Jusqu’au 18 décembre, la galerie 55 Bellechasse, dans le VII^ème arrondissement de Paris, expose les œuvres des artistes kirghiz Kyial Akkuchukova et Ayip Alakunov. Ces œuvres, très différentes, révèlent une même volonté d’inscrire le folklore kirghiz dans la modernité. Du 8 au 18 décembre 2021, la galerie parisienne 55 Bellechasse présente les œuvres de deux artistes kirghiz, Kyial Akkouchoukova et Aiyp Alakounov à travers une exposition intitulée « Kirghizstan Step No.1, Entre traditions et modernité : regards vers demain ».

Cet évènement est le fruit d’une collaboration entre la galerie et l’ambassade du Kirghizstan à Paris.

Raviver le folklore dans l’imaginaire contemporain

Ayip Alakounov, diplômé des beaux-arts de Bichkek, la capitale kirghize, est un artiste peintre reconnu au Kirghizstan. Ses peintures sont fréquemment exposées à Bichkek et voyagent jusqu’à Moscou, Séoul ou encore Istanbul. Enfant, il admirait Manas, figure héroïque dont l’épopée constitue le récit fondateur de la culture nomade kirghize.

Ainsi, ses œuvres ont pour objet premier l’histoire du peuple et des terres kirghiz. Inspiré par les réflexions du grand écrivain kirghiz Tchinguiz Aïtmatov sur le rapport entre modernité et tradition, le peintre souhaite redonner sa place au folklore dans l’imaginaire contemporain. Lire aussi sur Novastan : « Kirghizstan, la croisée des chemins » : un documentaire poétique sur les routes de l’est kirghiz De nombreuses peintures représentent des paysages kirghiz, parfois parcourus par des cavaliers solitaires.

Une première exposition hors Kirghizstan pour Kyial Akkouchoukova 

Illustratrice et designer graphique, Kyial Akkouchoukova est également sculptrice. Ses dessins et peintures puisent également leurs sources dans la poésie et la mythologie kirghizes, mais aussi dans son histoire intime, et notamment dans le rapport entre une mère et son enfant.

Cette première exposition hors d’Asie centrale représente une étape importante pour la carrière de l’artiste.

« Montrer toute la diversité du Kirghizstan »

Cette exposition est le produit d’une rencontre entre le galeriste Bertrand Scholler et l’ambassadeur kirghiz Sadyk Cher-Niyaz. De fait, l’ambassade du Kirghizstan a pris ses quartiers dans les espaces auparavant occupés par la galerie, en 2020. Imaginée et organisée conjointement, cette exposition vise notamment « à montrer toute la diversité du Kirghizstan », explique le galeriste à Novastan, qui évoque « deux artistes très différents ».

Cet évènement est soutenu par l’Aytish Public Fund, créé par Sadyk Char-Niyaz en 2001, dont l’objet est la promotion et le rayonnement de la culture kirghize à travers le monde. Par ailleurs représentant permanent du Kirghizstan à l’Unesco et cinéaste, le diplomate souhaitait, à travers cette exposition, célébrer les 30 ans de l’indépendance kirghize.

Guillaume Gérard Rédacteur pour Novastan

Relu par Anne Marvau 

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Les plafonds du palais Arbob à Khoudjand, peints à la main avec des pigments naturels, contribuent à l’existence éternelle de la peinture traditionnelle tadjike des plafonds.

Crédit : Simon Massicotte

Retrouvez nos photos du jour ici.

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Les peintres russo-allemands du XXème siècle restent encore peu connus du grand public de nos jours. Ils ont pourtant apporté une diversité indéniable au sein de l’art kazakh, encore visible aujourd’hui.

Novastan reprend et traduit ici un article publié le 2 août 2019 par le média allemand Deutsche Allgemeine Zeitung.

Qu’il s’agisse de Pablo Picasso, Salvador Dalí ou encore d’Otto Dix, le XXème siècle ne manquait pas d’artistes mondialement connus. Cependant, en Allemagne, la culture des peintres russes s’arrête souvent à Vassily Kandinsky malgré les influences entre les deux pays.

Au sein même du pays, les peintres russo-allemands du siècle passé sont encore aujourd’hui très peu connus. En 2019 et à l’occasion de l’anniversaire de plusieurs d’entre eux, notamment le 130ème anniversaire de Léonid Brümmer, d’Alexander Rittich ou le 125ème anniversaire de Vladimir Eifert le Musée d’État des arts Abilkhan Kasteyev d’Almaty a choisi d’exposer quelques tableaux d’artistes russo-allemands.

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Ces artistes ont en commun d’avoir vécu en République socialiste soviétique kazakhe et d’y avoir exercé leur art. Alexander Rittich s’y était rendu de son plein gré ; quant à Léonid Brümmer et Vladimir Eifert, ils ont tous deux subi la déportation au Kazakhstan durant les années 1940. Cette exposition permet donc de se pencher sur l’héritage des peintres russo-allemands.

Vladimir Eifert, un pionnier

Né en 1894 à Saratov et ayant grandi sans son père, Vladimir Eifert est aujourd’hui considéré comme un pionnier de l’art au Kazakhstan. Il débute sa carrière professionnelle en tant qu’assistant photographe et de cette expérience naît sa passion pour la peinture. En 1922, il entre au sein de l’école d’art d’Astrakhan et rejoint le parti communiste un an plus tard.

Son influence traverse plusieurs époques. Il vit à Moscou au milieu des années 1920, période durant laquelle il peint surtout des paysages, des portraits et des natures mortes de style impressionniste. Il choisit par la suite d’explorer diverses techniques modernes. Au cours de la première moitié des années 1930 il part vivre successivement à Paris et en Allemagne et devient directeur du musée Pouchkine à Moscou de 1936 à 1939.

Bien qu’il compte parmi les artistes précurseurs de l’Union soviétique, il est déporté au Kazahstan en 1941 à cause de ses origines allemandes. Ses premières années dans la région de Karaganda sont les plus difficiles car il ne peut continuer son art.

Il occupe divers postes, tels que garde ou comptable, tandis que sa femme s’occupe de la récolte de pommes de terre et de betteraves dans les champs. En 1944 il est autorisé à déménager à Karaganda où il travaille comme décorateur. En 1947, il ouvre sa propre école d’art dont la formation profitera à de nombreux futurs peintres reconnus tel que Boris Chetkov.

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Vladimir Eifert meurt en 1960 à l’âge de 76 ans à Karaganda, sa tombe resta longtemps anonyme jusqu’à sa redécouverte il y a quelques années. Aujourd’hui le Musée d’État des arts Abilkhan Kasteyev détient 60 de ses peintures et parmi les plus connues se trouvent : Autoportrait avec lunettes (1955) ; Nature morte avec cruche bleue (1947-1950) ; Sur la plage (1932) ou encore Aux abords de Paris (1935).

Alexander Rittich, peintre éminent au style européen

Né à Moscou en 1889, Alexander Rittich fait partie des premiers peintres professionnels au Kazakhstan ayant eu une forte influence sur la scène locale. Après ses années de lycée à Moscou il prend des cours à l’Académie des beaux-arts de Vienne avant de continuer ses études à l’Académie des beaux-arts de Munich.

Fortement inspiré par le peintre suisse Arnold Böcklin, il en adopte le style européen. Après la révolution d’Octobre il revient en Russie, mais pris dans le tumulte de la guerre civile il choisit de partir en Ukraine où il reste quelques années.

