairement. Nous apprécions particulièrement les critiques qui utilisent des arrêts sur image pour mettre en avant certains détails.

Vous attendiez-vous à ce que le film soit projeté en salle ou aviez-vous des doutes quant à sa diffusion ?

Il me semble que, dans notre pays, les étapes d’une production sont les suivantes : avances – projections – rentrées d’argent. Pour moi, le plus important est de rendre le film accessible au grand public donc, pour l’instant, je ne me préoccupe pas de ce qu’il advient des avances versées. Ce qui m’intéresse, c’est le résultat final.

J’ai été plutôt triste de ne voir que six personnes à la première en salle. Comment peut-on expliquer cela ?

Honnêtement, je n’ai pas eu le temps d’assurer l’opération jusqu’au bout car c’est essentiellement le travail du producteur. Je sais seulement que le jour de la première, il y a eu un problème technique sur le site de vente de billets. Mais c’est au moins la 30ème erreur que l’on corrige. Maintenant, le film est distribué sans limite dans tous les cinémas du pays.

Quelle était l’ambiance sur le tournage ?

Les acteurs sont vraiment géniaux, ils sont tous rentrés dans leur rôle sérieusement et consciencieusement. Lors des préparations du tournage, les acteurs et moi-même avons pris conscience de la responsabilité que nous avions vis-à-vis du groupe et de ses membres. Nous nous sentions aussi responsables vis-à-vis du public, car l’histoire de Dos-Moukasan, longue de 55 années, est chère à tous les Kazakhs.

Les acteurs ont commencé le tournage avec sérieux, en étudiant profondément la biographie des personnages principaux et en s’appropriant même leurs habitudes et particularités. Pour ce qui est de la musique, chacun des participants au casting a chanté et dansé. 90 % des acteurs ont doublé leur propre rôle, que ce soient les répliques ou les passages chantés.

L’auteur du scénario, Efrat Charipov, a accompli un travail extraordinaire en un temps très réduit. Il a dû s’imprégner rapidement de l’époque du film, l’étudier en détail, mais aussi en parler avec des gens qui l’ont réellement connue : avec ses parents, ses proches et les consultants qui étaient présents au moment du tournage. Chaque détail compte, des instruments de musique aux costumes. Nous avons d’ailleurs préparé le tournage et écrit le scénario en nous réunissant sur Zoom, car nous ne pouvions sortir de chez nous lors du confinement.

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Nous avons aussi rencontré des difficultés. Nous relatons l’histoire de la première période de Dos-Moukasan, pendant laquelle sont nés quasiment la majorité de leurs titres cultes, tels que Sagyndyn seni (Tu me manques), Almaty touni (Nuit d’Almaty), Koudacha, Toï jyry (Chanson de fête), Alataou et bien d’autres encore. Nous nous sommes heurtés au défi d’insérer des éléments musicaux dans la narration du film en veillant à ce qu’ils ne prennent pas trop de place dans la trame, pour ne pas tomber dans le film-concert. Le mérite revient à l’auteur du scénario qui s’est donné à 100 % dans son travail.

Comment avez-vous réussi à rendre l’atmosphère de cette période et à l’aide de qui ?

De temps en temps, nos consultants sont intervenus sur le tournage. Par exemple, dans la scène du mariage de Mourat et Sabira sur Toï jyry , qui est une des scènes culminantes du film, Dosym Kasymovitch Souleïev(un des membres du groupe, ndlr) nous a rendu visite et a été très surpris en voyant comment se déroulait le tournage. Ce jour-là sur le plateau, nous avons frôlé le désordre car 200 personnes étaient intervenues devant et derrière la caméra, entre les maquilleurs et les acteurs.

Après la 20ème prise, lorsque tout le monde commençait à être fatigué, Dosym Kasymovitch a félicité l’équipe et rejoint les artistes sur scène. Cela a permis à l’équipe de se remotiver et aux acteurs de trouver un nouveau souffle. Nous avons ensuite poursuivi le tournage avec plus d’enthousiasme. Dosym Kasymovitch nous a d’ailleurs apporté ses accessoires les plus typiques : les costumes d’origine, cahiers de musique, brochures, médailles, trophées, insignes et autres.

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Nous avons retrouvé les objets les plus ressemblants pour les utiliser sur le tournage. Noel Chaïakhmetov, producteur et professeur d’histoire de la musique, nous a aidés à choisir la marque des instruments de musique. Mourat Kousaïnov et son épouse se sont également rendus sur le tournage. Il était intéressant de voir les acteurs et les membres du groupe s’observer entre eux, discuter et se donner des conseils.

À quel point les faits exposés dans le film sont-ils réels ? Sur quoi vous êtes-vous appuyés en les insérant dans le scénario ?

Nous nous sommes toujours dédouanés de relater exclusivement des faits réels dans ce film. Il y a plusieurs exagérations que nous n’avons pas pu éviter, car faire un film est avant tout une démarche artistique. Cela concerne particulièrement le rôle du détracteur qui incarne symboliquement toutes les difficultés que le groupe a rencontrées sur son chemin. Les coups fourrés et jalousies ont véritablement fait partie de l’histoire des musiciens, mais sont intervenus à des moments différents de leur carrière. Par exemple, la scène du concours à Minsk est un fait historique : un des concurrents a partagé sa guitare avec Mourat Kousaïnov.

Qu’est-ce qui vous a positivement surpris lors du tournage ?

Le groupe Dos-Moukasan a joué un rôle important non seulement pour nous, mais surtout pour la génération de nos parents. Bakhytjan Alpeïssov, Gani Kouljanov et d’autres acteurs talentueux sont entrés dans le rôle des membres du groupe à l’âge adulte, dans une scène au début et à la fin du film, et ont interprété la chanson Almaty touni.

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Vous avez sans doute remarqué les nombreuses heures de travail qu’il y a eu en amont. Le talentueux chef de chœur Galymjan Berekechev a joué le rôle du guitariste du groupe, Meïrbek Moldabekov. La façon dont il a distribué les voix, tout en ajustant les accords et en guidant tout le monde… c’était quelque chose à voir ! Au-delà du fait qu’ils étaient déjà tous des acteurs chevronnés et des spécialistes de leur domaine au Kazakhstan, j’ai vu qu’ils entretenaient un lien affectif avec le film en plus de leur professionnalisme. Faisant partie d’une génération plus jeune, j’ai apprécié de voir des personnes plus âgées partager leurs valeurs et donner l’exemple.

Selon vous, à quoi est dû le succès du film ?

Le cinéma est un art collectif. Dans ce projet, l’équipe de metteurs en scène, techniciens et assistants a joué un rôle considérable. Tout au long du tournage, j’ai vu à quel point l’équipe toute entière s’est attachée au film et à son histoire. Le producteur a également accompli un travail colossal en ce qui concerne l’organisation du tournage et le processus de réalisation. Le film Dos-Moukasan était le premier projet de long-métrage pour la société de production Aray Media Group, qui a réussi à le mener à bien. Pour un premier film, c’était un travail historique monstre, et donc un véritable défi pour l’équipe de production.

Un énorme morceau du travail consistait aussi à recréer l’architecture de l’époque, les costumes, les coiffures, mais aussi l’arrangement des instruments de musique. Toute l’équipe s’est investie à 200 % et j’en suis extrêmement reconnaissant. Grâce à cela, la passion de chacun des participants au tournage, de la préparation à la post-production, se ressent à l’image. Nous avons tout donné pour relever ce défi.

