L’artiste Alpamys Batyr collabore avec des marques internationales tout en utilisant largement les motifs traditionnels kazakhs. Il explique sa démarche dans un entretien.

Artiste autodidacte kazakh originaire d’Aktioubé, Alpamys Batyr collabore depuis plusieurs années avec de grandes marques internationales et réalise des œuvres monumentales en réinterprétant les ornements traditionnels kazakhs.

Dans cet entretien, il explique comment il intègre la culture kazakhe dans l’art contemporain, pourquoi les marques mondiales devraient s’associer à des talents locaux et comment ses racines nourrissent sa créativité.

Aktioubé, Londres et le tatouage

Alpamys Batyr s’est passionné pour l’art dès l’enfance, dessinant comme beaucoup d’enfants pendant les cours d’arts plastiques. Il n’a pas suivi de formation en école d’art, mais a pris quelques cours de dessin.

« Mon véritable parcours artistique a commencé au Royaume-Uni, où je suis parti pour des cours de langue et où je suis resté six ans. Même si je dessinais déjà, c’est là que tout a vraiment commencé. Mon “frère” d’accueil était passionné de tatouages et j’ai découvert le style tribal et ses ornements. Cela m’a poussé à dessiner davantage et à développer mes compétences. Depuis, j’évolue dans cette esthétique depuis près de 20 ans », raconte l’artiste.

Les ornements kazakhs dans la modernité

Il explique qu’il s’est toujours intéressé aux symboles et traditions nationaux, tout en cherchant à les inscrire dans la modernité. En collaborant avec la marque internationale Iqos, il a pu unir traditions kazakhes, symboles et éléments contemporains, donnant naissance à une première œuvre intitulée Maison commune.

« Le concept consistait à relier les traditions aux technologies et à présenter le Kazakhstan comme un pays ancré dans ses racines mais tourné vers l’avenir. Au départ, la collaboration devait être simple, mais j’ai proposé une installation artistique plus complexe », précise-t-il.

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Le projet a nécessité des matériaux de haute qualité, notamment du bois difficile à cintrer, obligeant l’équipe à trouver des solutions techniques inédites. Aujourd’hui, un deuxième projet encore plus ambitieux est en cours, intégrant bois, métal, pierre et d’autres matériaux.

L’expérience avec un grand partenaire

Pour l’artiste kazakh, Maison commune est son premier projet d’une telle envergure. Il revient sur son expérience au sein d’une équipe internationale et sur les aspects clés de cette collaboration.

« C’était la première fois que je participais à un projet aussi ambitieux. Des représentants du bureau local et de l’équipe internationale étaient impliqués, ce qui a été une expérience très enrichissante. Avec leur soutien, j’ai conçu le concept et réalisé une installation artistique de grande envergure », explique Alpamys Batyr.

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L’artiste souligne que le projet n’a pas été sans difficultés : il fallait créer quelque chose de compréhensible pour le public local tout en restant original.

« La tâche était d’autant plus complexe que le design de l’espace avait été développé spécialement pour la marque au Kazakhstan ; il fallait donc imaginer quelque chose d’unique et d’inhabituel. Ce type de travail intégrant des éléments locaux m’intéresse particulièrement, car l’adaptation pensée pour une entreprise au Kazakhstan met en valeur la richesse de notre culture », témoigne Alpamys Batyr.

Keregué, symbolique et sacralité

La première installation artistique utilise le symbole de la keregué, la structure de base de la yourte kazakhe qui forme les murs et constitue un élément essentiel de la culture.

« Pour moi, la keregué est une métaphore du tissu de l’espace, de ce qui le structure. C’est une sorte de grille qui façonne notre réalité matérielle. Elle soutient la yourte dans son ensemble, permettant d’exister et de vivre dans ce monde. Au final, c’est un symbole du foyer, de la sécurité et de la protection », explique l’artiste.

Alpamys Batyr souligne que les traditions et motifs nationaux permettent aux individus de s’identifier. Ils portent une esthétique qui nourrit la culture locale et servent de base pour montrer au monde ce qu’un pays peut offrir sur d’autres scènes et marchés. Pour lui, ces motifs restent actuels car ils permettent de créer ou de transformer l’existant, et les considérer comme dépassés serait une erreur.

« J’aime le Kazakhstan, je crois en lui et au talent de ses habitants. Et je pense qu’il mérite une réflexion approfondie et réfléchie. Travailler avec le passé demande une approche neurochirurgicale : il faut être extrêmement prudent lorsqu’on manipule une symbolique à forte dimension sacrée », ajoute Alpamys Batyr.

Artistes locaux et marques mondiales

L’artiste a confié que ce qu’il a le plus apprécié dans son travail avec Iqos était l’approche de la marque.

« En tant qu’auteur, on m’a offert une liberté créative pour concrétiser mon idée, ce qui est assez rare dans une collaboration avec une grande marque. C’est une approche progressiste qui renforce le statut de la marque auprès des acteurs culturels – artistes, sculpteurs, designers », explique-t-il.

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Dans le deuxième projet, une combinaison de matériaux inhabituels a été utilisée. C’était risqué pour la marque comme pour l’artiste, mais le résultat en valait la peine : l’installation s’est révélée impressionnante.

« Les artistes locaux font partie de la société, et cela porte déjà une forte dimension émotionnelle. Soutenir les artistes, c’est aussi soutenir la société et son avenir culturel », souligne Alpamys Batyr.

La rédaction de The Village Kazakhstan

Traduit du russe par Aruzhan Urazova

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Une amulette vieille de près de 5 000 ans découverte à Sokh, en Ouzbékistan, continue de fasciner les chercheurs et les amateurs d’antiquités.

Le serpent bicéphale de Sokh est une découverte archéologique unique, qui représente une trace sacrée de l’histoire ancienne de l’Ouzbékistan et l’un de ses mystères non élucidés. Le premier directeur adjoint de l’Agence du patrimoine culturel de l’Ouzbékistan et artiste émérite, Tourssounali Kouziev, en parle dans un article pour le média ouzbek Podrobno.uz.

Le district de Sokh, situé dans la vallée de Ferghana, n’est pas qu’un simple point géographique. C’est un véritable berceau de la civilisation. C’est un lieu où l’histoire et le mysticisme se croisent, où des sources vivifiantes jaillissent du sol, alimentées par les neiges éternelles des monts Alaï. C’est ici même, sur les sites de Sel-Ounkour, qu’ont été retrouvés les restes d’un homme ayant vécu il y a 1,5 million d’années. Cet homme a été surnommé par les scientifiques le ferghanthrope.

Le berceau de la civilisation

Sokh n’était pas qu’une simple agglomération. Déjà au Ier millénaire avant notre ère, il s’agissait d’une grande cité. C’est ce qu’attestent les traités Houdoud al-Alam ainsi que les récits des voyageurs arabes du Xème siècle. Même Zhahîr ud-din Muhammad Babur, fondateur de l’empire des Moghols, décrivait Sokh comme un centre important où il s’arrêta une année entière avant de se mettre en route pour Kaboul.

En outre, Sokh a vu s’épanouir une culture particulière. Des découvertes archéologiques datant des XIIème et VIIIème millénaires avant notre ère témoignent d’un niveau élevé de développement domestique et artisanal de ses habitants.

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La richesse historique de Sokh réside également dans les catacombes hunniques des IIIème et IVème siècles, où des informations sur les rites funéraires et les croyances antiques ont été découvertes. Ces trouvailles offrent un aperçu du monde spirituel des habitants de cette époque et de leur vision de la vie et de la mort.

Un mystère vieux de plusieurs millénaires

Mais le véritable trésor de Sokh reste sans conteste l’amulette de Sokh, le plus ancien objet découvert à la fin du XIXème siècle. Fabriquée en jade et ornée d’un relief représentant un serpent à deux têtes, l’amulette est porteuse d’une forte charge symbolique. Les têtes de serpent qui se font face la bouche ouverte, probablement remplies de pierres précieuses autrefois, frappent par leur expressivité.

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Selon les chercheurs, cet objet remonte à l’âge du bronze, au IIIème millénaire avant notre ère, ce qui en fait un objet plus ancien que la majorité de ses analogues retrouvés ailleurs dans le monde. C’est pourquoi l’amulette de Sokh suscite un intérêt tout particulier auprès de la communauté scientifique.

Un emblème divin ?