En 1933, il se rend à Almaty pour participer à la construction d’une usine de tabac. Cette même année, l’Union des peintres du Kazakhstan est créée. Il en devient non seulement membre mais il en est également un des artistes les plus éminents et les plus actifs. Rittich vit au Kazakhstan jusqu’au milieu des années 1940 et meurt à Moscou en 1945.

Léonid Brümmer, l’œuvre aux trois périodes                                         

Léonid Brümmer né en 1889 à Chersonèse. Enfant, il découvre son talent pour la peinture. Il apprend tout d’abord à l’Académie ukrainienne des arts avant de continuer ses études à l’Académie impériale des beaux-arts de Saint-Pétersbourg.

Il est reconnu qu’il a travaillé en tant que photographe pour des journaux, mais qu’il a également été graphiste et directeur d’une école d’art avant de voyager en Russie, en Ukraine et dans le Caucase. Dans les années 1940, il est déporté à Pavlodar où il vit dans la pauvreté et continue la peinture. Plus tard, il déménage à Dschamboul, l’actuel Taraz, dans le sud du Kazakhstan où il meurt en 1971 à l’âge de 86 ans.

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Il est possible d’identifier trois périodes dans l’œuvre de Brümmer : la période ukrainienne (1917-1941), la période pavlodarienne (1941-1954) et la période dschambulienne (1954-1971).

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Après sa mort, le musée Brümmer ouvre à Taraz où plus de cent peintures, petites et grandes œuvres de l’artiste, y sont exposées aujourd’hui. Le Musée d’État des arts Abilkhan Kasteyev détient 12 de ses peintures, notamment les natures mortes Chrysanthèmes (1926), Rosier (1965) et Citrouilles (1946). « Dans son œuvre, il s’efforce d’utiliser des couleurs subtiles, c’est pour cela que les tons rouges et roses y sont dominants », rapporte l’historien d’art Amir Dschadaibajew.

Le reflet du destin dans l’art      

Bien que ces trois artistes ne se soient jamais rencontrés, leurs vies et destins sont liés à jamais par leur passion pour l’art et par leur parcours souvent difficile.

Vladimir Eifert et Léonid Brümmer utilisent surtout l’art pour traiter les coups du destin, leur travail précédant leur déportation est rempli de joie et de couleurs vives avant de devenir plus sombre par la suite.

Marina Sorokolet
Rédactrice pour daz.asia

Traduit de l’allemand par Anne-Claire Nourian

 Édité par Emma Parisien

Relu par Anne Marvau

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La perception du rôle des artistes dans la société kazakhe, au cours des 30 dernières années, s’est modifiée. Le média kazakh Vlast.kz s’est entretenu avec Merouert Kalieva, directrice de la galerie Aspan Gallery, pour comprendre comment les pratiques artistiques ont évolué en trois décennies et dans quelle mesure elles ont impacté la mentalité de la nouvelle génération des artistes.  

Novastan reprend et traduit ici un article publié le 4 décembre 2020 par le média kazakh Vlast.kz.

Le 2 décembre 2020, l’Aspan Gallery a inauguré l’exposition Le bateau navigue avec les œuvres de peintres de l’Asie centrale, dans lesquelles ils réfléchissent sur leur rôle dans la société kazakhe. Cette problématique est d’autant plus importante dans le contexte des 30 ans de l’indépendance du Kazakhstan.  

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Lancée en 2015, l’Aspan Gallery est située à Almaty, la capitale économique du Kazakhstan. Son but est de promouvoir les artistes contemporains en Asie centrale. Merouert Kalieva en est sa directrice et sa fondatrice.

Vlast.kz : Dans l’annonce de l’exposition, vous avez insisté sur le fait que la pandémie de Covid-19 a de nouveau rendu actuelle la question du rôle de l’artiste dans la société. Pourquoi ?

Merouert Kalieva : Pendant la pandémie, notre vision du monde a un peu changé. Certaines choses qui nous semblaient jadis sans importance sont devenues importantes. Et les gens qui travaillent dans l’art et tous les gens au global se sont rendus compte de l’importance de la culture. Beaucoup ont ressenti leur manque, certains pour les théâtres, d’autres pour les expositions. Dans ce contexte, j’ai eu envie de dire une fois de plus comment l’artiste est important dans notre monde. Il m’a semblé nécessaire de présenter une multitude de rôles joués par l’artiste. Parce que l’artiste ne peut pas remplir une seule fonction : chaque artiste a son approche, image et objectif. Par conséquent, nous avons présenté à l’exposition quelques peintres dont les positions sont tout à fait différentes.

Nous avons, par exemple, Roustam Khalfine (1949-2008), grand théoricien qui rêvait de créer sa propre école qui réunirait des milliers d’élèves. Nous exposons son action « Peau d’un peintre », l’œuvre présentée de son vivant toujours en tandem avec la performance « Dernier point ». Cette union symbolisait la mort de la peinture et le passage à un nouvel art pour un nouvel Etat, le passage de la matière visuelle à des matières tactiles. L’image d’artiste, chez Roustam Khalfine, est universelle, l’artiste est celui qui crée et qui aide les autres artistes à se réaliser.

Lire aussi sur Novastan : “L’art a sa place en politique, il ne peut se cantonner aux musées”, entretien avec Almagoul Menlibaïeva

Encore un artiste, Oulan Djaparov du Kirghizstan qui ne fait pas que de l’art. Aujourd’hui, il est architecte et conservateur d’expositions. Il prend en charge des projets créatifs de façon assez spontanée. Il n’a pas de stratégie et il ne se préoccupe pas de comment l’ensemble de ses œuvres sont perçues par le public. Quant à Roustam Khalfine, il était fidèle à son école où tout était réglementé, tant de temps consacré à la peinture, tant de temps dédié à l’art action. Puis, il y a Sergueï Maslov, dont toute la vie était en quelque sorte une posture artistique. Il a créé plein de mythes sur lui-même et il était compliqué de comprendre ce qui relevait d’ une action artistique et ce qui relevait de sa vraie vie. Avec cet assemblage de peintres, je tenais à montrer comment peuvent être différentes leurs conceptions et pourquoi nous avons besoin d’eux et de cette différence d’approche. En même temps, nous présentons juste une partie des artistes, mais il y a toute une strate d’autres. En théorie, nous pouvons monter quelques expositions de plus, qui seraient la suite de celle-là, car aujourd’hui, il y a de jeunes artistes dont les regards sont remarquablement différents de leurs prédécesseurs.  

La question que vous posez est moins intéressante dans le contexte de la pandémie que dans le contexte des 30 ans de l’indépendance du Kazakhstan. Cela fait presqu’un tiers d’une vie humaine que nous sommes dans le nouveau système socio-économique, et durant ces années, l’art kazakh a subi pas mal de changements structurels. Comment voyait-on le rôle de l’artiste à la veille de l’indépendance, lorsque tous ces artistes, que vous exposez, ont pris leurs pinceaux ?

Pour notre exposition, ce point de repère est 1995, l’année où a démarré « la Parade des galeries » événement annuel qui se passait au Musée d’État des arts Abilkhan Kasteyev à Almaty. C’était une période très importante, les artistes s’y préparaient beaucoup, parce que pendant quelques jours, 14 galeries exposaient leurs plus beaux projets, en créant ainsi l’esprit de compétition.  Il est remarquable de constater que l’art contemporain qui intéresse aujourd’hui un groupe assez restreint de gens, dans les années 1990, rassemblait autour de ses événements des milliers de personnes. Et cela motivait chaque galerie et artiste à présenter son point de vue sur l’art et le rôle de l’artiste. Par exemple, les peintres Kanat Ibraguimov et Erbossyn Meldibekov ont eu des tentatives assez radicales de traiter ce sujet via leurs projets avec du sang et des extrémités d’animaux. Roustam Khalfine avait une autre position – il essayait de construire son projet de l’utopie eurasienne ce qui représentait pour lui le passage de la culture visuelle à la culture tactile. Selon Roustam Khalfine, la tactilité était une caractéristique de la perception du monde chez les nomades. Il parlait ainsi souvent de l’expérience tactile de l’œil. A l’entendre, lorsque nous regardons un objet, c’est comme si nous le touchions.