Par exemple, la scène du mariage présentait un grand défi pour les techniciens, artistes, costumiers, chorégraphes et acteurs. Un autre défi pour l’équipe a été une scène longue en plan séquence, dans laquelle les membres du groupe se battent contre des gars de la rue. Le film correspond aux codes du drame musical, mais dans ces moments-là, nous nous approchons plutôt du music-hall. Toutes les scènes complexes ont été produites avec un minimum d’effets spéciaux.

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Ainsi, dans la scène de la chanson Kaïdassyn ? (Où es-tu ?) au moment de la tournée, qui est un long plan séquence, Dosym Souleïev est assis dans un bus pour Moscou et regarde au loin : tous les changements de luminosité et d’heure, tous les reflets sur la vitre ont été tournés sans trucage au montage. Les 20 opérateurs de l’équipe technique jouaient de la lumière des projecteurs à différents angles et le reste de la troupe faisait balancer le bus. Cette scène a été un énorme travail. Le spectateur remarque facilement les effets spéciaux, mais les complexités du tournage demeurent imperceptibles. C’est un franc succès pour le réalisateur.

Qui a eu l’idée de tourner ces scènes complexes ?

Les scènes en plan séquence sont une idée du réalisateur, elles lui sont apparues au moment de l’écriture du scénario. Lorsque nous avons essayé de fixer le style global du film, il y a eu aussi un fourmillement d’idées. Les auteurs du film partageaient leurs idées dans un lieu d’échange où les batailles d’ordre artistique étaient nombreuses. Mais c’est grâce à cela que l’on a obtenu un tel résultat. Nous ne nous sommes pas laissés emporter par des originalités. Nous avons plutôt essayé de transmettre au spectateur les émotions que nous avons ressenties lors des préparations au tournage.

Selon vous, existe-t-il aujourd’hui un phénomène musical comparable à celui de Dos-Moukasan ?

Cela relève plutôt de la critique artistique, mais je peux néanmoins exposer mon avis personnel. Le phénomène de Dos-Moukasan est tout d’abord le produit d’une époque qu’ils ont inaugurée en insérant pour la première fois la musique kazakhe dans le rock. Pourquoi étaient-ils à la pointe de la nouveauté ? Ceux qui étaient à la mode à cette époque se contentaient d’interpréter les chansons des Beatles, mais eux ont fait quelque chose de nouveau : ils ont ajouté les accords des Beatles à la musique populaire. Alors on peut dire que les sonorités du morceau Koudacha viennent de Ob-La-Di, Ob-La-Da .

Ayant commencé par amour de la musique, Dos-Moukasan a concilié le rock occidental, qui était à la mode à ce moment-là, aux motifs folkloriques nationaux. Cela était nouveau pour l’auditeur de l’époque, et le résultat plaisait. Le répertoire de Dos-Moukasan est à la rencontre des tendances musicales et des chansons qui plaisent au grand nombre. C’est cela qui a permis au phénomène de décoller. Je pense que le groupe continue d’être populaire aujourd’hui en raison des nouvelles envies. Disons que le groupe A-studio découle de l’atmosphère de Dos-Moukasan, traduisant un amour pour la musique, pour la ville d’Almaty et tout ce qui l’entoure.

Comment imaginez-vous le spectateur idéal du film ?

J’ai le sentiment que le film n’a pas d’âge limite. Disons qu’il est destiné à tous, des plus jeunes aux plus âgés.

Lire aussi sur Novastan : L’ange blessé : un portrait dramatique et saisissant des campagnes kazakhes dans les années 1990

Le film est destiné à tous, bien que les personnages soient ceux avec lesquels nos parents et grands-parents ont grandi. Les spectateurs d’âge moyen se reconnaîtront également dans les problèmes liés à l’amitié, à l’amour et à la transgression des règles. Le film a aussi retenu l’attention des écoliers pour leur avoir expliqué de manière pédagogique l’histoire du rock kazakh. Je ne pense pas que le film soit destiné à une tranche d’âge ou à un sexe en particulier. Cependant, il a été pensé et réalisé pour ceux qui sont nés et ont grandi ici, au Kazakhstan.

Quel message porte le film pour vous en tant que réalisateur ?

Ma vie professionnelle se divise en deux périodes : la période Dos-Moukasan et la période post-Dos-Moukasan. J’ai consacré trois années de ma vie à ce projet, ne faisant rien d’autre et refusant les projets en parallèle. C’est le choix que j’ai fait dès le début.

Même pendant la coupure imposée par la pandémie, je ne me suis intéressé à aucun autre projet que ce film. C’était un sacré défi que de réaliser un film sur des gens qui sont encore parmi nous. Dos-Moukasan est un de mes projets préférés parce qu’il porte en lui les thèmes de l’amour, de l’amitié et, bien-sûr, de la musique : des thèmes qui me sont chers. J’aime moi-même chanter mais, je l’avoue, seulement en coulisses.

Comment comptez-vous évoluer à la suite de ce film ?

Je ne saurais dire ce que je ferai dans le futur. La mentalité et la culture de notre peuple fait qu’il a toujours apprécié les histoires musicales, que ce soit dans les arts figuratifs ou par les traditionnelles joutes de conteurs, les akyns. Mais aujourd’hui, je ne dirais pas que ma carrière sera seulement de réaliser des films musicaux. J’ai beaucoup d’autres idées, mais je n’en dirai pas plus pour le moment.

Propos recueillis par Daniya Ermekkyzy
Journaliste pour The Steppe

Traduit du russe par Thibaut Bacquaert

Edité par Paulinon Vanackère

Relu par Mathilde Garnier

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Après l’annulation à Almaty d’un festival où étaient programmés de nombreux artistes russes soutenant ouvertement la guerre en Ukraine, la société kazakhe démontre que l’influence culturelle russe se heurte désormais à de sérieuses résistances.

Egor Kreed, Ani Lorak, Sergueï Lazarev, Emin, Dabro et tant d’autres artistes russes devaient performer sur scène du 9 au 12 mars 2023 lors du festival Jara (« chaleur » en russe) à Almaty. Mais les organisateurs ont décidé de décommander l’événement, succombant à la . . .

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Le compositeur et musicien kirghiz Mouratbek Begaliev a été nommé chevalier des Arts et des Lettres par la ministre française de la Culture.

La culture kirghize se fraie un chemin en France. Le 19 octobre dernier, la ministre française de la Culture, Rima Abdul-Malak, a nommé le compositeur et musicien kirghiz Mouratbek Begaliev chevalier des Arts et Lettres. La nouvelle a été relayée par l’ambassadeur de France au Kirghizstan, François Delahousse, via un post Facebook. Cette nomination intervient un an après celle désignant l’actrice kirghize Aïtourgan Temirova comme officière des Arts et des Lettres.Lire aussi sur Novastan : Le ballet, un art pour la vie : portrait de la ballerine Aïguerim Atakosova

Diplômé du Conservatoire de Moscou, Mouratbek Begaliev rencontre son premier grand succès en 1983 en remportant le Grand prix du Concours international des jeunes compositeurs de Moscou avec son poème symphonique Le dernier jour de Pompéi. C’est à l’initiative de Mouratbek Begaliev qu’est créé le Conservatoire national kirghiz à Bichkek en 1993, qu’il dirige depuis lors.