Aujourd’hui, cet artefact un peu plus grand qu’un cahier scolaire et pesant près de cinq kilogrammes fait partie de l’exposition permanente du Musée national d’histoire de l’Ouzbékistan. Il a déjà été présenté lors de nombreuses expositions internationales, notamment au Metropolitan Museum of Art de New York en 2003, au musée du Louvre à Paris en 2022-2023, à la galerie James Simon à Berlin en 2023-2024, où il a conquis le cœur des amateurs d’antiquités.

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Selon toute vraisemblance, il s’agit d’un emblème divin, une amulette qui appartenait aux souverains des puissants États qui ont prospéré il y a près de 5 000 ans à Ferghana, en Ouzbékistan. Le serpent à deux têtes symboliserait peut-être une double puissance, l’unité des opposés — sagesse et protection. Toutefois, les scientifiques n’ont pas encore trouvé la véritable signification de cette mystérieuse amulette.

Peut-être ce serpent est-il une fenêtre vers le passé, qui permet de voir comment histoire et mythologie, symbolisme et réalité s’entremêlaient à l’époque. Il s’agit d’un rappel que la sagesse des générations traverse les siècles, et que les véritables trésors ne sont pas uniquement matériels, mais résident aussi dans la connaissance du passé.

Tourssounali Kouziev
Pour Podrobno.uz

Traduit du russe par Martin Algrain

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Originaire d'Ouzbékistan, le chef d'orchestre Aziz Shokhakimov dirige depuis 2021 l'orchestre philharmonique de Strasbourg. À 38 ans, ce premier chef d'orchestre ouzbek, passionné de musique française, a fait un parcours sans faute. Entretien.

À Strasbourg, Aziz Shokhakimov est directeur musical et artistique de l’Orchestre philharmonique de Strasbourg depuis septembre 2021. Dans le cadre de ses fonctions, il collabore aussi étroitement avec l’Opéra national du Rhin, puisque l’orchestre y assure une activité lyrique régulière. Il connaissait déjà bien la formation strasbourgeoise, qu’il a dirigé en tant qu’invité dès 2014, avant d’en prendre la tête.

Né en Ouzbékistan et formé à la capitale Tachkent, Aziz Shokhakimov n’a pas tant choisi la direction d’orchestre qu’il y a grandi. À seulement onze ans, dans un orchestre d’enfants puis scolaire, il apprend le métier en pratiquant - parfois il compense l’absence d’instruments en jouant lui-même certaines parties. Cette précocité nourrit une relation viscérale au collectif : l’orchestre comme organisme vivant, fait d’écoute, de discipline, de confiance.

À Strasbourg, ville-frontière dont il aime la fusion franco-allemande, sa présence se remarque dans les grands rendez-vous populaires de l’orchestre. Pour les concerts de la Saint-Sylvestre et du Nouvel An 2026, l’Orchestre philharmonique de Strasbourg a réuni plus de 3 800 spectateurs, salle Érasme complète, autour d’un programme intitulé Florilège lyrique, auquel Novastan a assisté. Sous la direction d’Aziz Shokhakimov, la soirée mettait à l’honneur la voix avec deux solistes internationaux, la soprano ouzbèke Barno Ismatullaeva et le ténor René Barbera. On remarque aussi la participation du Chœur de l’Opéra national du Rhin, dans une ambiance de . . .

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Quatre femmes de l’association de créations artisanales « Muras » à Kyzyl Suu, district de Jeti Oguz, Kirghizistan : la photographie capture la minutie et le savoir-faire féminin du shyrdak, artisanat textile kirghiz. Le Shyrdak désigne ces étoffes aux motifs créés en découpant et cousant des feuilles de laine feutrées. Après le feutrage de la laine, l’artisane doit découper, puis coudre avec grand détail les motifs entre eux. Très isolant, le shyrdak permet à l’origine d’isoler la yourte de la rudesse des hivers. Il persiste aujourd’hui comme héritage culturel coloré, inscrit au patrimoine immatériel de l’UNESCO en 2012.

Crédits : Pierre-Armand Dussex (Suisse)

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Avec « Kyrgyz on Mars » et « Sasyq », le festival allemand a fait figurer dans son programme deux comédies de science-fiction d’Asie centrale qui savent allier humour et critique sociale subtile.

Le 35ème Festival du film de Cottbus s’est achevé le 9 novembre. Même si aucun film d’Asie centrale n’était en compétition cette année, certains ont néanmoins trouvé leur place dans le programme, notamment deux d’entre eux : « Kyrgyz on Mars » de Nurlanbek Kamchybekov et « Sasyq » de Yerden Telemisso qui présentent plusieurs similitudes. Premiers films de leurs réalisateurs respectifs, ils associent, chacun avec leur propre humour, les problèmes de l’existence terrestre à l’immensité de l’espace.

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Des femmes kirghizes sur Mars

Stupeur à la NASA : un énorme météoroïde se dirige vers la Terre et menace de détruire toute vie sur la planète. La zone d’impact prévue : l’Asie centrale. C’est précisément là que vit et travaille Jyldysbek, astronome amateur et enseignant dans l’école d’un petit village kirghize. Jyldyzbek a lui aussi pris conscience de la menace qui pèse sur la planète et subit donc une pression énorme : le lancement de sa fusée doit être une réussite !

Cette fusée, qu’il a construite dans la grange de son père, fait de Jyldyzbek la risée des autres villageois et le responsable de nuisances importantes. En effet, les tentatives de lancement répétées et infructueuses provoquent régulièrement des coupures de courant et sabotent ainsi les mariages qui se succèdent dans le village. On aimerait le mettre à l’asile, mais pour l’instant, il est au chômage.

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Seuls son père, ses deux copains —qui construisent la fusée avec lui— et la belle Aidai croient en lui. Il aimerait épouser cette dernière, il a même donné le nom de son amoureuse inaccessible à sa fusée. Mais le père d’Aidai, maire de la ville, n’envisage pas un seul instant d’accepter un mariage avec Jyldyzbek. Au contraire, il tente sans cesse de marier sa fille à des fils de personnalités haut placées, comme le procureur du district.

À l’approche d’un mariage particulièrement important, Jyldyzbek se voit même confronté à une coupure de courant. Mais, face à la menace du météore, il ne peut plus attendre. Il rétablit alors l’approvisionnement en énergie par des moyens déloyaux et, avec l’aide de son ami qui vient de fuir une dispute conjugale, tente un dernier lancement.

Les villageois et la NASA sont stupéfaits lorsque la fusée décolle et s’envole vers Mars. Alors qu’ils acquièrent le statut de héros sur Terre et que le maire souligne fièrement dans les médias que Jyldyzbek est son « futur gendre », les deux cosmonautes atterrissent sur la planète rouge, où l’air est respirable et la connexion Internet excellente.

Leur amitié est cependant mise à rude épreuve lorsque Jyldyzbek parle de la météorite qu’il veut affronter lors de son voyage spatial. Une violente dispute entre les deux amis manque de faire échouer la mission de sauvetage avant qu’ils ne se ressaissent et décident de tenter une dernière fois de sauver la situation en menant une opération kamikaze.

E.T. en kazakh

Dans « Sasyq », c’est un extraterrestre qui arrive sur Terre. Après le crash de son vaisseau spatial, il atterrit pour ainsi dire dans les bras de Sasyq («le puant»). Sasyq, qui s’appelle en réalité Sadyk Ospanovich, mais que tout le monde appelle par ce surnom péjoratif, était autrefois professeur à l’université. Après la mort de sa femme des suites du Covid, il s’est mis à boire. Quelques années plus tard, il a fait plusieurs tentatives de suicide et vit désormais sans domicile fixe le long d’une autoroute dans la banlieue d’Almaty.

Personne ne croit Sasyq, l’ivrogne, lorsqu’il affirme qu’un extraterrestre se cache dans les profondeurs des toilettes publiques situées dans un parking : ni Nadia, qui vit ici avec sa petite-fille Amina et tient un petit kiosque, ni le policier local, un imbécile notoire qui croit d’ailleurs que la Terre est plate. Même le vaisseau spatial accidenté s’est désintégré. Sasyq s’occupe donc seul de l’extraterrestre et tente de trouver le métal qui lui permettra de réparer sa radio détruite afin d’aller chercher de l’aide.

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Mais un autre problème survient : le cortège présidentiel. Il faudra certes encore attendre quelques jours avant que le président ne vienne réellement rouler à toute allure sur l’autoroute, mais l’événement jette déjà une ombre sur la ville. Il ne faut en aucun cas que le chef de l’État aperçoive le kiosque minable de Nadia, ni même l’ivrogne qui traîne dans les parages. Le maire, muté ici pour corruption, menace donc de détruire le kiosque de Nadia si elle ne le rénove pas immédiatement. Sasyq doit tout simplement disparaître.