Un autre groupe d’artistes comme Sergueï Maslov et Elena et Viktor Vorobiov voulaient réaliser des œuvres sur l’actualité. Ils ne réfléchissaient pas à la création de nouvelles écoles et la perception de l’art, ils voulaient travailler avec des objets du quotidien qui donnaient selon eux les réponses à toutes leurs questions. Cela se voyait déjà à l’époque que les artistes avaient toute une série de positions en désaccord les unes avec les autres.

C’est devenu cliché de dire que dans les années 1990, les artistes essayaient de rattraper l’indépendance nationale dont la société kazakhe était privée à l’époque de l’URSS (1922-1991). Ils avaient essayé de le faire même avant, à travers le travail avec du feutre, la sculpture turque, des paysages de steppes, mais à l’époque, la revendication de leur différence identitaire était peu légitime. Avec l’indépendance, on a enfin cessé d’étouffer l’intérêt pour l’identité, ce qui a donné une multitude de réponses proposées. Les artistes se sont lancés dans leur formulation, mais leur œuvre était-elle réduite uniquement à ce sujet ?

Il est évident que le sujet de l’identité a attiré pas mal d’artistes. C’était probablement le thème principal dans les œuvres de Roustam Khalfine et de ses alter egos, mais il y avait d’autres artistes qui y étaient moins sensibles. Ce sujet a été traité par le groupe de peintres « Kyzyl Traktor » (tracteur rouge en kazakh) qui mélangeait une quantité de symboles, dont les éléments des cultures de l’Asie centrale et soufiste. Mais très souvent, ils le faisaient à travers le prisme du monde occidental. Par exemple, les habits célèbres de derviches ne montraient pas comment les derviches étaient, mais comment ils étaient représentés dans les œuvres de Vassili Verechtchaguine (1842-1904), à l’époque où ce dernier voyageait en Asie centrale. Kanat Ibragimov et Erbossyn Meldibekov avaient une autre image de l’identité : ils créaient l’image d’un barbare asiatique. Toutefois, les discussions entre artistes ne se limitaient pas au thème de l’identité. Sergueï Maslov, par exemple, se sentait impliqué dans cette problématique sans qu’elle soit principale pour lui.

Dans quelle mesure les artistes, y compris les Vorobiov et Sergueï Maslov s’intéressaient à l’actualité qui commençait à accueillir des artéfacts de la réalité capitaliste ?

Dans les années 1990, la vie en effet s’est avérée assez compliquée, et l’un des moyens de le refléter était à l’époque la stratégie des Vorobiov, qui se sont mis à étudier la réalité en prenant de la distance, comme des extraterrestres venus sur cette planète. Ils essayaient de voir les objets du quotidien et les rituels d’un tout nouvel angle. Et il me semble que leur position était forte, elle leur a permis d’atténuer les limites entre de différents médias. Ce qui était important pour ces deux artistes, c’est la perception du quotidien comme si c’était de l’exotisme. L’un des moyens de passer du socialisme vers le capitalisme étaient des tentatives de la critique institutionnelle. En 1997, il y a eu lieu l’événement « Art-discours », qui a réuni quelques galeries kazakhes avec des conservateurs russes. Lorsque ces derniers étaient à Almaty, Kanat Ibraguimov a organisé une action pour laquelle tous les membres se sont rendus au bord du Grand lac d’Almaty et où Kanat Ibraguimov a fait du plov avec de la marihuana. La critique prend dans ce cas une forme d’ironie, un événement sérieux s’est avéré une blague.

Sergueï Maslov, lui aussi songeait à l’action « Revalorisation », le projet qu’il a fini par abandonner. L’idée était d’aller chercher les conservateurs russes à l’aéroport, les accompagner dans la ville et les amener dans la steppe. Selon le projet, les conservateurs étaient censés ne rien comprendre pendant quelques jours et après, on les aurait ramenés à la ville, à leur vie d’avant. Il était important de garder l’esprit de farce pendant toute l’action.

Avant l’indépendance, il existait toute une chaîne d’institutions soviétiques qui faisaient des commandes pour des œuvres d’art. Avec la fin du socialisme, c’est le secteur privé qui passe les commandes : musée, galeries, collectionneurs, employés d’ambassades et autres. Comment les artistes ont perçu ce changement ?

Les artistes qui participent à notre exposition étaient sous l’URSS des peintres de l’underground. Ils n’étaient pas impliqués dans le système des commandes d’Etat qui visait uniquement les membres de l’Union des artistes d’URSS [une entité soviétique organisée par l’Etat et réunissant des artistes qui servaient l’URSS, ndlr]. Roustam Khalfine et Sergueï Maslov vivaient et créaient dans les années 1980, mais ils exposaient à l’époque uniquement dans des endroits non officiels. Je ne pense pas qu’ils ont ressenti le changement des systèmes économiques.

Le seul qui a subi ce changement était Erbossyn Meldibekov. Il est né dans une gare de chemins de fer, puis on l’a envoyé à l’école où il a fait une formation de sculpteur et a envisagé de gagner sa vie en faisant des bustes de Lénine. Mais bientôt, l’URSS a disparu et tout ce qu’il avait appris ne servait plus. A ce moment, il a radicalement changé son avis sur le rôle de l’artiste. L’absurdité de la situation l’a poussé à analyser les processus qui avaient lieu à cette époque en Asie centrale dans toute leur contradiction. Ces réflexions sont devenues des bases de sa stratégie artistique. Il a dédié ses œuvres à l’étude géopolitique de sa région, en mettant l’accent sur les circonstances paradoxales dans lesquelles il s’est retrouvé.

Comment a évolué la pratique des artistes dans les années 2000 et comment a changé la palette de médias avec lesquels ils ont travaillé ? 

Pour Roustam Khalfine, le sujet de l’identité restait un sujet clé et à partir des années 1990, il a abandonné la peinture et s’est recentré sur de nouveaux médias. Quant aux Vorobiov, ils sont passés également à de nouveaux médias, mais l’intérêt pour le quotidien restait central dans leur pratique artistique. Sergueï Maslov est malheureusement décédé. Georguiy Triakine-Bouchkarov était peintre autodidacte et a beaucoup travaillé avec Roustam Khalfine : ils ont fait ensemble l’un des projets de Roustam Khalfine, « Homme d’argile ».

Mais malgré ce rapprochement, Georguiy Triakine-Bouhkarov est resté fidèle à ses propres principes. Il continuait à composer ses sculptures de différents détails et objets métalliques. Alexandre Ougaï faisait partie du groupe « Bronepoezd » (en russe – train blindé) avant les années 2000, qui organisait des expositions et faisait des vidéos au format 16 mm, où le composant important était la matière de la pellicule. Quand Alexandre Ougaï a déménagé à Almaty, le groupe s’est dissout, mais il a repris plusieurs sujets de « Bronepoezd ». Et puis, de nouveaux sujets ont apparu : celui de la mémoire, des rapports entre les objets et leurs représentations etc. Oulan Djaparov n’a toujours pas une stratégie particulière.