Un musicien au succès populaire et international

Auteur de plusieurs symphonies, orchestres de chambres, romances et chansons, de genre épique, dramatique ou encore folklorique, ses œuvres sont régulièrement interprétées par de nombreux musiciens et orchestres à travers le monde, selon le Conservatoire national kirghiz.

Toujours d’après le Conservatoire national, ses œuvres les plus connues sont sa Symphonie inspirée de l’épopée de Manas, la Suite kirghize pour quatuor à cordes, ou son Ouverture festive pour orchestre symphonique.

Mouratbek Begaliev a aussi un succès populaire, puisqu’il a composé la musique de plus de trente films, dont Le Descendant du Léopard des neiges réalisé par Tolomouch Okeïev, et plus récemment Sayakbay d’Ernest Abdyjaparov.

Un artiste qui attire les titres prestigieux

Mais Mouratbek Begaliev n’en est pas à sa première distinction. En 2004, il est nommé chevalier de l’Ordre de Manas, ainsi que chevalier de l’Ordre de l’Organisation internationale pour la culture Turque (TURKSOY) en 2015, comme le relaie l’agence de presse kirghize 24.kg. Il a également gagné le « Prix des étoiles » de la Communauté des États indépendants (CEI) en 2016, explique le média russe Sputnik.kg.

Lire aussi sur Novastan : Le Kol-Fest, festival pionnier de la vie culturelle kirghize

Dans le cadre de ses fonctions au Conservatoire national kirghiz, il a signé un protocole de coopération avec l’Échange international des actifs numériques d’Asie centrale en mars 2020. Selon le média kirghiz Kabar.kg, la société permettrait au Conservatoire de « mener des recherches dans le domaine de la musique », de développer un « écosystème de musique numérique basé sur la technologie Blockchain », ainsi que de créer une bibliothèque numérique d’œuvres musicales en ligne.

Romane Haquette Rédactrice pour Novastan

Relu par Élise Piedfort

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Dans le cadre des 30 ans des relations diplomatiques entre l'Ouzbékistan et la France, le festival des Cultures du monde de Gannat a invité des artistes ouzbeks. Musiciens, cuisiniers, peintres, sculpteurs et miniaturistes se sont rendus dans la commune de l'Allier pour partager la culture de leur pays.L'Ouzbékistan a été l'un des grands invités du 48ème festival de Gannat des Cultures du monde. Cette commune de l'Allier a célébré la culture ouzbèke autour d’un plov et de son patrimoine vivant, dans le cadre du 30ème anniversaire de la signature du protocole établissant les relations diplomatiques entre la France et l’Ouzbékistan. Musiciens et danseuses représentaient l’Ouzbékistan dans ce festival international particulièrement tourné vers la musique et la danse.

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Promouvoir durablement le développement au niveau local en organisant un évènement artistique et musical de portée internationale, tel est le principe du festival de musique kirghize Kol-Fest. Alors que les préparatifs de la troisième édition sont en cours, l’un de ses fondateurs, Tginkis Batyrbekov, confie à Novastan comment le projet peut aboutir et bouleverser la scène musicale d’Asie centrale.Novastan reprend et traduit ici un article publié le 25 juin 2022 par notre version allemande. Premier du genre au Kirghizstan, le Kol-Fest convie du 15 au 17 juillet les musiciens et les visiteurs du monde entier, avec le lac Yssyk-Koul en arrière-plan. Ce sont trois jours de musiques en tous genres sur trois scènes qui se succèdent, entre les galeries d’art et les campements de yourtes. Après l’inauguration du festival en 2019 et son annulation en 2020 pour cause de Covid-19, l’avenir de la manifestation était, en 2021, incertain.

Néanmoins, son président et fondateur, Tjingis Batyrbekov, professeur pour les droits de l’Homme à l’université américaine d’Asie centrale de Bichkek et ancien collaborateur des Nations Unies, a pris le risque d’organiser ce grand évènement en pleine pandémie. Et le travail, en grande partie bénévole, a payé. Dépassant toutes les attentes, le Kol-Fest a rassemblé un millier de visiteurs en 2021.

Interrogé par Novastan, le fondateur du festival explique tout le travail en amont de ce succès et le lien unissant le festival au développement durable et socio-économique de la région. Il partage son point de vue sur l’avenir de ce festival. Novastan : Comment est née l’idée d’organiser pour la première fois un festival de musique au Kirghizstan ? Tginkis Batyrbekov : En 2018, les Jeux mondiaux nomades, compétition de sports traditionnels nomades d’Asie centrale, ont eu lieu pour la troisième fois au Kirghizstan, suscitant un immense intérêt chez les professionnels du tourisme. Le Kirghizstan est devenu ainsi un pays attractif, culturellement intéressant, bien qu’encore inconnu du tourisme de masse. Lire aussi sur Novastan : Jeux nomades 2018 : « nous avons ça dans le sang » Des amis allemands qui s’étaient rendus à ces jeux m’ont alors demandé s’il y avait aussi des festivals de musique. À l’époque il n’y en avait aucun, mais cette compétition sportive a démontré qu’il était possible d’organiser ici des évènements internationaux, qu’il y avait un public qui s’y intéressait et que les touristes étrangers étaient prêts à faire le déplacement.