Outre cet ennemi commun, c’est surtout un accident qui rapproche Nadia et Sadyk Ospanovich (comme elle l’appelle désormais) : leur petite-fille Amina tombe dans les toilettes extérieures et est sauvée par l’extraterrestre. Comme Nadia pense que Sadyk Ospanovich est le sauveur, elle le laisse prendre une douche et lui prête des vêtements propres appartenant à son ex-mari. Elle l’invite également à dîner. À la fin de la soirée, Amina et Sadyk Ospanovich lui présentent leur « nouvel ami ».

Ensemble, les trois personnages finissent par former, pour eux-mêmes et pour l’extraterrestre, la famille que celui-ci n’a jamais eue. Malgré toutes leurs différences, le doux Sadyk Ospanovich et la résolue Nadia forment une équipe efficace, tant pour la rénovation du kiosque que pour le sauvetage de l’extraterrestre. Cela montre une fois de plus que « Nadia » (diminutif de Nedeschda, qui signifie « espoir » en russe) est ici un nom évocateur. C’est elle qui ramène Sadyk Ospanovich à la vie et qui donne un nouvel élan au sauvetage de l’extraterrestre. Le fait que son kiosque s’appelle « Ümit » (qui signifie « espoir » en kazakh) vient compléter le tableau.

Avec « Sasyq », Yerden Telemissov crée une version kazakhe d’E.T., même si son extraterrestre à la tête conique et aux yeux jaunes est moins mignon que le héros du classique de Steven Spielberg. Le réalisateur, connu au Kazakhstan comme acteur, créé ainsi un mélange de science-fiction et de comédie (tragique) familiale. Cependant, c’est justement cette absence de genre qui est critiquée par le critique Dmitri Mostovoï dans le média kazakh Kursiv, en plus de quelques erreurs logiques indéniables. Néanmoins, « Sasyq » est un film complexe qui vaut le détour, une « sorte de radiographie de la vie au Kazakhstan », d’après Mostovoï.

Plus qu’un simple divertissement

Avec « Kyrgyz on Mars » et « Sasyq », deux comédies en partie absurdes ont vu le jour et constituent bien plus qu’un simple divertissement. Malgré leur intrigue littéralement déconnectée de la réalité, les deux films parviennent à mettre en lumière de manière parfois subtile des problèmes très terrestres. Les personnages évoluent dans des milieux modestes, en témoignent les pénuries d’électricité dans « Kyrgyz on Mars », ou encore la vie difficile de Nadia et Sadyk Ospanovich et les toilettes rudimentaires que tous les Kazakhs reconnaissent, dans « Sasyq ».

De plus, « Kyrgyz on Mars », avec son récit sur le mariage d’Aidai, tend un miroir à la société kirghize et à ses structures patriarcales. En comparaison, le fait que Nadia, dans « Sasyq », ait également été victime de violences domestiques de la part de son ex-mari pendant des années semble plutôt accessoire.

Les représentants de la politique locale sont également malmenés dans les deux films. Le père d’Aidai ne se montre pas seulement opportuniste lors du mariage de sa fille. Dans son rôle de maire, il parcourt le village dans une voiture de classe moyenne, accompagné d’une escorte de voyous qui menacent quiconque se met en travers de leur chemin, et apparaît donc comme un personnage assez simpliste et prétentieux.

Le personnage du maire dans « Sasyq » en rajoute encore et dépeint un homme de pouvoir corrompu et misogyne vêtu d’un costume chic. Son excentricité et l’aménagement ridicule de son bureau stérile complètent l’image de cet antagoniste né : « la concentration absolue de tout ce que le citoyen moyen déteste chez les dirigeants corrompus, repus et déconnectés de la réalité », selon la formule de Dmitry Mostovoï dans Kursiv.

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Cependant, « Sasyq » ne s’arrête pas au maire dans sa critique des représentants de l’État. Le policier est un imbécile fini, complètement sous la coupe du maire. De plus, il n’est dans la police que parce que sa mère lui a dit qu’un uniforme lui irait mieux. Il perd constamment son insigne de police, qu’il porte avec fierté. À cela s’ajoute le fait qu’un cortège présidentiel passant à toute vitesse dans le village semble justifier toute ingérence dans la vie des citoyens.

Avec humour et charme

L’idée d’utiliser la science-fiction pour critiquer le monde réel n’est pas nouvelle dans le cinéma (post-)soviétique. On se souvient ici de la satire spatiale Kin-Dza-Dza ! de Georgi Danelija, sortie en 1986, qui est devenue un véritable film culte. En Asie centrale, Abdullajon, sorti en 1991, se distingue particulièrement, dans lequel l’extraterrestre du même nom met sens dessus dessous un village ouzbek.

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« Kyrgyz on Mars » et « Sasyq » vivent également de la combinaison de la science-fiction et de l’humour, même si ce dernier se manifeste différemment dans les deux films malgré leurs similitudes. Dans « Sasyq », mis à part un humour scatologique grossier dans certaines scènes autour des toilettes à la turque, critiqué entre autres par Jankeldy Omiraliev dans une critique pour le journal kazakh Orda, l’humour est généralement subtil et repose sur l’excellent jeu de tous les acteurs impliqués.

Dans « Kyrgyz on Mars », le comique réside davantage dans les dialogues, mais il peut parfois sembler un peu plat. Une partie des blagues s’adresse directement au public local, par exemple lorsque les deux cosmonautes, après avoir atterri sur Mars, se souviennent du célèbre canyon des contes de fées d‘Issyk-Koul au Kirghizstan (le lieu de tournage réel).

Dans l’ensemble, ces deux comédies de science-fiction valent vraiment le détour et offrent un bon aperçu de ce qui anime aujourd’hui les sociétés d’Asie centrale. Le fait d’utiliser des histoires irrationnelles combinées à une bonne dose d’humour ne nuit en rien à la compréhension du public international. Les festivaliers de Cottbus se sont en tout cas beaucoup amusés.

Robin Roth,
Rédacteur pour la version allemande de Novastan

Corrigé par Anaïs Boulard

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Ouverte au public du 9 novembre au 9 décembre, la résidence artistique de Karakol met en lumière le travail des femmes kirghizes dans les champs d’opium pendant l’ère soviétique. Dans la région, la culture de l’opium a longtemps été invisibilisée alors que les locaux en subissent encore les traumatismes. Immersion dans cette exposition entre art et histoire . . .

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Cette automne, Boukhara, cité millénaire des routes de la soie, accueille pour la première fois la Biennale d’art dans son centre historique. L'événement, très médiatisé, reflète la volonté de l'Ouzbékistan d'étendre son influence à l'international par la culture.

Du 5 septembre au 20 novembre se déroule la Biennale d’art contemporain à Boukhara, une grande première pour l'Ouzbékistan en tant qu'hôte d'un événement culturel mondial. La ville de Boukhara, considérée comme l’une des plus touristiques du pays, est d'une densité historique à nulle autre pareille en Asie centrale et demeure un symbole des routes de la Soie.

L’organisation de cette Biennale permet alors de placer la cité millénaire sur le devant de la scène artistique et culturelle à l'échelle régionale comme internationale. Gratuite et ouverte à tous, elle permettra de faire apprécier à ses visiteurs comme aux locaux des créations d’art contemporaines, ainsi que d'affirmer la politique culturelle de l'Ouzbékistan sur la scène mondiale.

Boukhara, un choix évident pour une Biennale d'inspiration vénitienne

Le choix d’une ville pour organiser une Biennale d’art contemporain - une manifestation internationale d’art exposant les créations d’artistes locaux et de divers horizons une fois tous les deux ans - se doit d’être judicieux afin d . . .

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Dans la capitale tadjike, un festival d’art a eu lieu pour sensibiliser aux problématiques environnementales, avec le soutien de l’ambassade de France et du bureau de coopération suisse.

Du 13 au 15 février derniers, le festival Ecorhythm consacré aux problèmes et défis environnementaux actuels a ouvert ses portes dans le centre d’affaires Diar Douchanbé, au cœur de la capitale tadjike. Convaincus que l’art a une place dans la résolution de problématiques environnementales, plusieurs experts, artistes et militants étaient présents.

Organisé par la fondation publique « Santé publique et droits de l’Homme » et avec le soutien du bureau de coopération suisse et de l’ambassade française au Tadjikistan, cet évènement avait pour objectif de sensibiliser à des enjeux environnementaux tout en explorant les moyens de renforcer le mouvement écologiste en incitant les jeunes à s’engager dans des actions concrètes.