Moldakoul Narymbetov (1948-2012), qui a créé le groupe « Kyzyl Traktor », s’est concentré sur la question de l’identité et a fait une multitude d’actions : les artistes s’habillaient en habits de derviches, effectuaient des rituels de purification, dansaient parfois des danses mystiques. A la même époque, Moldakoul Narymbetov faisait de la peinture et, contrairement à Roustam Khalfine, ne pouvait pas tracer une limite bien définie entre ses performances et le pinceau. Chez Moldakoul Narymbetov, ces médias s’entremêlaient de façon organique.

Comment a changé le contexte intellectuel pendant cette période ? Dans les années 1990, les artistes travaillaient en priorité avec des sujets relatifs au post-structuralisme : ce qui explique un tel intérêt pour le sujet de l’identité, du postcolonialisme et de la modernité. Mais nous ne sommes plus à l’aube du capitalisme, nous vivons avec depuis trois décennies, pensez-vous que cela a de l’impact sur la façon de penser des artistes ?

Il me semble que le plus grand changement est lié aux sensations vis-à-vis de l’espace. Dans les années 1990, les artistes se sentaient comme une partie intégrale de notre contexte, et pour eux, ce dernier rejoignait de façon organique le contexte global. C’était là, à mon avis, qu’ils étaient forts. Les nouveaux artistes n’ont plus le sentiment que nous sommes dans un point géographique éloigné.

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La situation a beaucoup changé avec l’apparition d’Internet, grâce auquel vous pouvez toujours être impliqués dans des process de l’échelle mondiale, où que vous soyez physiquement. C’est pourquoi, pour les jeunes artistes, le contexte local a perdu son sens déterminant. Ils s’y adressent toujours souvent, mais leur mentalité est devenue différente. Nous pouvons diviser les artistes en deux groupes, la génération avant Internet et la génération après Internet.

Ce changement de paradigme chez les artistes s’est-il passé de façon harmonieuse, ou au contraire, s’est-il avéré assez conflictuel ?

Il me semble qu’au Kazakhstan nous avons été confrontés à une situation assez intéressante. Le groupe d’artistes très talentueux des années 1990 appelé parfois « Nomades étoilés » et s’inspirant du roman de Sergueï Maslov participait régulièrement aux actions du Centre d’art contemporain de Soros et apparaissait dans des expositions internationales. En 2005, ils ont même participé à la Biennale de Venise, au sein du pavillon de l’art de l’Asie centrale. Ils exposaient donc souvent à l’étranger et il me semblait un peu étrange de les voir parmi de jeunes artistes.

Pendant longtemps, notre pays n’a pas connu de continuité générationnelle. A l’époque, il n’y avait pas de conditions nécessaires pour l’apparition d’une nouvelle cohorte d’artistes, faute de formation adéquate.  Pour résoudre ce problème, c’est encore le Centre de Soros qui voulait nous venir en aide. Sauf que l’organisme déploie ses projets sur cinq ans, et que pour le cas du Kazakhstan, il n’a pas pu le faire, ce qui a donné un gap entre générations. Après la fermeture du Centre de Soros, les artistes continuaient à travailler sur des projets internationaux, mais n’exposaient rien à Almaty.

Le seul moyen de voir leurs œuvres c’était de se rendre dans leurs studios d’artistes. Dans des conditions pareilles, il semblait compliqué d’oser choisir la voie d’artiste. Mais aujourd’hui, pas mal de jeunes talents sont apparus, et cela grâce Artbat Fest qui avait lancé son « Ecole du geste artistique ». Une partie de ses élèves ne sont pas restés dans le milieu artistique, mais d’autres ont décidé de poursuivre leurs études dans des universités. Il est impossible de définir une seule raison de ce gap générationnel. De la même façon, il est impossible de désigner une seule initiative qui l’a comblé.

Mais comment après toutes ces péripéties, les nouveaux artistes ont-ils réussi à comprendre leur rôle dans la société ?

Ils utilisent toujours des approches très variées. La différence principale entre les artistes d’aujourd’hui et de ceux des années 1990, réside dans leur vision de l’image de l’artiste. Ils ne la voient plus uniquement ironique et en souffrance, mais également en tant qu’acteur de la vie sociale. Aujourd’hui, on attend que l’artiste soit davantage impliqué dans les interactions sociales qu’il y a 30 ans. On attend qu’il critique le pouvoir, défende la discussion écologique, parle d’une multitude de conflits sociaux.

Les Vorobiov ont une installation « Peintre qui dort » qui illustre avec exactitude la question du rôle de l’artiste. Le texte sur le mur, faisant partie de l’installation, disait qu’il ne fallait pas réveiller l’artiste, ce dernier était au repos, mais qu’un jour il se réveillerait et donnerait une nouvelle réponse sur son rôle. Plus tard, ils ont effectué une série d’œuvres « Vintage », la suite de la première installation. Ils avaient accroché aux draps des représentations d’arrestations lors de manifestations dans différents endroits du monde et les ont intégrées à l’œuvre de départ. C’est justement ce qui désignait la nouvelle situation de la participation politique de l’artiste.

Ecrit par Dmitriï Mazorenko
Journaliste pour Vlast.kz

Traduit du russe par Ariadna Gulevskaya

Édité par Nazira Zhukabayeva

Relu par Nathalie Boué

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Nourlan Duichobekov est un graphiste et illustrateur kirghiz. Étudiant en graphisme à l‘École des hautes études en sciences économiques à Moscou, ses œuvres ont été exposées à Almaty, Londres, New York ainsi qu‘à Los Angeles, lors d’un festival sur le thème du café. Portrait.

Novastan reprend et traduit ici un article publié le 12 janvier 2021 par notre version allemande.

Le dimanche matin, une agréable odeur de café et croissants chauds accompagnée d’une musique lounge se répand aux alentours d’un café de Bichkek, la capitale du Kirghizstan. Nourlan Duichobekov affiche un léger sourire plein de chaleur et de tranquillité. C’est un jeune garçon aux yeux couleur café, qui passe inaperçu au premier regard. Pourtant, le feu ardent de l’art brûle en lui.

Novastan est le seul média européen (en français, en allemand et en anglais) spécialisé sur l'Asie centrale. Entièrement associatif, il fonctionne grâce à votre participation. Nous sommes indépendants et pour le rester, nous avons besoin de vous ! Vous pouvez nous soutenir en vous abonnant, en réalisant un don défiscalisé à 66 %, ou en devenant membre actif par ici.

Il boit lentement une gorgée de café et raconte son quotidien d’une voix posée. « Le matin, je me lève et je vais travailler, le soir, j’étudie en ligne. Dit comme ça, ça semble ennuyeux, mais ça me plaît », explique-t-il à Novastan.

« Mon père est mon modèle »

Nourlan Duichobekov n’a pas étudié la peinture, mais son père, Duichobek Kapassovitch Alaïev, a enseigné de 1992 à 2006 à l’Académie des arts de la République kirghize. En 2001, il y est nommé professeur associé. Il était aussi artiste ; il peignait des paysages dans son atelier.

« Enfant, j’ai grandi dans une atmosphère créative, j’étais en contact avec les étudiants et j’avais l’habitude de voir les couleurs sur leurs toiles et leurs mains dans les couloirs spacieux de l’Académie. Mon père était ma plus grande inspiration », raconte Nourlan Duichobekov, nostalgique, tandis que la neige tombe doucement contre la fenêtre.