C’est à peu près à cette époque que la vie musicale et artistique a commencé à se développer à Bichkek et en Asie centrale. En Ouzbékistan il y avait déjà le Stihia, le festival de musique électronique, qui se déroule sur les fonds asséchés de l’ancienne mer d’Aral. Au Kazakhstan aussi plusieurs autres festivals ont lieu. Lire aussi sur Novastan : « Waiting for the Sea » : un documentaire entre musique électronique et folklorique en Ouzbékistan Bref, les choses étaient en train de bouger et le moment était venu d’organiser un festival de musique. Moi et mon ami David, diplomate allemand de son métier mais aussi éditeur pendant ses loisirs, nous nous sommes attelés à la tâche. Trois autres Allemands se sont intéressés à notre projet. À l’époque, ça n’était encore qu’un groupe amical informel : certains venaient du milieu musical, les autres de l’aide au développement. Mais nous avions des valeurs en commun. Le développement humanitaire et l’affirmation du Kirghizstan sur le plan international étaient pour nous tous des enjeux importants. Finalement, l’édition 2019 du festival fut un grand succès : les réactions des participants furent pour la plupart positives, ce qui nous prouva que nous devions continuer. Le premier festival était placé sous la devise « Diversity and Interaction », le deuxième sous celle de « Recovery ». Qu’en sera-t-il cette année ? Notre devise sera cette année « Crossroads » (carrefour), ce qui a plusieurs sens : d’une part, ce mot reflète le principe qui est le nôtre, celui de la rencontre entre les cultures, d’autre part, nous nous trouvons, vu la situation mondiale actuelle, à la croisée des chemins. Et le Kol-Fest est lui aussi cette année à la croisée des chemins. Nous voulons modifier l’organisation infrastructurelle et décider des orientations que doit prendre le festival quant à la musique et au public. Notre idée d’un festival multi-genres nous permet certes, de faire entendre plusieurs sortes de musique au même endroit, mais peut-être serait-il préférable de ne proposer qu’un seul type de musique afin que le public s’y retrouve davantage. Nous devons donc réfléchir à de nombreuses questions engageant l’avenir du festival. Quelle est d’après toi la spécificité du Kol-Fest ? Notre but est de créer un cadre qui puisse rassembler des gens de cultures différentes autour de valeurs et d’intérêts communs. Nous voulons que le public partage une expérience unique : passer ensemble plusieurs journées à écouter des musiques de styles différents issues du monde entier. Notre souhait serait de rassembler à parités égales des habitants d’Asie centrale et des gens venus d’autres parties du monde. Nous avons compris combien était importante cette représentation de l’Asie centrale. Malheureusement nous n’avons pu réussir à obtenir une participation du Turkménistan, même si les contacts existent avec ce pays, mais quatre pays d’Asie centrale sur cinq seront présents. Voilà ce qui fait la spécificité de ce festival. Grâce au Kol-Fest et au tourisme qu’il génère, toi et tes amis voulez renforcer le développement durable dans la région. Quel est d’après vous l’impact de l’évènement ? Êtes-vous en contact avec les professionnels du tourisme et avec la population ? Comment réagissent-ils ? Cette année nous avons organisé un forum réunissant des représentants du ministère du tourisme et d’autres acteurs importants pour discuter du rôle du Kol-Fest. Avec le recul dont nous disposons avec cette troisième édition, nous pouvons mieux apprécier comment le festival est perçu par la population. Mais pour les éditions antérieures, nous avions aussi discuté avec la population locale. Les avis diffèrent bien sûr selon les personnes. Certains apprécient le festival parce que pour eux, c’est beaucoup d’argent vite gagné en trois jours, d’autres s’estiment dérangés dans leur quotidien. Les jeunes de la région l’aiment. Pour eux, c’est l’occasion d’apporter bénévolement leur aide, de parler aux musiciens, de pratiquer leur anglais. Leurs parents en revanche sont plus sceptiques et ne savent pas trop quoi penser du festival. Ils s’inquiètent car celui-ci est selon eux trop libéral. Lire aussi sur Novastan : Le Kazakhstan organise son premier festival de musique traditionnelle On nous suggère aussi d’organiser le festival dans quelques lieux plus reculés. Mais ce qui nous importe, c’est justement que les habitantes et les habitants des villages alentour participent au Kol-Fest, qu’ils en comprennent les valeurs et voient eux-mêmes ce qu’il peut leur apporter. Cette année nous organiserons d’ailleurs un concert pour la population locale, d’abord pour la remercier, et ensuite pour lui montrer que la musique électronique peut être belle et qu’ils n’ont pas raison de s’inquiéter. Les associations de tourisme quant à elles comprennent naturellement l’impact du Kol-Fest. Même si le festival ne dure que trois jours, nombre de participants reviendront. Des habitants de Bichkek eux aussi sont surpris de constater combien la rive sud du lac Yssyk-Koul est belle, la rive nord étant bien plus appréciée comme lieu de villégiature. Grâce à ce forum nous voulons donc mettre en parallèle nos intérêts et ceux de la branche du tourisme et dégager des convergences. Les conclusions que nous en tirerons seront d’ailleurs déterminantes pour l’avenir du Kol-Fest. Quel impact le Kol-Fest a-t-il eu sur la scène musicale du Kirghizstan ? Lorsque nous avons débuté en 2019, aucun festival de musique de cette envergure n’existait au Kirghizstan. Cet été, il y en aura au moins quatre, sans compter de nombreuses autres manifestations plus modestes. Je n’ai naturellement pas la prétention de dire que tout cela est dû au Kol-Fest. Mais ce que nous constatons, c’est que nos DJs lancent de plus en plus leurs propres projets et qu’ils se mettent en réseau avec d’autres musiciens. Le Kol-Fest est devenu une sorte de plateforme.

Et la mise en réseau au niveau régional de l’Asie du Sud-Est progresse elle aussi. Nous collaborons cette année avec le Kazakhstan et l’Ouzbékistan, en particulier avec le festival Stihia, ce qui revêt pour nous une signification toute particulière. Nous y sommes allés, ils sont venus chez nous, nous faisons face aux mêmes défis que nous essayons de surmonter du mieux que nous pouvons les uns comme les autres. De plus, nous avons invité des musiciens et des artistes de différents pays qui peuvent partager leurs expériences avec nos musiciens et nos artistes. Nous avons organisé à cette occasion un autre forum. Dans ce cadre, les musiciens et les artistes d’Asie centrale peuvent s’informer : comment se produire dans les festivals internationaux, quelles plateformes utiliser et comment trouver sa place dans l’industrie internationale de l’art et de l’industrie ? Le Kol-Fest voudrait contribuer à ce que la scène musicale d’Asie centrale soit plus connue dans le monde entier. Au début des années 2000, un grand nombre de festivals se sont déplacés d’Europe occidentale vers l’Europe de l’Est. Peut-être serons-nous la prochaine étape de ce grand remplacement ! Quels sont les défis qui attendent le Kol-Fest ? Le festival doit veiller à l’équilibre entre différents intérêts. Comme je l’ai dit, nous devons nous faire accepter de la population locale. Pour ce faire, nous misons sur les aspects économiques plutôt que sur la musique, car la population peut profiter financièrement du tourisme. Mais en même temps, il nous est difficile d’arbitrer définitivement le choix entre tourisme et musique, car la question est de savoir quel public nous visons. On pourrait penser que nous ne désirons attirer que de riches touristes étrangers, ce qui est mal connaître le Kol-Fest. Mais c’est aussi la raison pour laquelle nous manquons de sponsors. Pour les entreprises locales, notre public est trop international, pour les firmes internationales, nous sommes trop petits. Un autre défi est que le Kirghizstan manque cruellement de collaborateurs qualifiés, ayant l’expérience des festivals, comme les experts en technique ou les régisseurs. Nous avons besoin de personnes au moins bilingues, l’une des deux langues devant être le kirghiz pour pouvoir communiquer avec la population. Nous faisons œuvre de pionniers : nous formons en ce moment des régisseurs, des techniciens spécialisés et des organisateurs, des hommes et des femmes capables de faire fonctionner en même temps trois scènes durant trois jours, et ce de façon professionnelle. Pour moi qui suis politologue de métier, le défi consiste à trouver ma place dans ce monde de la musique et être crédible. Ceci demande beaucoup d’énergie. Nous organisons un grand festival professionnel avec une équipe de non-professionnels et sans beaucoup de soutien. J’espère que nous pourrons surmonter ces difficultés cette année. Comment voyez-vous l’avenir du Kol-Fest ? Notre premier but est de rendre le festival économiquement viable et indépendant des sponsors. Cette année nous avons par exemple le soutien d’une agence de développement suisse, mais cette aide ne pourra durer dans le temps. Parallèlement au financement du festival, nous envisageons de garder ouvert toute l’année un bureau avec quelques employés à plein temps. Nous pourrions ainsi éviter une longue pause de six mois entre les manifestations, maintenir le contact avec les musiciens et les musiciennes et planifier en grand. Pour atteindre ce but, je vois une grande opportunité dans la coopération avec nos partenaires d’Asie centrale.

Si nous parvenons à nous établir en tant qu’union centrasiatique, nous pourrions mieux recourir aux opportunités de financement. Une telle plateforme garantirait à nos musiciens une liberté plus grande que celle dont ils disposent dans le cadre limité actuel. Seuls les musiciens pop peuvent aujourd’hui vivre de leur art. Pour les autres, il est difficile de faire carrière dans la musique, pour la plupart elle ne reste qu’une activité qui les passionne mais ne leur permettant pas de se nourrir. Pour résumer, nous voulons grandir, néanmoins par étapes. Nous souhaitons bien sûr une croissance en chiffres, mais pas aux dépens de la qualité. Nous entendons préserver ce qui est à l’origine de notre projet, nos valeurs fondamentales et le développement durable.