Une jeunesse sensible à l’art engagé

Convaincus que l’art a une place dans la résolution de casse têtes environnementaux, divers artistes et militants artistiques ont présenté leurs œuvres tout au long de ces journées.

Takhmina Saïdova, la responsable de la fondation publique « Santé publique et droits de l’Homme », a souligné la nécessaire transmission des bonnes habitudes environnementales et la sensibilisation à l’éco-activisme pour les nouvelles générations.

De la pénurie d’eau à la maltraitance des animaux

Durant ce festival, la jeunesse était à l’honneur, avec des jeunes artistes et photographes qui ont présenté leurs travaux autour de problématiques environnementales propres au Tadjikistan. Non sans étonnement, la problématique de l’accès à l’eau potable était la plus représentée.

Au travers de photographies montrant des déchets en décomposition sur les routes, les artistes militants ont également porté une attention particulière à la pollution urbaine, problème contre lequel les mesures ne sont pas encore à la hauteur. L’idée d’un tri responsable des déchets allait de pair avec l’évitement des déchets, et notamment l’éco-conception de produits pensés dès le départ pour générer le moins de déchets possibles.

Les artistes n’ont pas non plus délaissé le sujet de la cruauté envers les animaux. L’une des œuvres, intitulée « Sans abri », soulevait la question des méthodes inhumaines employées pour réduire drastiquement les populations d’animaux errants, ainsi que leur impact sur les écosystèmes urbains et ruraux. L’un des panneaux explicatifs montrait que « leur présence avait un impact significatif sur l’équilibre naturel, ainsi que sur l’interaction avec les autres espèces et sur la structure globale de l’environnement ».

Trois enjeux environnementaux clés au Tadjikistan

Lors de ce festival, l’ambassadrice de France au Tadjikistan, Elsa Pignol, a souligné l’extrême urgence de traiter de tels sujets, qui ne sont pas simplement des éléments marginaux ponctuant les débats.

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Quatre experts ont également participé à la table ronde « l’éco-activisme : pratiques modernes et nouvelles opportunités » : l’activiste et chercheuse Nisso Rasoulova, le curateur et artiste Alekseï Roumiantsev, le spécialiste dans le domaine touristique Olimjon Alimourzaïev et la directrice artistique Diana Rakhmanova.

Olimjon Alimourzaïev, dont les travaux portent majoritairement sur l’écotourisme, a énuméré de manière synthétique, dans un exposé, les problématiques écologiques qui touchent le Tadjikistan : le changement climatique, le manque d’accès à l’eau potable et la pollution de l’air.

Loin de ne concerner que le Tadjikistan, cette problématique trouve ses racines dans une région minée par la sécheresse et les méthodes soviétiques de production de coton, énergivores, qui ont laissé une empreinte indélébile sur la région. À ce titre, les données de IQAir indiquent que trois capitales d’Asie centrale, Douchanbé, Bichkek et Tachkent, figurent souvent en tête des classements des villes avec l’air le plus pollué.

Les catastrophes naturelles donnent naissance à une disparité entre les sexes

La venue de la spécialiste du genre et activiste Nisso Rasoulova a été l’occasion de rappeler à quel point les catastrophes climatiques impliquent très souvent une violation de l’égalité des genres.

« Ces cinq dernières années, l’ONU, qui promeut un agenda basé sur le genre et plusieurs conventions sur l’égalité des sexes, souligne que le changement climatique, de même que les catastrophes naturelles, ont un impact délétère sur les femmes », a-t-elle déclaré.

En effet, les femmes travaillant dans le domaine agricole sont d’autant plus touchées par les problématiques d’accès à l’eau potable. Nisso Rasoulova a par exemple présenté une étude menée par le Croissant Rouge et la Croix Rouge qui démontre la façon dont les filles habitant dans des milieux ruraux et agricoles sont les principales victimes des coulées de boue et inondations car la société valorise plus l’apprentissage de la nage pour les garçons.

L‘indifférence et les coûts financiers

Si les difficultés financières pour envisager les projets écologiques ont été évoquées comme un obstacle particulièrement paralysant, l’indifférence a également été pointée du doigt. Par un effet de masse, lorsque peu de personnes s’engagent, chacun tend à attendre que les autres prennent l’initiative, ce qui freine toute action collective.

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Il a été souligné que les activistes doivent, dans tout nouveau projet, inclure un volet essentiel : le suivi des bénéficiaires, afin d’assurer un accompagnement durable au-delà de la fin officielle de l’initiative.

Un état d’esprit à mettre en place

À une époque marquée par l’imprévisibilité des événements, il devient de plus en plus difficile de compter sur des ressources extérieures. Dans ce contexte, apprendre à s’appuyer sur soi-même apparaît comme une nécessité.

Olimjon Alimourzaïev, l’un des experts présents au festival, est convaincu que la première étape consiste à cultiver des habitudes écologiques au quotidien et à savoir les transmettre à son entourage, ce qui exige un engagement profond et une implication totale au quotidien.

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« Être activiste est tout à fait un état d’esprit. C’est lorsqu’on ne reste pas indifférent à ce qui se passe autour de nous. Alors que tout le monde nous déteste, on continue à militer pour sa cause et d’en discuter de façon constante et constructive », a souligné l’experte Nisso Rasoulova.

Des mécanismes d’incitation à la mobilisation collective

Parler régulièrement d’exemples de projets environnementaux ayant porté leurs fruits est essentiel afin d’inciter les jeunes à s’engager en tant qu’entrepreneurs. Il est également important de limiter la diffusion continue d’informations négatives, dont les causes et conséquences sont déjà bien connues, et qui génèrent de jour en jour de l’éco-anxiété.

Bien que les objectifs des grands accords internationaux soient loin d’être atteints, l’écologie demeure l’un des domaines les plus prometteurs et rentables, ce qui peut constituer une véritable source de motivation pour inciter les jeunes à rejoindre le mouvement éco-activiste.

Somon Komilov
Journaliste pour Your.tj

Traduit du russe par Lisa D’Addazio

Édité par Emma Fages

Relu par Elise Medina

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Avec « L’Asie centrale derrière l’objectif de… », Novastan présente des photographes centrasiatiques et leur travail.

Le photographe Behzod Boltaïev a marché dans les pas de son père, Chavkat Boltaïev, en documentant la vie quotidienne des habitants de Boukhara. Superbes exemples de photographie de rue, leurs œuvres sont désormais exposées à la Bukhara Photo Gallery, gérée par Behzod Boltaïev lui-même.

Nom : Behzod Chavkatovitch Boltaïev

Date de naissance : 31 mars 1996

Ville et pays : Boukhara, Ouzbékistan

Nationalité : Ouzbek

Novastan : Pourquoi as-tu choisi la photographie comme moyen d’expression ?

Behzod Boltaïev : J’ai été attiré par cette forme d’art depuis mon enfance, car mon père, Chavkat Boltaïev, était un photographe documentaire très connu. Il a été mon premier mentor et il m’a appris beaucoup sur la photographie.

Pour moi, la photographie représente un épisode extrait de la vie réelle. Les préceptes de mon père continuent à me guider dans mon travail, c’est-à-dire que je photographie de manière à ce que dans des centaines d’années, en regardant les photos, les gens aient une idée claire de ce qu’était la vie à cette époque.

Peux-tu en dire plus sur ta galerie photo ?

Mon père, Chavkat Boltaïev, a créé le studio de cinéma amateur « Sitora » (« Étoile » en tadjik) en 1985 à Boukhara. Ensuite, en 2003, il a ouvert, à cet emplacement même, une galerie photo, la première de son genre en Ouzbékistan. Aujourd’hui, la Bukhara Photo Gallery présente plusieurs de ses œuvres et des miennes et, en plus, elle a été recommandée dans de nombreux guides touristiques du monde entier.

Comment les gens de votre pays réagissent-ils à vos photographies ?

Les gens dans mon pays réagissent de façon différente à mon travail, mais, en général, positivement. Je donne beaucoup d’importance aux retours des critiques d’art et aux commentaires sur les réseaux sociaux.

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J’immortalise ma Boukhara natale, ses gens, ses rues, ses monuments, sa vie, ses traditions et ses rituels. La chose la plus importante dans mon travail est de capturer le moment et documenter l’histoire. C’est pour cela que ceux qui vivent en Ouzbékistan peuvent s’identifier avec mes photos.

Quel est ton projet actuellement ?

Ma ville est cosmopolite. Des personnes de différentes nationalités y vivent. Je travaille actuellement sur un projet sur la vie des Tsiganes d’Asie centrale. Ils vivent à l’intérieur comme à l’extérieur de la ville. Je poursuis le projet initié par mon père.