En 2006, Nourlan Duichobekov perd son père et arrête de peindre. Quatre ans plus tard, il commence des études à l’Université kirghize d’économie. Au cours d’un stage en fiscalité, il se rend compte qu’il n’a plus envie de suivre cette voie. « À l’époque, les gens de mon âge étudiaient la finance ou l’économie, tout le reste était considéré comme illégitime. Aujourd’hui, les jeunes réfléchissent davantage avant de choisir un métier, mais je ne regrette pas mes études. D’une certaine manière, ça a été une expérience utile », décrit le jeune homme.

De l’économie à l’art

Comme la plupart des jeunes de la capitale kirghize, Nourlan Duichobekov a commencé à travailler à temps partiel pendant ses études. Employé à la chaîne de cafés Sierra Coffee, il s’est intéressé pour la première fois au latte art. Dans cette atmosphère chaleureuse et confortable, avec chaque jour de nouveaux visages, il a une idée assez inhabituelle et farfelue : utiliser le café comme une couleur. Pendant son temps libre, il commence à peindre sur papier avec du café. « J’ai d’abord essayé avec du café expresso, puis avec d’autres sortes. Finalement, c’est le café instantané bon marché qui m’a convenu le mieux », se rappelle-t-il.

Pris dans sa routine, le jeune artiste n’a montré ses œuvres à personne pendant longtemps. La peinture n’était qu’un loisir ; il peignait pour lui, car c’était quelque chose qui lui apportait du calme et de la joie. Jusqu’au jour où un collègue remarque son travail et y voit un immense potentiel.

« Lorsque mon chef a appris ma passion, il m’a gentiment proposé de faire une exposition dans le café, ce que j’ai catégoriquement refusé. Il a continué à m’en parler, jusqu’à ce que je cède. L’exposition a été une première expérience. J’étais nerveux, mais au fur et à mesure que les gens venaient me dire qu’ils trouvaient mes peintures très belles, une joie incommensurable grandissait en moi », décrit l’artiste en herbe.

Nourlan Duichobekov est ensuite devenu de plus en plus actif dans le monde de l’art. Par une chaude journée de mai 2018, il participe à la « Nuit des musées », un grand évènement socioculturel, et découvre que d’autres personnes utilisent le café pour peindre.

« J’aime peindre avec le café, c’est un produit qui véhicule chaleur et réconfort. Aujourd’hui, il n’existe aucune frontière, censure, interdiction ou exigence. L’aquarelle et la gouache ne sont plus les seules options ; les gens utilisent des moyens moins conventionnels, comme la cannelle, le sucre, la résine, etc. », raconte « l’artiste au café » de sa voix calme caractéristique, tandis que ses tableaux, posés sur la table, reflètent ses pensées. Sur l’un d’eux, son grand-père est assis sur un banc, l’air particulièrement pensif.

Un succès international

Plus tard, le jeune artiste participe à un concours d’art international sur le thème du café et ses tableaux sont d’abord exposés à New York et Los Angeles, puis à Londres.

À mesure que le numérique se développe, Nourlan Duichobekov s’intéresse aussi à l’infographie et au design. Il a notamment créé des affiches, des brochures, et d’autres supports publicitaires pour un café de Bichkek.

L’artiste a obtenu un diplôme de graphisme à Bichkek et prépare maintenant son Master en graphisme à l’École des hautes études en sciences économiques. « Le programme de mon cursus universitaire a radicalement changé depuis le début de mes études. L’infographie est une orientation assez nouvelle au Kirghizstan », commente Nourlan Duichobekov. D’après lui, c’est un domaine qui intéresse bien plus à Moscou qu’au Kirghizstan.

Nourlan Duichobekov intervient aussi occasionnellement en tant qu’artiste sur différents projets. Il a eu l’occasion de participer à un projet de l’UNICEF sur la protection des droits des enfants migrants, pour lequel il a illustré une série de livres.

« Les histoires de ces jeunes sont si intenses, leur douleur est celle d’un adulte », raconte l’artiste, le regard plein de tristesse, en terminant son café. Nourlan Duichobekov s’est également chargé de l’illustration d’un livre sur la vie de Mouratbek Begalijev, un grand compositeur et fondateur du Conservatoire national kirghiz.

« J’étais plus proche de ma mère »

En 2018, la mère de Nourlan Duichobekov disparaît à son tour, c’est un autre tournant dans la vie de l’artiste. « J’étais plus proche de ma mère, c’est elle qui m’a principalement élevé. Elle ne m’a jamais empêché de faire quoi que ce soit et a encouragé mes aspirations artistiques. Après la mort de mon père, c’est la seule qui s’est occupée de moi », explique-t-il. « C’est grâce à elle que je vis de l’art aujourd’hui », décrit Nourlan Duichobekov. Après le décès sa mère, le jeune dessinateur a fait une pause dans ses créations, et n’a repris que récemment.

« Ce que je préfère, c’est peindre des portraits de personnes âgées. C’est dans leurs regards qu’on voit la vraie vie. Nos grands-parents ont traversé tellement d’épreuves, et pourtant ils arrivent à garder le sourire et à savourer les plaisirs simples », décrit Nourlan Duichobekov. Il est d’ailleurs tout à fait possible que le peintre fasse un jour le portrait de ses propres parents.

Nourlan Duichobekov voulait partir travailler en République tchèque, mais la pandémie s’est mise en travers de son projet. Il a donc accepté un emploi chez Light Creative Studio, ce qu’il ne regrette absolument pas. « Mon salaire n’est pas très élevé, mais j’adore ce que je fais, et je suis très épanoui dans mon travail », décrit-il.

« La peinture me calme »

« La peinture est mon activité favorite, je peux peindre à genoux, émotionnellement loin de tout. La peinture me calme », explique-t-il. Avec ses tableaux, il veut montrer le vrai Kirghizstan. Il se sert ainsi de thèmes et éléments traditionnels de la culture kirghize, notamment de films, vidéos et paysages.

Mais on retrouve aussi des figures historiques dans les tableaux du jeune artiste, comme la danseuse Boubousara Beychenalieva, l’écrivain Tchinguiz Aïtmatov ou l’actrice Tattybübü Toursounbayeva. Il peint aussi les héros de ses films et livres préférés, comme Duyshon, personnage de l’œuvre Le Premier Maître de Tchinguiz Aïmatov.

Outre les travaux de son père, Nourlan Duichobekov adore aussi les œuvres de l’acteur et artiste kirghiz Souïmenkoul Tchokmorov. « J’aime les tableaux de Tchokmorov. Il peint des gens, des éléments de paysage et il transmet des valeurs familiales ainsi que les émotions des gens », décrit le jeune artiste.

Dans les tableaux de Nourlan Duichobekov, les thèmes de l’amitié sincère, de la maternité, de l’enfance insouciante, de l’éducation paternelle et du véritable amour sont également présents. Les tableaux de café ont une surface brillante inhabituelle et un parfum agréable, séduisant.

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« Si je devais choisir une seule chose à changer dans mon pays, ce serait la conscientisation de mes compatriotes. Le monde entier traverse une période difficile, mais si nous vivions dans une société plus humaine, tout pourrait être mieux. J’ai vu des adultes, des personnes indépendantes, vendre leurs voix pour 2 000 soms [environ 20 euros, ndlr] lors du vote. Ça m’a déchiré le cœur » dit-il, faisant référence à l’achat de voix massif lors des élections législatives d’octobre 2020.