Jana Rapp pour Novastan a mené cet entretien.

Traduit de l’allemand par Bruno Cazauran

Édité par Chloé Renard

Relu par Charlotte Bonin

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Amalia Aïboucheva, jeune artiste touche à tout, musicienne, peintre, rêveuse, livre un portrait fait de saveurs orientales, de notes musicales apprises à l’instinct et de couleurs peintes sur des logiciels basiques. Arrivée sur le tard dans la musique, elle se retrouve presque par hasard sur YouTube : l’Amérique découvre alors un Ouzbékistan loin des clichés de la route de la Soie.Novastan reprend et traduit ici un article publié le 14 janvier 2021 par le média ouzbek Sarpa.

Amalia Aïboucheva est une jeune beatmaker et designeuse de 23 ans originaire de Tachkent. Elle écrit des chansons, compose de la musique électronique et dessine sur l’application Paint.

Elle met un point d’honneur à ce que l’Ouzbékistan soit représenté « magnifiquement, et pas uniquement par son coté populaire. » L’artiste se raconte dans l’article qui suit.

Son entrée dans le monde de la musique

Mon apprentissage musical se résume à 3-4 mois de cours de guitare à Navoï. J’ai vécu là-bas jusqu’à mes 11 ans, puis un an à Samarcande et deux ans à Djizak. A l’âge de 13 ans, nous avons déménagé à Tachkent. Je viens de terminer mes études à l’Université de Singapour.

En réalité, j’ai grandi dans un milieu baigné par la musique. Ma mère joue du piano. Ma grand-mère chante. Mon grand-père jouait de la guitare. Mais il n’y a jamais eu de pression de la part de ma famille pour que je commence à faire de la musique.

Dès que j’ai voulu jouer de la musique, mes parents m’ont déniché un synthétiseur. Ma mère adore ma musique. Elle passait mes morceaux au travail, ça a plu à son patron et à ses collègues, alors on a joué lors d’une fête de l’entreprise avec un autre gamin.

L’autodidaxie comme ligne d’apprentissage

J’ai commencé à écrire de la musique il y a deux ans. Je travaille sur FL Studio. Ce n’est pas le logiciel le plus utilisé dans le monde de la production musicale, mais moi, il me convient parfaitement. Quand j’étais étudiante, j’essayais de ne pas trop regarder les tutos sur YouTube mais d’apprendre par moi-même parce que mon frère m’avait dit qu’on montrait pas mal de conneries sur YouTube. Pour les claviers, j’ai découvert moi-même comment ça fonctionnait. J’ai juste compris comment les octaves et les accords fonctionnent.Lire aussi sur Novastan : « Les artistes qui ne sont pas des rebelles, à quoi servent-ils au fait ? » – entretien avec Viatcheslav Akhounov

Je ne sais pas lire les notes, mais je sais où elles se trouvent sur le clavier. J’ai aussi une visionneuse d’accords sur mon bureau à côté de mon PC. J’aime bien ajouter à mes sons toutes sortes d’enregistrements faits avec une flûte à bec.

« Pouvoir vendre ma musique aux Etats-Unis »

J’ai commencé à faire des sons, juste pour le fun, pour mes amis, et ils les ont ensuite postés sur une chaîne YouTube. Quand c’est devenu plus sérieux et que j’arrivais à produire des sons d’au moins 30 secondes, j’ai continué à alimenter la chaîne YouTube. La musique me donne désormais l’opportunité de faire ce que je veux. Je fais des sons que j’aime, je les mets sur YouTube et les gens peuvent les acheter. Ici, en Ouzbékistan, tu dois payer une taxe sur chaque soum gagné pour un son. Les droits exclusifs me coûtent environ 150 à 300 dollars (142 à 285 euros), selon le morceau.

Je gagne actuellement près de 100 dollars (95 euros environ) par mois grâce à mes morceaux. Ils sont achetés par des gens des pays développés, où la propriété intellectuelle est protégée. C’est mieux qu’ils ne sachent pas comment ça se passe dans notre pays.

Aux États-Unis, la propriété intellectuelle est traitée différemment : les mecs achètent pour 500 dollars (473 euros) de programmes qu’on télécharge en un clic et te paient pour utiliser ta musique lors de leurs concerts.

 Concert au comité de la mahalla

J’ai déjà pu jouer sur scène au 139 Documentary Center Gallery et mon ami Diyor m’a proposé d’y enregistrer une performance en direct, mais sans public. Je lui ai dit que si je faisais un live, il devrait être en plein air et dans la vieille ville pour que ce soit plus authentique. J’ai pris contact avec Nastya Galimova, elle connait la ville comme sa poche.

Nous voulions montrer que la musique n’a pas besoin d’un endroit, ni d’un quartier particulier ; montrer que la vieille ville est tout aussi attractive et qu’il n’y a pas de différence entre les gars du centre et ceux de la vieille ville.

On se promenait avec Nastya quand on s’est retrouvé sur une place entre un canal et une mosquée. On s’est dit que ce serait cool de faire un concert ici. Nous avons contacté le comité de la mahalla (quartier en temps qu’unité architecturale et communautaire, ndlr) et il s’est avéré que cet endroit n’était autre que leur jardin d’été, où les membres du comité se réunissent pour discuter de différents sujets en buvant du thé. Ils nous ont donné leur accord pour faire le concert à cet endroit.

« Au début, on avait beaucoup d’ambition »

Au début, on avait beaucoup d’ambition, on avait pensé inviter les médias et faire appel à un groupe pour faire un truc vraiment attractif. Malheureusement, on a été dépassés par l’envergure et la complexité de nos idées et on s’est rappelé qu’on voulait juste faire un concert et donc on a décidé de rester dans la simplicité. Les enfants de la mahalla nous ont aidé pendant les préparatifs et sont restés pour le concert.

On ne s’attendait pas à attirer autant de monde à ce concert, on espérait qu’une quinzaine de nos amis les plus proches viendraient nous soutenir, mais pas plus. Entre la vieille ville, le froid et le concert dans la rue, qui aurait voulu venir ? Nous, on voulait juste s’éclater et en fin de compte il n’y avait pas assez de place pour tout le monde.

Art sur Paint et symboles nationaux

J’ai longtemps réfléchi à la manière dont je pourrais gagner de l’argent sur Internet. Au début, je me suis intéressée à tous les domaines peu recommandables et je ne gagnais pas grand-chose : j’ai été payée à regarder des pubs sur Internet, j’ai fait toute sorte de phishing et même du hacking.

Je me suis tournée vers le design il y a cinq ans environ, et j’ai fini par faire un burn-out parce que je ne faisais que répondre aux demandes des clients au lieu de faire ce que j’aimais, j’étais juste un instrument de travail, et cette situation a duré longtemps. Ça m’énervait, ce manque de créativité, et j’ai fini par me lasser de tout ce qui touchait au visuel.

Je réalise la plupart des œuvres que je publie sur mon compte Instagram sur Paint. Je dessine avec la souris, le résultat n’est ni très droit, ni très net et c’est ça qui me plait. Et au moins j’y mets ma personnalité.