Mon père a travaillé sur un projet photographique au long cours, « Survie des petites nations sur la Grande route de la Soie », qui comprenait deux parties : « XXIème siècle : Boukhara sans les Juifs de Boukhara » et « Tribu mystérieuse », sur les Tsiganes d’Asie centrale. Il a travaillé sur ce projet pendant près de 30 ans. Je pense qu’il est de mon devoir de poursuivre l’œuvre de mon père.

Je m’intéresse au mode de vie des Tsiganes. Ils vivent en quelque sorte à l’écart et n’apprécient pas tous les avantages de la civilisation. Le plus important pour eux, c’est la liberté.

Pourrais-tu choisir une photo qui est particulièrement importante pour toi et en donner la raison ?

J’aime toutes mes œuvres. Elles font toutes partie de ma création, de mon imagination. Néanmoins, si je devais en choisir une seule, ce serait peut-être « Portrait d’un maître céramiste ». Il s’agit du portrait d’une experte en jouets en argile, Koubaro Babaïeva. C’était une amie proche de notre famille. Jusqu’à la fin de sa vie, elle a sculpté des jouets en argile rouge et bleue : des sifflets pour enfants.

As-tu été dans d’autres villes d’Ouzbékistan et d’Asie centrale ? Laquelle préfères-tu à part Boukhara ?

J’ai visité de nombreuses villes en Ouzbékistan et dans d’autres pays du monde. Ma ville préférée est bien sûr Boukhara, ma ville natale. Outre Boukhara, j’ai également aimé Khiva, Saint-Pétersbourg, Chamakhi et New York. Malheureusement, je n’ai pas visité d’autres pays d’Asie centrale, mais ils sont sur ma liste, au même titre que d’autres pays du monde.

A part la photographie, qu’est-ce que tu aimes faire pendant ton temps libre ?

J’aime beaucoup le sport et je joue souvent au foot avec mes amis.

Ci-dessous, une sélection de photos de Behzod Boltaïev. Pour plus d’images, suivez-le sur Instagram : @b_photo_gallery ou retrouvez-le directement à la Bukhara Photo Gallery à Boukhara.

Simone Bergonzi
Rédacteur pour Novastan

Relu par Léna Marin

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Il est généralement mal vu dans l’Islam de représenter des êtres vivants ou des humains dans les œuvres d’art.

Les mosaïques de Chah-e-Zindeh à Samarcande en Ouzbékistan, représentent des symboles chargés de sens pour la religion musulmane.

Crédit: Ashley et Quentin (France, https://www.enselle.voyage)

Retrouvez toutes nos photos du jour. Vous pouvez en acheter certaines par ici et les recevoir chez vous. Vous aimeriez voir vos photos figurer dans cette rubrique ? N'hésitez pas à nous contacter." 

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Fin janvier, en l’honneur du 30ème anniversaire de la neutralité turkmène, une galerie bruxelloise a exposé des bijoux, textiles et tapis de ce pays centrasiatique.

À l’issue du 30ème anniversaire de la reconnaissance du statut de neutralité du Turkménistan, la galerie MUSE, située dans le prestigieux quartier du Sablon à Bruxelles, a lancé une exposition unique sur la culture turkmène. Cette dernière s’est tenue du 21 au 26 janvier dernier.

Civilisations Winter Edition est une série d’expositions hivernales annuelles, décrit News Central Asia. Cette période est consacrée à des collections spéciales dont le thème change chaque année, permettant aux visiteurs de découvrir de nouveaux aspects de l’art et de l’artisanat. Civilisations inclut pour la première fois la culture turkmène pour cette édition d’hiver, un évènement clé dans le renforcement de la compréhension mutuelle.

L’art et l’artisanat turkmènes à l’honneur

Cette année, l’exposition a mis à l’honneur des créations uniques de la culture turkmène, notamment des bijoux, des textiles et des tapis, témoignant de la richesse du patrimoine culturel du pays et du rôle central de l’art dans la société turkmène.

Les pièces de la maison de couture Keshde, une boutique en ligne spécialisée dans la mode tribale dont la directrice est Cheker Akiniyazova, étaient également exposées. Keshde désigne en turkmène une broderie réalisée à la main.

L’art traditionnel du tissage de tapis a été mis en avant, soulignant son importance dans la culture turkmène et son héritage artisanal.

Quand la neutralité rime avec coopération

L’exposition a été co-organisée par l’ambassade du Turkménistan à Bruxelles. L’ambassadeur Sapar Palvanov a mis l’accent sur l’importance de la culture comme vecteur de paix et moyen d’affirmer le statut de neutralité du Turkménistan, proclamé le 12 décembre 1995 par une résolution de l’Assemblée générale des Nations unies.

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Pour l’ambassadeur du Turkménistan à Bruxelles, la neutralité est avant tout un principe de coopération. Il insiste sur le fait que ce statut ne vise pas à diviser les peuples, mais au contraire à respecter la diversité tout en créant des liens entre les différentes cultures. Ainsi, la neutralité, à l’instar de la culture, ne connaît pas de frontières.

La culture au service du dialogue international

En plus du soutien de l’ambassade du Turkménistan, cet événement a été organisé avec l’appui du Forum créatif Asie centrale – Europe dont l’initiatrice est Elena Van Kharitonova, également fondatrice de l’agence créative Caravan Cultura.

L’exposition a réuni des collectionneurs, les ambassadeurs du Kazakhstan, du Kirghizstan, de l’Ouzbékistan et du Tadjikistan, ainsi que des représentants d’institutions européennes et des connaisseurs d’art.

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Selon Elena Van Kharitonova, cette exposition positionne l’Asie centrale en tant que « région créative commune ». Elle souligne que la diplomatie culturelle cherche à toucher les cœurs et établir des ponts entre les cultures, tandis que les relations culturelles internationales reposent sur une collaboration mutuelle et des intérêts partagés.

Lors du forum, les participants ont pu perfectionner leurs compétences en négociation grâce à la diplomatie culturelle, des aptitudes essentielles pour les professionnels de la création, véritables ambassadeurs de leur pays et de leur culture. Comme l’a démontré cette exposition, l’art joue un rôle clé dans la promotion de la coopération entre les nations, et la culture constitue un puissant levier pour favoriser le dialogue interculturel.

Estelle Charlet
Rédactrice pour Novastan

Relu par Charlotte Bonin

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En s’appuyant sur des archives et des écrits publiés par des pédologues et historiens, la chercheuse Anna Pronina parle des matériaux traditionnels et des technologies de construction en argile et en briques employés en Ouzbékistan. Elle s’interroge sur la manière dont ces pratiques ont fini par être considérées comme « traditionnelles » et leur place dans l’architecture contemporaine.

Lorsqu’il pleut sur une mahalla ouzbèke, des ruisseaux de couleur argileuse peuvent être aperçus le long des murs blanchis et des clôtures. S’il pleut longtemps, l’eau pénètre partout, coule le long de la route et repeint le paysage d’une couleur uniforme. L’architecture traditionnelle ouzbèke s’inspire de la terre sur laquelle elle se dresse, qui sert à la fois de matériau et de support.

L’architecture y semble être la continuité de la terre et faire naturellement partie du paysage. Malléable comme l’argile, elle est vulnérable aux influences extérieures de l’humidité, du froid et des tremblements de terre. Elle est à la fois fragile, puisque facilement destructible, et très durable. En effet, elle a survécu durant des siècles, voire des millénaires.

En traversant les steppes ou le désert, par exemple de Samarcande à Termez ou bien de Khiva à Noukous, il est possible d’apercevoir des petites collines sur lesquelles se dressent des restes antiques, les vestiges de mene, ces forteresses et monuments en argile envahis et altérés par la végétation mais toujours visibles à l’horizon. Cette fusion entre architecture et paysage est un témoignage de l’unité du naturel et de ce qui est créé par l’homme, de l’étonnante plasticité de l’argile.

La tradition architecturale, folklorique ou vernaculaire ?

Cette courte analyse se concentre sur les matériaux et technologies traditionnels dans l’architecture ouzbèke, sur leur évolution et la manière de les étudier. L’historiographie soviétique employait à cet effet le terme « folklorique », qui mettait en évidence les notions de classe et de nation. Celle de l’Europe occidentale use plus couramment du mot « vernaculaire » qui sous-entend qu’il s’agit d’une architecture collective, d’« une architecture sans architecte ».