Malgré tout, l’artiste reste optimiste et constate un changement d’attitude des Kirghiz envers l’art. Au cours des trois dernières années, les artistes sont mieux appréciés dans la société. « Avant, les gens pensaient que l’art devait être gratuit, mais ils comprennent de plus en plus le travail et le temps que cela représente », explique Nourlan Duichobekov.

Les artistes sont également plus en dialogue avec la société. « La plupart des artistes sont introvertis. Je pense qu’ils doivent s’ouvrir au monde, indépendamment de comment la société les accepte eux et leur travail. Je souhaite rester vivre dans mon pays, développer mon art et participer à l’évolution positive de notre société », conclut Nourlan Duichobekov

Sezim Arynova
Rédactrice pour Novastan à Bichkek

Traduit de l’allemand par Anne-Claire Nourian

Édité par Anne Pouzargues

Relu par Anne Marvau

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L’Académie des beaux-arts du Tadjikistan a traversé les siècles. Cependant, peu d’artistes tadjiks peuvent se targuer aujourd’hui d’avoir des œuvres bénéficiant d’une popularité nationale aussi bien qu’internationale. Les cinq artistes au style différent présentés ici sont reconnus et populaires de par leur travail.

Novastan reprend et traduit ici un article publié le 15 novembre 2020 par le média tadjik Asia-Plus.

Yusuf Sangov, professeur émérite et décorateur de bâtiments urbains

Artiste populaire du Tadjikistan, Yusuf Sangov est lauréat du prix de l’Institut Rudaki et professeur émérite. Les peintures de cet artiste ont été exposées à Moscou, Nur-Sultan, Téhéran, Londres, Pékin, Paris, Vienne et Istanbul.

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Les amateurs d’arts connaissent Yusuf Sangov principalement en tant que peintre. Peu de gens savent que sa profession est en fait artiste peintre de monuments, et que beaucoup de ses œuvres ornent encore les façades de bâtiments urbains.

L’artiste affectionne les moments simples et chaleureux du quotidien, remplis d’un sens profond. Dans ses œuvres, la couleur est d’une grande importance, elle matérialise en quelque sorte le tissu vivant de l’histoire. Ses œuvres ont pour thème principal son Tadjikistan natal.

Ilios Mamadjonov, des collections privées dans le monde entier

Les peintures d’Ilios Mamadjonov ont été exposées dans différents pays du monde : Moscou, Nur-Sultan, Téhéran, Londres, Pékin, Paris, Vienne et Istanbul.

Ses tableaux se trouvent également dans différentes collections privées en Allemagne, en Autriche, en Suisse, en Belgique, en France, en Turquie, aux États-Unis, en Grande-Bretagne, dans les pays de la Communauté des États Indépendants, et dans beaucoup d’autres pays encore.

Ilios Mamadjonov est diplômé du Collège des beaux-arts Olimov et de l’Institut tadjik des beaux-arts.

Akmal Mirshakar, artistes de père en fils

Membre de l’Académie des beaux-arts du Tadjikistan, Akmal Mirshakar est un artiste émérite du pays.  « Le don pour le dessin m’est venu de mon père. À présent, je le transmets à mes enfants, et en particulier à mon fils Mirsaid Mirshakar, qui porte le même nom que son grand-père », a-t-il affirmé durant une interview.

Akmal Mirshakar est un artiste reconnu, dont les œuvres ont fait le tour du monde et font partie de collections privées dans de nombreux pays.  

Daler Mehtodjev, membre de l’Union des artistes du Tadjikistan

Daler Mehtodjev enseigne l’art à de jeunes talents au Collège pédagogique Rakhmatov. Ses œuvres sont exposées dans des musées du Tadjikistan et dans un certain nombre de pays dans le monde.

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Daler Mekhtodjev est membre de l’Union des artistes du Tadjikistan. Ses peintures ont également été présentées dans de nombreuses expositions, au Tadjikistan et à l’étranger.

Farrukh Negmatzade, un peintre compulsif

Farrukh Negmatzade, selon ses propres mots, peint partout et tout le temps. Aujourd’hui c’est un artiste national émérite. Ses œuvres ornent différents bâtiments et figurent aussi sur des cartes postales.

Farrukh Negmatzade est connu non seulement au Tadjikistan mais aussi à l’étranger grâce à ses paysages et à ses portraits de femmes tadjikes. Farrukh Negmatzade peint souvent le Tadjikistan moderne. Ses œuvres sont exposées dans des musées et des collections privées, dans plus de 60 pays à travers le monde.

Victoria Petrova
Journaliste pour Asia Plus

Traduit du russe par Juliette Amiranoff

Edité par Carole Pontais

Relu par Anne Marvau

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En Ouzbékistan, faute d’un catalogue officiel accessible en ligne, certaines œuvres d’art les plus emblématiques sont copiées par les musées avant de revendre les originaux dans les pays occidentaux. En parallèle, le patrimoine culturel de Samarcande est remplacé par des constructions sans âme, vouées à attirer le touriste. Des chercheurs spécialisés sur le patrimoine ouzbek tirent la sonnette d’alarme.

Novastan reprend et traduit ici un article publié le 22 décembre 2018 par le média russe spécialisé sur l’Asie centrale, Fergana News.

L’heure est grave pour la sauvegarde du patrimoine ouzbek, tant de ses œuvres que de ses bâtiments. Vol d’œuvres, destruction de bâtiments anciens remplacés à la va-vite… les dangers sont multiples. Pour en parler, l’observatoire international Alerte Héritage, spécialisé dans la préservation du patrimoine ouzbek, a organisé en décembre 2018 à Paris une séance d’information intitulée « Ouzbékistan, du nouveau roman national à la marchandisation du patrimoine ». Cette rencontre a eu lieu dans le cadre d’une série de l’Observatoire des États post-soviétiques de l’Institut National des Langues et Civilisations Orientales (Inalco).

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En parallèle de cet évènement, le média russe spécialisé sur l’Asie centrale Fergana News s’est entretenu avec les critiques d’art et chercheurs indépendants Svetlana Gorshenina, historienne de l’art ouzbek suisso-russe, et Boris Chukhovich, chercheur à l’université de Montréal, tous deux co-fondateurs de l’observatoire Alerte Héritage. Le culturologue Alexeï Oulko était aussi présent. Ils ont abordé les grands thèmes de la rencontre parisienne.

Fergana News : En trois jours ont eu lieu trois évènements liés à la préservation du patrimoine ouzbek : le forum média « Le patrimoine culturel de l’Ouzbékistan dans les collections internationales », votre réunion parisienne et une table ronde du Fonds pour le développement culturel et artistique du ministère de la Culture ouzbek sur la conservation du patrimoine culturel matériel et immatériel. Un observateur tiers pourrait en conclure que ces trois manifestations sont la preuve de l’attention accrue que portent les associations internationales et les pouvoirs gouvernementaux ou para-gouvernementaux à la question. Est-ce à dire que l’angle adopté a été le même lors des trois réunions ?

Svetlana Gorshenina : Je répondrais plutôt par la négative. Bien sûr, la question principale a été le patrimoine culturel ouzbek, mais les avis sur le sujet divergeaient, tout comme les approches pour régler les problèmes. L’intitulé du forum « Le patrimoine culturel de l’Ouzbékistan dans les collections internationales » témoigne indubitablement de la priorité de ses organisateurs, soutenus par le pouvoir ouzbek : les collections ouzbèkes dans les musées étrangers. Des albums luxueux ont été publiés pour montrer au grand public que les musées étrangers font un magnifique travail de conservation et que les collections sont en lieu sûr. Les seules préoccupations et notes plus prudentes qu’on a pu entendre ont été évoquées lors de déclarations générales pendant la dernière session, axée sur la conservation stratégique du patrimoine culturel de Samarcande. À en croire les publications, les dangers de la restauration pour les monuments ont été repris dans l’intervention de Mavliouda Ioussoupova, lors de la table ronde du Fonds pour le développement culturel et artistique.