L’Ouzbékistan comme principale source d’inspiration

Je m’inspire beaucoup de thèmes nationaux pour mon art. Je suis née ici, en Ouzbékistan. J’aime notre culture. Ce qui m’intéresse, c’est de représenter et refléter ce qu’on fait ici. Je ne veux pas faire ce que l’on fait en Europe ou ailleurs. Nous avons une richesse visuelle encore ignorée, on a des tas de motifs nationaux et d’images de notre passé non exploités, ou du moins pas encore incontournables.

J’aime nos symboles, par exemple le tigre que Yana Khorocho représente tout le temps dans ses œuvres. Yana et Sofa sont vraiment douées dans ce domaine, j’aime leurs façons de voir l’Ouzbékistan tel qu’il est véritablement. Elles savent le montrer sous un nouvel angle, plus authentique et non pas dans les clichés du khan atlas (tissus traditionnel ouzbek, ndlr).

Hommage au féminisme

J’ai commencé à écrire des chansons pour le plaisir, puis je me suis dit : pourquoi ne pas écrire sur mes expériences personnelles ? C’est devenu pour moi un outil d’expression. J’ai commencé à me demander : qu’est-ce que je retire de mes traumatismes et de mes blessures ? Je me souviens que petite, je n’aimais pas trop ce rôle genré de fille. Ça m’énervait quand on me disait de me comporter de telle ou telle manière car j’étais une fille, de m’habiller comme une fille et de jouer avec les filles, de jouer aux élastiques et à la cuisine… С’était vraiment pas ma tasse de thé. Je me disais : « Purée, il faudra vivre comme ça plus tard ? »Lire aussi sur Novastan : « Aujourd’hui, on attend que les artistes soient davantage impliqués dans la vie sociale qu’il y a 30 ans »

La chanson Ty je devotchka (T’es une fille en français) est donc un véritable hommage au féminisme, mais quand je l’ai écrite, je ne m’y connaissais pas vraiment. Et aujourd’hui, j’écoute cette chanson et je me dis que je suis devenue féministe avant l’heure.

« La signification des chansons m’importe peu »

Dans ma chanson Living in the chaos, il est question de ma désorganisation totale. La signification des chansons m’importe peu. Ce qui est important pour moi, c’est de transmettre une sorte d’énergie, une ambiance particulière.

Back to the roots est probablement l’une de mes chansons les plus personnelles. Et il y a beaucoup de références que moi seule comprends. Je suis tombée amoureuse, mais ce n’était pas réciproque, alors j’ai décidé d’écrire une chanson à ce sujet. Je me suis assise et j’ai pensé à ce que je ressentais, et je l’ai noté. Je transmets des sentiments à travers la musique, et les paroles, en second plan, viennent la compléter. La musique, c’est mon exutoire. Écrire mes chansons m’aide à me libérer de mes sentiments.

Chirine Yousoupova Journaliste pour Sarpa

Traduit du russe par Alexandra Béroujon

Édité par Maryne Boulanger

Relu par Charlotte Bonin

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The OM, musicien hip-hop actif au Kirghizstan et au Kazakhstan, a sorti début août 2021 son premier album, IT. Critique.Novastan reprend et traduit ici un article publié par notre version allemande le 30 août 2021.Certains albums semblent mener à l’intérieur d’une pièce de théâtre ou d’un temple. Dès les premières notes de l’album IT, une telle réverbération mystique se fait sentir. Puis la voix rugissante : « Un pas dans l’abîme ! » Elle appartient à l’un des nombreux personnages que le musicien incarne au cours des autres morceaux.

Un album d’introspection

The OM, 24 ans, de son vrai nom Aleksandr Doulepinskikh, a grandi dans les années 2000 à Taraz, dans le sud du Kazakhstan. Sa mère était journaliste et son père musicien de jazz. Sa jeunesse est déjà marquée par différentes influences musicales. D’où la citation en anglais de la chanteuse de jazz belge Mélanie de Biasiodans l’introduction : « Maman, regarde ma vie, / C’est un voyage solitaire ».

Dans le morceau Zakat (Coucher de soleil), il consacre quelques lignes à cette époque : « À quoi sert l’aide de Dieu à Taraz, / Maman s’échine avec trois emplois voire plus, / Monsieur le Président ne change pas de visage. » Celui qui veut réussir dans de telles conditions doit être actif, car « la foi seule ne rapporte pas d’argent ». Ou bien il faut se replier sur soi-même en quête de délivrance, comme le suggère le refrain chanté par un chœur d’enfants : « Un si beau coucher de soleil, et il apparaît ici en moi ! »Zakat fait partie, avec quelques autres morceaux de l’album, de la bande originale de la deuxième saison de la série kazakhe Cheker, qui met en scène un jeune homme plongé dans l’univers du trafic de drogue. C’est également dans ce contexte qu’a été tourné le clip musical, mettant en scène The OM avec un chapeau et un long manteau, tel un élégant héros de western dans les steppes kazakhes.

The OM

The OM a commencé la musique à Taraz. Il a d’abord expérimenté chez lui avec des micros qu’il avait sous la main et un logiciel d’enregistrement téléchargé, puis en studio. En 2013, il a déménagé à Bichkek, à quatre heures de route, pour étudier le journalisme. C’est là – sous le nom d’artiste OneSickBastard – qu’il fait ses débuts sur la scène de rap locale quatre ans plus tard, lors d’un concours de musique hip-hop.S’en est suivie une collaboration plus étroite avec le vétéran du hip-hop de Bichkek Belyi, avec lequel il gère depuis fin 2017 le studio d’enregistrement Biblioteka Records. Depuis fin 2020, le musicien a rejoint le label de musique Õzen, basé à Almaty, qui a également produit IT. En revanche, le rappeur Okean Tikhii, seul invité de l’album, vient de Bichkek. Il s’agit du morceau Mousorka (Poubelle), un traité sur la performance et l’authenticité.

Dualité et excès

L’album atteint un point culminant théâtral plus tard, dans le morceau Vverkh-Vniz (Haut et bas). Deux personnages s’opposent. Une voix énergique crie : « Je me sens chez moi ! » face à la voix froide et enfumée de l’introduction : « N’oublie pas que tu es un invité ». La confrontation donne l’impression d’un dialogue intérieur. Dans une versionlive du morceau, les alter ego se distinguent par leur coiffure et leur gestuelle, les longues boucles dandy de The OM étant tantôt détachées, tantôt attachées en tresse.Lisez aussi sur Novastan : Le rap centrasiatique en 10 morceauxLes textes expriment le danger et l’excès. Ainsi dans Vverkh-Vniz : « Ton frère est à nouveau aux infos / Quelque chose a encore mal tourné et le plan n’a pas fonctionné. » Ou encore : « Promets-moi de me retrouver si je ne reviens pas ! » prononcé par une voix féminine dans le morceau trépidant Obechtchaï.Contrairement à la première moitié de l’album au son sombre et chargé de basses, la seconde moitié semble plus détendue. Ainsi, Namarafonilis, un néologisme qui signifie en français « faire trop de marathons », exprime déjà plus de calme avec ses notes de guitare électrique. Tout comme le morceau teinté de lyrisme Nezatchem (Pour rien), dont l’instrumentation penche beaucoup vers le nu metal : « Je n’ai pas de raison de chercher la douleur / Plus de raison de cacher ma passion / Je n’ai plus de raison de porter une armure / De mentir à nouveau… »

« Que sais-tu de moi ? »

La signification de IT reste ouverte. Le titre peut aussi bien être un sigle que le mot chien en kirghiz et kazakh. L’album ne peut pas non plus être classé clairement : les influences hip-hop sont évidentes dans le chant parlé et la production, mais The OM se sert aussi beaucoup d’éléments de jazz et de rock. Même l’introduction se termine par un chant entraînant allant crescendo : « Que sais-tu de moi / Je ne suis pas celui-ci. / Dis-moi ton secret, / Et moi le mien. / Non, jamais, à personne… »

Les premiers remerciements de The OM après la sortie de l’album début août 2021 sont adressés au musicien kazakh Mark Otpiatogo : « C’est justement ce génie fou qui a produit, mixé et masterisé mon nouvel album, notre nouvel album… Il est d’ailleurs très flatté que vous aimiez le son ! »En effet, cet album d’une vingtaine de minutes seulement vit de sa complexité. Ce sont les nombreuses voix et interventions sonores en arrière-plan, ainsi que l’utilisation précise des basses, qui donnent du caractère au premier album réussi de The OM. Cela vaut la peine de l’écouter plusieurs fois pour en saisir toutes les subtilités et les nuances.L’album peut être écouté sur YouTube et sur toutes les plateformes de streaming.