Si ce texte prend pour cadre géographique l’Ouzbékistan, soit tout ce qui a été construit par quiconque sur son territoire actuel, l’argile et son utilisation ne prennent pas en compte la délimitation des frontières des États-nations : des méthodes de construction et des monuments similaires peuvent aujourd’hui être trouvés sur les territoires turkmène, tadjik et kirghiz.

Le qualificatif « traditionnel » doit être explicité. L’historiographie emploie souvent une définition essentialiste ou constructiviste de la tradition. Pour les uns, elle est considérée comme quelque chose de donné, de prédéterminé, d’établi. D’autres, s’appuyant sur son invention, l’envisagent comme quelque chose de construit au travers d’un discours. Il s’agit, la plupart du temps, de descriptions scientifiques, archéologiques ou d’interprétations politiques. Ces deux définitions sont vulnérables à la critique postcoloniale. La première résume la tradition à un « code culturel » et la seconde semble éliminer l’action de ceux et celles qui portent cette tradition, mettant l’accent sur son interprétation. Il est bien évident que ces deux positions simplifient la réalité.

S’écarter de ces lectures et aborder concrètement les pratiques de construction et leur réalisation matérielle permet d’étudier leur perpétuation et leur renforcement par la répétition. Approcher l’architecture comme un ensemble de connaissances et de compétences permet de saisir comment celles-ci ont été transmises au cours de l’histoire tout en tenant compte des différentes pratiques en fonction des régions, chacune de celles de l’Ouzbekistan ayant les siennes.

Un paysage particulier

L’architecture est un art qui, plus que tout autre, dépend des matériaux et des technologies accessibles. Ces derniers déterminent les possibilités de constructions qui, à leur tour, forment les caractéristiques d’une architecture particulière. Il n’est ainsi pas étonnant que la composante principale de l’architecture ouzbèke soit l’argile au point que l’ingénieur et historien Léonid Voronine ait pu écrire que « l’architecture ouzbèke et d’Asie centrale est faite d’argile et de tous ses dérivés ».

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Jusqu’à la seconde moitié du XIXème siècle, le fer, le verre et les produits manufacturés étaient rarement employés dans l’architecture centrasiatique. Les grilles en fer, les serrures, les clous et les traverses n’étaient pas répandus et particulièrement rares dans les maisons. La rareté du bois ainsi que la distance entre les oasis habitées et les riches ressources en pierres des régions montagneuses ont ainsi conduit les bâtisseurs ouzbeks à s’intéresser aux ressources du sol.

À la fin du XIXème siècle, la conquête de l’Ouzbékistan par l’empire russe ouvre la voie à l’étude et à la cartographie des sols de la région, missions répondant aux objectifs impériaux dans les domaines de l’irrigation et de l’agriculture. Les pédologues (scientifiques spécialistes des sols) et géologues russes se sont particulièrement intéressés aux sols de lœss qui sont très répandus en Ouzbékistan. Ce limon calcaire d’une couleur jaune grisâtre s’effrite facilement entre les doigts pour laisser une fine couche de poussière contenant des particules de quartz. Il se trouve dans les vallées fluviales et les régions vallonnées.

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Il est utilisé à la fois pour les constructions et les activités agricoles et c’est sur ce sol que reposent les fondations de tous les bâtiments. C’est aussi la matière première des briques de terre crue et cuite ainsi que d’autres dérivés de l’argile qui sont employés dans les constructions ouzbèkes. Les propriétés particulières du lœss ont été remarquées par de nombreux scientifiques. Du fait de sa composition particulière, ce dernier se maintient en effet parfaitement à la verticale, sans besoin de supports externes. Ce phénomène s’observe à la fois pour des ravins aux parois abruptes semblant constituées de pierres monolithiques et dans le cas de puits creusés à plusieurs dizaines de mètres de profondeur sans être consolidés.

Les techniques de construction

Les connaissances des constructions et des matériaux antiques proviennent des nombreuses fouilles archéologiques de la région qui permettent de dater les constructions et de comprendre l’utilisation de leurs matériaux. Le savoir sur l’état contemporain des technologies traditionnelles provient avant tout des expéditions ethnographiques menées par des scientifiques qui avaient la possibilité d’observer les techniques des maîtres-artisans.

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Considérant la diversité des écoles locales et leurs évolutions dans le temps, l’étude extensive des matériaux et des techniques de construction en Ouzbékistan est une tâche infinie. Une brève typologie des matériaux et des monuments les employant est néanmoins possible.

La pakhsa

Véritable « béton antique d’Asie centrale » selon Léonid Voronine, la pakhsa est une forme de terre battue utilisée pour la construction. Cette forme de pisé représente l’utilisation la plus répandue de l’argile et permet d’ériger des bâtiments sans coffrage. Le processus de transformation de la terre en matériau de construction suppose plusieurs étapes préparatoires.

Tout d’abord, les artisans choisissaient avec soin la terre en la frottant entre leurs doigts et même en la goûtant. L’argile était ensuite pétrie puis humidifiée pour obtenir une masse homogène et éliminer les sels qui l’empêchent de se lier. C’est à partir de cette matière qu’étaient préparées d’autres solutions plus ou moins visqueuses destinées à plusieurs usages : le pakhsa mais aussi des briques de terre crue ou cuite, du plâtre, des mortiers pour les toits ou les plafonds, etc.

La différence entre ces usages réside dans les ingrédients ajoutés à ce mélange. Ainsi, pour de l’enduit, de l’adobe était ajouté, c’est à dire de la paille hachée puis mélangée à de l’argile liquide remuée avec les pieds. Le mot adobe a ensuite été utilisée pour désigner le mortier où l’argile et la paille sont combinées, ainsi que les briques fabriquées à partir de celui-ci.

Ce mélange pouvait être laissé au repos pendant quelques jours afin de lui apporter une meilleure viscosité et une bonne adhérence. De l’orge, du sable, des cailloux et même de la laine pouvaient être ajoutés à la préparation d’argile en fonction de son utilisation. La fabrication de la pakhsa nécessitait une argile particulièrement grasse et visqueuse.

Des méthodes diverses

La pakhsa est employée depuis l’Antiquité : des maisons du IVème et Vème siècles construites en pakhsa ont ainsi été exhumées sur le site archéologique d’Affrasiab, près de Samarcande. Des vestiges de forteresse en pakhsa datant d’avant le Xème siècle ont aussi été découverts dans le complexe archéologique de Mizdakhan. La pakhsa est toujours utilisée pour construire des maisons, des murs et des clôtures. Cette technique a été observée encore récemment dans le Khorezm.

Plusieurs méthodes existent pour ériger des murs en pakhsa. La première, « la maçonnerie en bande », implique de déposer l’argile à l’horizontale afin de constituer des murs s’élevant de 80 à 90 centimètres. Ceux-ci étaient souvent divisés en plusieurs parties par des entailles qui leur conféraient un aspect plus monolithique et permettaient d’éviter les fissures après le séchage de l’argile. Elles étaient parfois aussi recouvertes de rainures afin d’éviter les fissures tout en leur conférant un effet décoratif. Cette technique a notamment été employée dans les ruines d’Aktepa près de Tachkent.

Alternativement, l’argile était déposée sous la forme de blocs formant le mur. Certains d’entre eux étaient placés en travers du mur afin de le solidifier. Ils étaient alternativement fabriqués sur le chantier ou à l’avance. Cette méthode, qui confère aux bâtiments un aspect plus monolithique, a notamment été employée pour les édifices du site archéologique de Penjikent au Tadjikistan. Plusieurs méthodes de maçonnerie étaient souvent utilisées de manière concurrente, combinant la pakhsa et des briques.

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La pakhsa se caractérisait par sa remarquable solidité et par la rapidité de sa production par rapport à la brique. Pour ces raisons, elle a pu être contre-intuitivement préférée à la brique pour la construction de forteresses. C’est ainsi cette technique qui a permis l’érection des murs d’enceinte de six kilomètres de Khiva en six semaines en 1842, au prix de la mobilisation d’un quart du pays. Les forteresses de Termez et de l’ancienne Merv au Turkménistan ont aussi été construites en pakhsa. Bien que la brique ait été dominante dans l’habitat, la pakhsa était plus utilisée pour les fortifications.

La brique de terre crue

La brique de terre crue est le plus ancien matériau de construction dérivé de l’argile retrouvé en Ouzbékistan et était fabriquée en ajoutant du sable ou de l’adobe à la matière première afin d’éviter les fissures avant de la faire sécher au soleil. Selon qu’elle était moulée à la main ou à l’aide d’outils, elle était respectivement désignée sous les noms de goualiak ou de gycht. Elle était souvent apposée d’une marque, le tamga, qui permettait de distinguer sa composition et sa méthode d’élaboration.