L’association internationale Alerte Héritage est une organisation non-gouvernementale qui, contrairement au Fonds, ne dispose d’aucun pouvoir législatif ou exécutif officiel, ne bénéficiant pas directement d’un soutien présidentiel, également à la différence du Forum. L’observatoire est un organisme indépendant ne jouissant que d’un statut d’observateur. Sa mission principale est d’informer sur les problèmes concernant le patrimoine culturel d’Asie centrale et des pays voisins ainsi que de fournir des analyses critiques.

Quels sont les résultats de ces travaux ?

Svetlana Gorshenina : Cette année (en 2018, NDLR), nous avons privilégié le programme « Savitski : des musées ouverts sans corruption ». Alerte Héritage ne cesse de faire part des préoccupations quant à la conservation de la collection du musée de Noukous. Face à ces inquiétudes, l’Observatoire a constitué un catalogue électronique du musée, disponible à toute personne connectée à Internet. Le catalogue est, certes, lacunaire, puisqu’il ne contient que 900 des près de 100 000 œuvres que compte le musée. Mais l’objectif était ailleurs : au lieu de couvrir la totalité de la collection, nous souhaitions établir un mécanisme de protection des peintures les plus importantes du musée.

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En effet, les œuvres répertoriées dans la base de données mondiale ne peuvent plus être vendues aux enchères sous le couvert d’une fausse provenance. En outre, nous voulions prouver que cette tâche est parfaitement réalisable, même avec des moyens très limités. Nous espérons que ce catalogue se fera un nom dans le monde entier et sommes convaincus qu’il faut continuer à l’enrichir, ce qui est impossible sans l’aide des employés des musées qui ont un accès direct aux œuvres. C’est pourquoi nous avons proposé au ministère de la Culture et au Musée de Noukous d’utiliser notre catalogue. Malheureusement, nous n’avons pas encore reçu de réponse.

Où en est l’enquête sur les vols de tableaux de la collection du musée de Fergana ?

Boris Chukhovich : Ce secteur de nos activités a provoqué un vif intérêt lors de la rencontre. Il est vrai que depuis toujours, des bruits courent sur le remplacement systématique de tableaux par des faux dans les musées ouzbeks, suivi par l’écoulement illégal des originaux sur les marchés occidentaux. De plus, la publication d’images d’œuvres originales et copiées appartenant aux collections du musée d’État des arts d’Ouzbékistan, saisies par les forces de l’ordre chez un membre des services de sécurité nationale, Youri Savnikov, a donné encore plus d’allant à ces rumeurs. Il a fallu tirer le vrai du faux. Par exemple, grâce à d’anciennes reproductions de la « Baigneuse » d’Andreï Belloli issues de la collection du musée d’arts de Tachkent, nous avons réussi à prouver que l’exemplaire vendu aux enchères par Sotheby’s était très différent de celui exposé au musée et qu’il s’agissait sans le moindre doute d’une esquisse réalisée par l’artiste avant qu’il ne peigne son œuvre, ce qui a rassuré le grand public. Nous sommes aussi parvenus à convaincre les Ouzbeks que, contrairement à ce que beaucoup pensaient, Le porteur d’eau d’Ousto Moumin, vendu aux enchères début 2018 à Moscou, n’était pas issu de la collection du musée de Noukous. C’est pourtant ce que martelait l’ancienne directrice du musée, dont les explications ne nous ont pas permis d’établir combien de variantes graphiques du Porteur d’eau étaient conservées dans la collection du musée.

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À nouveau, voilà qui prouve que, sans catalogue électronique exhaustif et accessible à tous, les collections sont en danger. Dans ce contexte, le vol avéré d’un manuscrit de Volkov du musée de Fergana a été fondamental, puisqu’il démontrait que les rumeurs étaient fondées et que des œuvres originales des institutions du ministère de la Culture avaient bien été dérobées et remplacées par des faux. La présentation des détails des deux versions a fait réagir l’assistance à Paris, incrédule face à l’existence de cette méthode cynique de vol d’œuvres dans les musées, accompagnée de mensonges visant à endormir le grand public.

Que comptez-vous faire à ce sujet ?

Boris Chukhovich : Nous planchons sur la question. De toute évidence, la solution idéale serait de rapatrier les œuvres dérobées en Ouzbékistan en recourant à des voies légales ou en incitant les voleurs, conscients des risques, à faire amende honorable et à discrètement rendre les pièces aux musées. Toutefois, nombreux sont ceux qui doutent du bien-fondé de cette idée, arguant que rapatrier les chefs-d’œuvre dans leur pays d’origine est insensé puisque c’est là qu’ils sont le plus en danger. Voilà qui mérite réflexion. Évidemment, la restitution des œuvres doit s’accompagner d’une divulgation des chaînons rendant possibles ces trafics, à la fois complexes et audacieux.

À Paris, avez-vous abordé la question des monuments architecturaux dont la restauration est à ce point mauvaise qu’ils doivent être reconstruits entièrement ?

Boris Chukhovich : Oui, nous en avons beaucoup parlé. D’ailleurs, la situation n’est pas sans rappeler l’affaire du faux Volkov du musée de Fergana. Dans les deux cas, on prend le public pour des ignorants en tentant de faire passer de pâles imitations pour des œuvres authentiques. Les Français ne sont pas étrangers au problème.

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Soit dit en passant, justifier la restauration inepte de monuments par leur attractivité touristique prouve bien que les autorités de la République d’Ouzbékistan ne s’intéressent qu’aux plus philistins des touristes. Les connaisseurs ne sont pas dupes et percent au grand jour les ersatzs de chefs-d’œuvre médiévaux qu’on leur fait visiter.

L’observatoire Alerte Héritage a invité le critique d’art ouzbek Alexeï Oulko à cette réunion annuelle. Alexeï, votre rapport portait sur la reconstruction et la modernisation en cours de Samarcande. Pourriez-vous résumer ce qu’il s’y passe ?

Alexeï Oulko : Tout d’abord, n’ayons pas peur des mots. On assiste au détricotage barbare, vil, incompétent et malveillant du tissu vivant qui compose la ville depuis des décennies, voire des siècles. Le phénomène n’est pas récent, mais avec le capital extérieur que les oligarques ont injecté et les financements locaux douteux, il est de plus de plus imposant. En plus des monuments architecturaux et des bâtiments, des quartiers entiers sont détruits dans les quartiers historiques de la ville pour faire de la place à des constructions immondes et sauvages dont la seule vue fait jaillir un sentiment de honte.

Pourquoi les constructeurs ont-ils jeté leur dévolu sur la Samarcande russe pour leur entreprise de destruction ?

Alexeï Oulko : La partie russe n’est pas la seule victime. Il se fait simplement que, pour la première fois depuis de nombreuses années, des terrains au centre-ville abritant des habitations de style colonial et début de l’Union soviétique étaient disponibles. Souvenez-vous des vagues de destructions des quartiers résidentiels de la rue Pendjikenskaya ou du quartier Baguimaïdan, n’appartenant pas à la partie russe de Samarcande. Et la rue Mizro Ougoulbek (ex-Karl Marx) a été reconstruite il y a près de 10 ans, au moment où le parc a été mis à blanc. Et la mahalla (quartier ouzbek traditionnel, NDLR) de Namazgah qui doit être détruite ne se trouve pas non plus la partie russe de la ville.