Florian Coppenrath Rédacteur pour Novastan

Traduit de l’allemand par Angèle Bretin

Édité par Johanna Regnaud

Relu par Emma Jerome

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Serial est un album de musique au concept très intéressant, qui invite l’auditeur à la fois dans un monde coloré pour adolescents et dans les immeubles ternes du sud de Bichkek. Critique du dernier album du duo Vtoroï Ka.

Novastan reprend et traduit ici un article publié par notre version allemande le 7 novembre 2021.

Ceux qui ont grandi dans les années 1990 ont certainement intériorisé quelque part dans leur inconscient les séries colorées pour adolescents avec leur bande-son à la Blur, tels que Blink-182 ou GreenDay.

Le rythme de la batterie, l’introduction de la chanson avec un effet de porte-voix suivi d’un son de guitare distordu à quatre accords : c’est ainsi que débute l’album Serial, un retour à l’adolescence par le duo de hip-hop kirghiz Vtoroï Ka.

Narration et contexte des paroles

Un duo hip-hop ? En vérité, Serial est plutôt un album autour des musiciens Ilia Semionov et Soultan Botobaïev. Tous les deux sont originaires du district d’Asanbaï, dans le sud de la capitale kirghize, Bichkek. Leur dernière œuvre, plutôt axée sur le rap, Dien’ Zavisimosti, date de juillet 2020. Cette fois, ils s’aventurent avec succès sur le terrain du rock alternatif et de la pop pour adolescents. L’introduction du même nom, Serial, est à cet égard pensée comme une chanson-titre pour la série.

Comme dans une série typique pour adolescents, l’album s’articule autour d’expériences amoureuses, d’épreuves de courage et de découverte du « je » narratif. Le « tu », quant à lui, s’adresse probablement à une amie du personnage principal qui doit faire face à ses excès, comme dans Kompromiss : « J’ai encore fait quelque chose de mal / C’est à peine si tu comprendras cette fois-ci / Je suis aussi con que mon groupe ».

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À la fois fragment d’une époque et témoignage historique, l’album témoigne de la vie dans ces quartiers soviétiques d’immeubles préfabriqués. Le mikroraïon est conçu comme une zone d’habitation autarcique avec ses propres institutions sociales et culturelles. Il était emblématique de la vie urbaine de l’époque soviétique post-stalinienne. Un parallèle avec la perspective future des nouveaux bâtiments de luxe qui s’élèvent vers le ciel.

Récits de la jeunesse de Bichkek

Juste après la chanson-titre, le morceau de rap 39 Chkola raconte comment les protagonistes sont confrontés à une agression physique de la part d’élèves de l’école n°39, située juste à côté. Jusque dans les années 2000, cette école avait en effet la réputation d’être fréquentée par des combattants de rue particulièrement brutaux.

Dans les paroles, la violence est également présente. Le proviseur-adjoint appelle la mère du narrateur et traite son fils de « sale myrk ». Il utilise une insulte locale pour les personnes originaires des régions rurales.

Le clip qui l’accompagne est certes tourné dans une autre école, mais il mélange avec succès une esthétique pour adolescent avec des références aux particularités de la vie scolaire de Bichkek avant la diffusion d’Internet. C’est le cas par exemple des combats organisés à l’école : « Je suis nommé pour me battre d’homme à homme / Ils m’ont fait chier, ils ont dit que c’était comme ça que ça devait se passer. » La chanson évoque également le racket des plus jeunes par des élèves plus âgés.

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Le reste de l’album est également parsemé de petites citations et de références à ce contexte particulier. Certaines expressions ne seront sans doute pas familières aux auditeurs russophones en dehors du Kirghizstan. Par exemple, dans Tchort (Le diable, en russe) : « Mon cœur est plus froid que le métal / Je ris là où personne ne devrait, là où chacun dit « koïtchou Bratan »» (« laisse, frère », en mélangeant kirghiz et russe).

Il en va de même pour les références géographiques spécifiques qui invitent à s’intéresser de plus près à l’environnement des deux musiciens. Le narrateur du même morceau a embrassé sa bien-aimée pour la dernière fois « ce soir-là, quelque part près du monument du huitième mikroraïon ».

De la couleur pour le paysage musical

Comme dans son premier album, Vtoroï Ka cherche avant tout à façonner un son et une esthétique propres à sa ville natale, Bichkek. À la différence que cette fois, ils veulent surtout apporter des couleurs bigarrées dans le paysage musical. Le monde passionnant des jeunes, leurs préoccupations émotionnelles intenses et leur sensibilité offrent de la matière pour ces motifs. Ce faisant, l’album fait référence au vécu des années 2000, comme les bagarres à l’école, avec les expériences de la jeunesse plus contemporaine.

Ainsi, certains morceaux font référence aux pratiques sociales des réseaux sociaux dans les années 2010 : « Efface ton Instagram et ton VK », chantent-ils dans Kompromiss.C’est aussi le cas du poétique « J’ai pu, de mes doigts tremblants, arriver jusqu’aux portes de ton Instagram », dans Stories. Plus loin, « Je danse avec les doigts sur l’écran, / Il suffit de ne pas rester coincé, de ne pas laisser de trace. »

La guitare et parfois aussi la batterie pré-enregistrée contribuent à créer une atmosphère pop et joyeuse. Notamment dans la première moitié de l’album. Il en va de même pour les nombreuses onomatopées qui invitent littéralement à chanter avec eux.

Au-delà de la musique, Vtoroï Ka a accordé une importance particulière à l’esthétique, y compris par l’expression d’une certaine métrosexualité, pour reprendre le néologisme des années 1990. Dans les séances photos qui accompagnent l’album, ils se montrent dans différents endroits.

En tant que durs à cuire dans une voiture, en costume sans chemise sur un terrain de golf et en tant que duo bien rodé dans un studio photo. La pochette de l’album les montre assis sur un canapé dans une pose sage d’ange et de diable, avec des écussons symboliques, représentant l’argent, l’amour et les montagnes qui commencent juste au sud du district d’Asanbaï.

Le sérieux de la vie

En fait, l’album est plutôt destiné à un public jeune, qui constitue la majorité des auditeurs de musique dans le pays. Ceux qui trouvent les morceaux sur l’amour et les réseaux sociaux trop adolescents trouveront dans la deuxième partie des thèmes plus sérieux et un peu plus de rap. Le romantisme fait place à l’audace et à la gestion des difficultés de la vie.