Les briques de terre crue sont caractéristiques des plus anciens villages ouzbeks. C’est notamment le cas de ceux de la période pré-islamique se trouvant sur le site de Varakhcha près de Boukhara où des plafonds de maisons ont été faits avec des briques de terre crue. Ce type de briques se trouve aussi dans la forteresse de Kyrk-Kyz et certains bâtiments de Termez.

Au fil du temps, les dimensions des briques de terre crue se sont rétrécies et celles-ci sont devenues plus carrées afin d’être plus stables, solides et faciles à utiliser en maçonnerie. Ainsi, les briques employées à Ayaz-Kala aux Ier et IIIème siècles de notre ère mesuraient 38x38x23 centimètres, tandis que celles de Kyrk-Kyz et de Termez, aux VIIIème et XIIèmes siècles, mesuraient 30x30x5,5 centimètres.

Les briques de terre crue ont permis de créer toutes sortes de structures : arcs, voûtes, coupoles et toute une série de monuments remarquables. Ce n’est qu’entre les VIIIème et XIIème siècles que ces dernières et la pakhsa commencent à laisser leur place aux briques de terre cuite.

La brique de terre cuite

La transition de l’utilisation de briques de terre séchées au soleil vers celle de briques cuites au four, dont l’avantage majeur est une plus grande solidité, s’est déroulée progressivement. Ces dernières sont apparues dès les premiers siècles de notre ère mais ont longtemps été combinées avec d’autres techniques de maçonnerie. Initialement, la brique de terre cuite servait de matériel de revêtement, comme à Varakhcha, dans les villages près de Termez ou dans le Khorezm.

Parmi les premiers monuments remarquables construits en briques de terre cuite, le Mausolée des Samanides de Boukhara emploie des briques mesurant 24x24x3 centimètres pour les murs et de 60x60x6 centimètres pour le sol et le socle. Les minarets de Kalyan à Boukhara, datant du XIIème siècle, sont aussi en briques de terre cuite, déjà taillées et polies, mesurant 26x26x5 centimètres.

À partir du XIIème siècle, la taille des briques se standardise autour de 25x25x4,5 centimètres et elles deviennent le principal matériau de l’architecture monumentale. Les fouilles archéologiques révèlent pour cette période des briqueteries à Termez ou à Kassan notamment, dans lesquelles étaient produites des tuiles, des briques murales mais aussi des moulages décoratifs en forme de losanges, d’anneaux ou d’autres figures ornementales.

L’architecture ouzbèke traditionnelle allie bien souvent la brique et des mortiers d’argile simples ou mélangés à d’autres substances organiques, comme de la mélasse ou du lait caillé. Les mortiers de ciment naturel et le kyr (cendre de roseau mélangée à de la chaux) étaient particulièrement utilisés pour le crépissage de contenants d’eau et la construction des bains.

Charpentes et ossatures

C’est au milieu du XIXème siècle que s’éteint définitivement l’usage des briques cuites ouzbèkes classiques. Comme en témoignent les rapports ethnographiques de l’époque, celles-ci sont abandonnées au profit de la brique moulée russe, ou « brique Nikolaïev », introduite durant la colonisation de la région et au format différent. A la fin du XIXème siècle, plusieurs usines en produisaient déjà à Tachkent.

Malgré la prépondérance de l’argile, nombres d’édifices de l’architecture traditionnelle ouzbèke reposent sur des charpentes en bois remplies de briques de terre crue. Connus comme bâtiments à ossatures ou « syntch », ces derniers existent depuis le VIIème siècle, bien qu’ils aient été à l’époque peu courants.

Cette technique, qui servait souvent à la construction de maisons, est encore employée dans les villages ouzbeks. De types et d’épaisseurs différents, les charpentes variaient largement selon la complexité du plan des habitations et l’aisance matérielle de leurs habitants.         

L’entrée dans la modernité des techniques de construction ouzbèkes

Depuis la moitié du XIXème siècle, la colonisation russe du Turkestan a profondément modifié le paysage de la région et y a influencé la pratique architecturale. Les architectes russes et plus largement la classe dirigeante y ont ainsi introduit de nouveaux matériaux et de nouvelles technologies au fil du temps : de nouveaux types de briques, le béton, la construction préfabriquée, différents matériaux expérimentaux, ce qui n’a pas empêché les deux pratiques architecturales de s’entre-influencer à des niveaux et dans des espaces différents.

Différents instituts, s’étant fixés des objectifs éducatifs et scientifiques, collectaient et conservaient les connaissances architecturales traditionnelles par tous les moyens possibles. Une vie architecturale animée, à laquelle participaient différents acteurs de générations, d’origines et de traditions d’étude différentes a aussi été l’un des vecteurs de ces influences.

Au temps des constructions soviétiques et à l’époque de l’appropriation du patrimoine, la référence, parfois nominale, à la tradition puis aux technologies et aux matériaux traditionnels devenait, en certaines occasions, un moyen nécessaire à la validation d’un projet qui répondait aussi à des exigences de rapidité, d’accessibilité des matériaux mais aussi esthétiques.

Des techniques encore utilisées aujourd’hui

L’influence traditionnelle a aussi conservé un poids important dans le domaine de la restauration, pour laquelle la question des matériaux « authentiques » était plus cruciale et nécessitait de recourir aux connaissances des maîtres-artisans.

Des ateliers, comme celui de céramique de Samkomstarisa, situé dans la madrasa Tilla-Kari à Samarcande, spécialisé dans la restauration de panneaux et de monuments en céramique, ont ainsi été créés au cours du XXème siècle. Dans le but de préserver les connaissances traditionnelles et de contribuer à la formation d’artisans spécialisés, y étaient étudiées les glaçures et les briques anciennes et fabriquées des briques destinées aux travaux de restauration.

Toutefois, malgré la colonisation russe dans la région, il serait faux de prétendre que l’architecture traditionnelle ouzbèke s’est entièrement perdue : des maisons, des granges et des bains publics sont jusqu’aujourd’hui construits selon ses préceptes. Les manières d’utiliser cette architecture dans l’espace public ont néanmoins changé. Si certaines technologies, certains matériaux, certaines écoles et formes architecturales ont disparu, le pakhsa et d’autres dérivés d’argile sont encore régulièrement utilisés, parfois pour émuler des constructions européennes.

Rompre la dichotomie

La coexistence depuis plus d’un siècle de pratiques architecturales différentes et leur symbiose dans l’Ouzbékistan contemporain conduisent à remettre en question la dichotomie entre le pré-moderne et le moderne. L’un des fondements du modernisme est la revendication d’une rupture avec le passé dont il s’est néanmoins souvent inspiré. Si cette rupture a eu lieu, elle semble cependant s’être déroulée dans un espace très limité.

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La coexistence ici et maintenant de pratiques renvoyées aux mondes de « l’architecture professionnelle » et du « vernaculaire » tend à montrer que ce que nous appelons une profession est le produit de circonstances historiques, un ensemble de fonctions et de pratiques et donc historiquement et géographiquement situé. En ce sens, il faudrait la décoloniser et constater que l’architecture « traditionnelle » n’en est pas pour autant moins « professionnelle », mais qu’elle a été élaborée par des spécialistes aux profils et à l’éducation différents.

Se défaire de cette dichotomie entre le moderne ou professionnel et le vernaculaire implique de reconsidérer de manière critique ce dernier et de le libérer de sa fonction représentative exotique au service de l’État-nation. En ce qu’elle est transnationale, la technologie peut dès lors représenter un terreau fertile pour de nouvelles recherches, qui à partir d’archives et des connaissances pratiques accumulées par les porteurs de ces technologies pourraient conduire à de nouvelles formes architecturales.

Anna Pronina
Chercheuse, pour East East

Traduit du russe par Léna Marin

Edité par Antoine Geoffroy

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Dans la capitale tadjike, un duo de musiciens revisite la musique populaire traditionnelle du falak. Ce répertoire, déjà sujet à diverses redéfinitions ces dernières années, met un pied dans la musique expérimentale contemporaine avec ce nouveau projet.

Le 6 décembre dernier, au musée des instruments de musique Gourmindj, le Duo Falak a donné son premier concert officiel chez lui, à Douchanbé. L’évènement est assez confidentiel : la musique expérimentale n’est pas vraiment un genre couru au Tadjikistan. Aussi, lorsque ces musiciens se produisent à Douchanbé, c'est devant un public principalement constitué d'amis et grossi grâce au bouche-à-oreille.