Lire aussi sur Novastan : Les relations franco-ouzbèkes relancées par un appel entre les deux gouvernements

Il convient de prendre de compte plusieurs facteurs. D’une part, dans les mahallas, on retrouve en général les russophones, des personnes âgées et les tranches le plus vulnérables de la population. Ils y vivent en un réseau étroit de familles et de voisins. D’autre part, les populations tadjikes et ouzbèkes de la vieille ville sont souvent plus loyales envers les autorités alors que la majorité des russophones de la ville pensent que les mesures prises par le pouvoir et les promoteurs sont des provocations et tentent de s’y opposer. Enfin, si le quartier colonial de la ville fait partie de son patrimoine culturel historique, selon la population éduquée en tout cas, les mahallas pas, malheureusement.

Il est étrange que tout cela ait lieu alors que les relations entre l’Ouzbékistan et la Russie ont commencé à se réchauffer…

Alexeï Oulko : Il ne faut pas se faire d’illusions. Tout d’abord, toutes les grandes constructions et destructions dans le pays sont financées activement par les capitaux des oligarques russes, dissimulés dans des montages complexes, tout le monde le sait. Ensuite, j’encourage à ne pas trop insister sur l’identité russe du centre de Samarcande, car ce n’est pas de cette manière que vous gagnerez la sympathie des Tadjiks et des Ouzbeks. Des architectes allemands aux marchands juifs de Boukhara en passant par les maîtres locaux et les travailleurs migrants, cette partie de la ville est née d’un travail commun.

Pourquoi faut-il préserver l’identité coloniale de Samarcande ?

Alexeï Oulko : Cette architecture, cet environnement urbain est un fait unique de l’histoire de notre État et même de la région. Si au début de la période coloniale, Samarcande est une ville de province sur le déclin de l’émirat de Boukhara, à la fin, elle devient la première capitale de l’Ouzbékistan, multiculturelle et fascinante. On y rencontre des fonctionnaires coloniaux, bien sûr, mais aussi des artistes, des écrivains, des linguistes, des scientifiques des personnalités publiques et politiques. En plus de Vassili Verechtchaguine, on y croise Mahmoud Behboudi, Abdouraouf Fitrat, Evgueni Polivanov, Abram Kalontarov, Alexeï Mirochintchenko, Vladimir Valivkin, Sadriddin Aïni, Ibrahim Mouminov, Hamed Alimdjan et bien d’autres personnalités remarquables. Ce quartier a abrité des gens normaux, leurs problèmes et drames, dont la mémoire est anéantie à tout jamais, juste devant nous. Ce n’est pas l’histoire mythique de l’avènement de l’Ouzbékistan qu’on démolit, c’est son histoire réelle, ses cultures complexes et plurielles, sa mémoire toujours en vie. Dans quelques années à peine, il ne restera rien de Samaracande, elle sera remplacée par les bâtiments tape-à-l’œil et immondes d’Alucobond accompagnés de leur farandole des gadgets chinois.

Que faut-il faire pour sauver ce qui n’a pas encore été détruit ?

Alexeï Oulko : Compter sur la bonne conscience de ces gens est une cause perdue. Ceux qui prennent les décisions et les appliquent se démarquent par leur cupidité, leur mépris de la loi et leur absence totale de connaissances culturelles. Tant qu’ils en tirent quelque profit, sont prêts à tout saccager et reconstruire en plastique le Registan. Reste à espérer que le gouvernement s’engagera à conserver sa propre culture, entendra les recommandations des experts et des organisations culturelles internationales en plus de la voix de la société, excédée par la situation, et réfléchira enfin à l’élaboration d’un système qui permettra de surveiller les monuments culturels et faire répondre de leurs actes ceux qui les détruisent. Toutefois, en toute honnêteté, les espoirs sont minces.

Quelle a été la réaction du gouvernement ouzbek à l’exposé d’Alerte Héritage ? En l’absence de réaction, en attendez-vous une ? Laquelle ?

Svetlana Gorshenina, Boris Chukhovich : L’Ouzbékistan, en particulier le ministère de la Culture, suit avec attention nos publications semble-t-il. Nous avons rencontré personnellement des représentants des instances exécutives du pays pour aborder notre catalogue du musée de Noukous. Nous avons proposé de le mettre à disposition du musée pour que les employés puissent continuer à l’enrichir en utilisant notre base de données. Nous en avons parlé avec la ministre adjointe de la Culture, Kamola Akilova, et avec la directrice, Goulbahar Akilova. Malheureusement, nous n’avons plus évoqué une possible collaboration depuis lors. Par conséquent, nous n’attendons pas tant une réaction à notre exposé qu’aux questions, critiques et propositions constructives que nous formulons depuis deux ans. L’exposé de Paris nous a certes servi à informer les cercles intéressés de la « communauté mondiale » des problèmes liés au patrimoine culturel ouzbek, mais aussi à faire un appel du pied aux autorités nationales.

Daniil Kislov
Journaliste pour Fergana News

Traduit du du russe par Thomas Rondeaux

Édité par Sayyora Pardaïeva

Relu par Aline Cordier Simonneau

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Dans le centre-ville de l’une des cités les plus touristiques d’Ouzbékistan se trouvent des peintures de Pavel Benkov, l’un des précurseurs de l’art contemporain ouzbek. Malgré sa richesse, cette collection est peu mise en valeur.

Novastan reprend et traduit ici un article initialement publié par la version ouzbèke du média russe Spoutnik.

Le peintre Pavel Benkov est considéré comme l'un des précurseurs de l'art contemporain ouzbek. Il a initié son chemin vers la gloire à Boukhara, l’une des villes emblématiques de l’ouest de l’Ouzbékistan, et ses toiles restent la carte de visite de la seule galerie d'art de la ville. Cependant, aujourd'hui il est difficile pour l’Ouzbek moyen de savoir qui est Pavel Benkov.

De fait, le nom du peintre légendaire est loin d'être connu de tous à Boukhara. Une enquête menée devant le musée des beaux-arts de la ville, là où sont exposées ses œuvres, révèle que neuf Boukhariotes . . .

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La présence au musée Pouchkine d’une collection d’œuvres venues d’Ouzbékistan a suscité un flot d’approximations dans la presse russe.

Novastan reprend ici un article paru initialement sur ArtGuide.

Début avril 2017, un des évènements muséaux les plus attendus de l’histoire post-soviétique a eu lieu à Moscou : l’exposition de peinture et des arts décoratifs de la collection du Musée Igor Savitsky de Noukous a ouvert au musée national des beaux-arts « Pouchkine » sous la direction d’Anna Tchoudetskaïa.

Depuis la fin des années 1980, la collection était restée « inexportable » et pratiquement inaccessible pour les experts russes. L’accord récent entre l’Ouzbékistan et la Russie a été atteint très rapidement et subitement, en l’espace d’un mois. L'exposition s'est terminée à la fin du mois de mai 2017.

Une importance diplomatique entre Russie et Ouzbékistan

En dépit de l’absence de campagne publicitaire d’ampleur et de catalogue d’exposition, l’importance diplomatique de l’exposition est évidente, selon la critique d’art Nadia Plounguian. Son ouverture a eu lieu dans les premiers jours des négociations russo-ouzbèkes, et les présidents des deux pays s’y sont rendus.

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