« Je suis à Bichkek, ce qui veut dire que je sais ce que signifie être en bas de l’échelle », précisent les auteurs, qui mettent au défi le diable de leur expliquer comment vivre dans cette ville.Dans cette partie, Vtoroï Ka se montre également plus introspectif. Le mélancolique « Encore une semaine à attendre le dimanche… » est une digression sur les doutes intérieurs de l’auteur : « Les chansons s’accumulent et elles tournent toutes autour… / Pas de ce que je voudrais ». Il est intéressant de noter qu’il n’y a pas de morceau commun à Ilia Semionov et Soultan Botobaïev dans l’album, et pourtant ils semblent se confondre comme un seul narrateur.

Le quotidien d’adolescents

Dans Papina Machina (La voiture de papa), un autre personnage de la série, le père, fait son apparition. Le personnage principal vole sa voiture pour se rendre chez sa copine et « mon père ne sera pas content, mais je me fiche de son avis ». Mais le narrateur perd très vite sa fougue juvénile lorsque, pendant les discussions nocturnes enfumées de cannabis, « trois flics frappent à la fenêtre ».

Ainsi, le narrateur se fait tout petit dans le chœur et implore, repentant, une « dernière chance ». Vtoroï Ka s’intéresse à la création de son propre microcosme narratif, capable de capturer la vie dans toutes ses facettes, ses hauts et ses bas. L’album oscille de manière particulièrement habile entre authenticité et fiction, références autobiographiques et distance ironique.

L’album atteint son apogée narrative tout à la fin, dans My igraïem do kontsa (Nous jouons jusqu’à la fin). Un storytelling habile sur le parcours de Vtoroï Ka, leurs premiers pas musicaux en passant par le financement d’une activité complémentaire dans le business des webcams. Là encore, le parallèle dramatique avec le père, recherché par les autorités pour dettes fiscales, refait surface : « À la fin, ils n’ont pas pu attraper mon père, / Je ne sais pas moi-même dans quel coin il traîne. / Une semaine plus tard, je l’ai retrouvé à la morgue. / Mon père aussi a joué jusqu’au bout. »

Ambitions musicales

« Notre but est qu’après la première écoute, chacun se dise : « C’était quoi ça ? Je n’ai pas compris ! » et de le réécouter aussitôt » a commenté Ilia Semionov dans un entretien avec Novastan. Ainsi, l’album est également conçu comme une nouvelle étape dans la carrière du groupe, qui se trouve encore dans une niche. La plupart des morceaux avaient déjà été écrits en 2019, mais ils ont été rassemblés en un seul album au cours du printemps 2021.

Reste à savoir si la percée se fera cette fois-ci ou avec le prochain album. C’est en tout cas un uppercut pour l’industrie musicale locale et d’autres industries russophones. « Je ne vois pas de musiciens, seulement de l’argent. / Autour, des gens qui sniffent, misent sur leur cible / Chez Ourgants Vania sur la première chaîne… », riment-ils dans Tchort en référence à une émission de fin de soirée populaire à la télévision russe.

L’album remplit en tout cas son ambition d’inciter à des écoutes répétées. Dans presque chaque morceau se cache une mélodie accrocheuse et marquante, qui est aussitôt supplantée par le morceau suivant. Il ne reste plus qu’à appuyer sur le bouton replay pour en saisir toutes les subtilités.L’album Serial peut être écouté sur toutes les plateformes de streaming courantes.

Florian Coppenrath et David Leupold Rédacteurs pour Novastan

Traduit de l’allemand par Marc Gruber

Édité par Johanna Regnaud

Relu par Emma Jerome

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François Chaplin, célèbre pianiste français ayant notamment interprété l’intégrale des œuvres de Claude Debussy, se produira le 4 mars prochain à Douchanbé, la capitale du Tadjikistan. Novastan l’a contacté pour savoir ce qu’il pense du pays et de l’Asie centrale en général.“Son interprétation plonge l’auditeur dès les premières notes dans le monde des émotions que seule la musique est capable de transmettre aux cordes les plus minces de l’âme”. C’est avec ces mots que le média tadjik Asia-Plus annonce la venue du pianiste français François Chaplin à Douchanbé, la capitale tadjike, le 4 mars prochain. Après sa représentation, le musicien donnera une masterclass aux élèves du Conservatoire national tadjik, annonce Asia-Plus.

François Chaplin est un spécialiste non seulement des œuvres de Claude Debussy mais également de Frédéric Chopin dont il interprète les valses dans son dernier album sorti en janvier 2022. A l’occasion de sa venue au Tadjikistan, Novastan a contacté le pianiste pour en savoir plus sur sa vision du Tadjikistan et de l’Asie centrale.Novastan : Vous allez vous produire le 4 mars prochain à Douchanbé, que pensez-vous du Tadjikistan ?François Chaplin : Je n’ai jamais joué au Tadjikistan. Je suis heureux de découvrir ce pays à l’occasion de cet anniversaire entre la France et le Tadjikistan, et de venir jouer à Douchanbé, de découvrir le public et de donner une masterclass aux étudiants du Conservatoire tadjik.Est-ce la première fois que vous jouez dans un pays d’Asie centrale ?J’ai déjà joué à Tachkent (la capitale de l’Ouzbékistan, ndlr) il y a une dizaine d’années. J’ai également joué à Achgabat, au Turkménistan, cinq fois dans le passé, également à Almaty, au Kazakhstan. Le public d’Asie centrale est très mélomane, et il aime notamment la musique française. La région a toute une culture musicale, peut-être parce que ce sont des pays de l’ex-URSS avec un amour pour les grands compositeurs russes romantiques et pour la musique française. Lorsque je donnais des masterclass aux étudiants, j’avais été  frappé de voir combien ils aimaient la musique et connaissaient les traditions.Vous avez joué dans les salles du monde entier. Choisissez-vous les œuvres que vous interprétez en fonction des pays dans lesquels vous vous produisez ? Qu’allez-vous jouer durant votre représentation à Douchanbé ?Je vais jouer des œuvres de Chopin, Debussy et Fauré. Notamment les Estampes de Debussy – un chef-d’œuvre de la musique française, et également quelques-uns de ses préludes, puis de belles valses et des nocturnes de Chopin ainsi que sa sublime Barcarolle. J’aime jouer la musique française en Asie centrale car, très souvent, on me le demande, notamment la musique de Debussy car j’ai enregistré l’intégrale de ses œuvres pour piano, mais j’aime également jouer Schubert, Mozart, Brahms.

Qu’est-ce que cela apporte à des musiciens de recevoir l’enseignement de musiciens d’autres pays ?Il y a toute une culture de la musique occidentale et j’ai reçu cette éducation, donc évidemment je me sens en harmonie avec tous les grands compositeurs. C’est sans doute intéressant d’apporter ma culture et de pouvoir donner des conseils aux étudiants, et c’est également un devoir que de leur transmettre ce qui m’a été enseigné au Conservatoire national supérieur de musique (CNSM) de Paris et ailleurs. Il faut beaucoup de psychologie dans l’enseignement, être attentif aux difficultés de ce métier très demandé. Et même si beaucoup d’entre eux ne deviendront pas professionnels, c’est merveilleux quand je vois un élève progresser et s’épanouir sur le plan personnel durant ces années d’études.

Propos recueillis par Joanna Blain Rédactrice pour Novastan

Relu par Jacqueline Ripart

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