Le duo a pourtant du succès à l’étranger, jusqu’à Berlin, et est plus particulièrement habitué des scènes ouzbèkes. Son premier album, Tira-Tira, sorti en octobre dernier, a été enregistré lors d’un concert à Tachkent et est disponible sur différentes . . .

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Cet été, les fans de musique électronique se sont dirigés vers le Karakalpakstan pour assister à un grand festival : Stihia. Mais Mouïnak, Noukous et les autres villes karakalpakes ne sont pas seulement célèbres pour leurs trois jours de techno à ciel ouvert.

Ces dernières années, le Karakalpakstan s’est fait connaître par l’organisation d’un festival de musique électronique. Mais la République a bien d’autres curiosités à proposer. Le média ouzbek Hook se propose de faire le tour des principales attractions touristiques de la région.

Fondé en 1966 par Igor Savitsky, le musée qui porte son nom a donné un toit à l’une des collections d’avant-garde russe les plus connues d’Asie centrale. La collection compte plus de 90 000 objets, y compris des trouvailles archéologiques très anciennes du Khorezm, des arts décoratifs et appliqués du Karakalpakstan et de magnifiques œuvres d’artistes locaux.

En plus des œuvres connues, le musée expose régulièrement les peintres locaux pour se familiariser avec l’art contemporain de la région.

Le musée Igor Savitsky

Dans son livre Rêves du passé, Erkine Joldasov se souvient d’un épisode de la vie d’Igor Savitsky :

« En 1983, l’atmosphère du musée lui était insupportable. La direction le dégoutait aussi, il était encore plus furieux contre ses collaborateurs. Il était à bout de souffle à cause de sa maladie des poumons et l’insupportable fardeau des affaires de musée. Si au début, il régnait librement sur ses affaires, il en était désormais l’esclave. Il disait souvent qu’il était fatigué de la direction, que jamais il ne deviendrait comme eux et se plaignait : « Pourquoi me suis-je lié à ce musée ? Je serais si heureux si j’avais laissé tomber ! » Mais il travaillait jour et nuit, obsédé, poursuivant ce qu’auparavant il préférait entre tout. Cela arrive aux personnes animées par le sens du devoir… »

Le musée est ouvert du mardi au dimanche jusqu’à 17h.

Les anciennes fortifications du Karakalpakstan

La richesse du Karakalpakstan repose également sur ses anciennes fortifications, qui ont chacune une histoire unique. Les sites les plus impressionnants sont la nécropole Mizdakkhan et la forteresse Guiaour-Kala, situées à une heure de route de Noukous.

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Les nécropoles s’élèvent au milieu d’une large étendue désertique, sous un soleil plombant. De génération en génération se transmettent les mythes et légendes de Mizdakkhan. Une de ces légendes raconte l’histoire de Nazlimkhan Soulou, la fille d’un puissant khan, qui aurait conquis le cœur de nombreux jeunes hommes grâce à sa beauté. Son père aurait alors promis de la marier à celui qui réussirait à construire quelque chose de nouveau et d’impressionnant. Un de ces jeunes hommes, pour démontrer son amour, aurait érigé un majestueux mausolée.

Cependant, pour mettre à l’épreuve l’amour du jeune bâtisseur, le khan lui ordonne de sauter du dôme du mausolée pour prouver sa fidélité. Le garçon, sans hésitation, s’exécute et fait une chute mortelle. En apprenant cela, Nazlimkhan Soulou, n’ayant pas la force de supporter son chagrin, suit son amoureux en sautant elle aussi du dôme.

L’horloge de l’apocalypse

Un autre lieu qui mérite d’être visité à Mizdakkhan est l’horloge de l’apocalypse. Selon les légendes anciennes zoroastriennes, le mur est érigé à partir des restes de la tombe du premier homme, Gayamarda (Adam). Une brique tombe chaque année du mur de l’horloge. Et la fin du monde viendra lorsque tombera la dernière.

Les pèlerins et les habitants locaux croient fermement qu’il est possible de retarder la fin du monde. Pour cela, il faut ramasser sept briques déjà tombées pour en faire une tour et prier pour son salut. Cette pratique ancienne est devenue un symbole d’espoir et de combat spirituel contre l’inévitable, donnant foi en la possibilité d’agir sur son destin.

La forteresse des infidèles de Guiaour-Kala

Guiaour-Kala est une citadelle énigmatique, située près de Mizdakkhan. Les Arabes l’ont surnommée « la forteresse des infidèles » à cause de son origine zoroastrienne. Il est dit que c’est bien ici, sur ces terres saintes, qu’est né le zoroastrisme et que l’Avesta, son livre sacré, a été écrit.

En y montant, il est recommandé de bien regarder sous ses pieds. À chaque pas peuvent se trouver des éclats de vases, de bouteilles et d’assiettes ensevelis depuis des milliers d’années.

Chylpyk

Non loin de Noukous se trouve Chylpyk, une étrange tour, dite « de silence ». A son sommet, les zoroastriens abandonnaient les corps des défunts au soleil, aux vents et aux oiseaux de proie.

Selon les coutumes sacrées, ce rituel purifiait l’âme des morts, évitant la profanation des terres et préservant leur pureté.

Que visiter à Mouïnak ?

Mouïnak était autrefois un port florissant situé sur la rive de la mer d’Aral. L’une de ses attractions principales est aujourd’hui son musée des études régionales, où sont rassemblés des objets racontant l’histoire et la culture de cette région. Les visiteurs peuvent voir les photographies et artefacts liés à la vie des habitants locaux et leur lutte pour la survie après la catastrophe écologique.

Il est aussi possible de visiter l’usine de conserve, l’une des plus grandes de la région à l’époque de l’URSS. Aujourd’hui, ce lieu attire des touristes qui souhaitent en savoir plus sur l’ancien mode de vie de la ville.

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Enfin, Mouïnak abrite le festival Stihia (« poésie » en russe). Celui-ci attire des milliers d’amateurs de musique électronique. Cette année, Stihia a proposé un programme exceptionnel, comportant notamment des prestations musicales. De plus, il est possible de se rendre depuis le festival au bord de la mer d’Aral, pour voir ce qui fut le plus grand lac de la région. Il est possible d’aller à Mouïnak depuis Noukous en bus ou en voiture.

Feridé Makhsetova
Guide au Karakalpakstan

Yana Modelova
Rédactrice pour Hook

Traduit du russe par Alan Abdullaev

Edité par Paulinon Vanackère

Relu par Léna Marin

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Dans un entretien, les organisateurs d’un festival artistique kazakh expliquent comment ils essaient d’engager le dialogue sur la perception de la crise écologique et du capitalisme.

À Almaty se tient le festival d’art contemporain Artbat fest. Ce festival convie les entreprises InDrive et Chevron, ainsi que l’akimat (la mairie, ndlr) de la ville d’Almaty et la Fondation Rosa Luxembourg en Asie centrale.

En l’espace de trois mois, les organisateurs ont créé des événements allant de discussions publiques à la présentation d’expositions d’artistes locaux et étrangers, en passant par des performances et des projections de films.

Le thème de cette année, « Anthropocène ? », est formulé comme une question pour une bonne raison. L’anthropocène parle d’une époque dans laquelle l’impact de l’Homme sur son environnement est irréversible. Ce terme est utilisé pour présenter les problèmes écologiques, mais fait rarement le lien direct entre ces problèmes, l’économie et la politique coloniale.

Le média kazakh The Village a discuté avec Vladislav Sloudski et Dmitri Mazorenko, organisateurs du festival, des divers problèmes sociaux que les auteurs de l’exposition ont pu traiter en faisant usage d’une force douce : l’art.

The Village Kazakhstan (TVK) : Comment êtes-vous arrivés au thème du festival : « Anthropocène ? »

Vladislav Sloudski : Nous avons vu une atomisation drastique au sein de la société après les événements de janvier (les manifestations réprimées au Kazakhstan en 2022, ndlr) et le début de la guerre en Ukraine. Les gens étaient perdus et nous avons voulu organiser un dialogue dans le champ académique. Pour que les gens ne se contentent pas de montrer leurs émotions, de se désunir, disant : « Allez, annulons ça, démolissons ça », mais pour qu’ils puissent articuler leurs problèmes avec l’impérialisme.

Nous avons donc mené une série de discussions sur ce sujet. Après, il y a eu des séminaires avec des groupes de 20 personnes : des artistes, des designers, des chercheurs et des réalisateurs de films. Là, nous avons discuté de la manière de parler de ce thème difficile dans l’espace public.

Dmitri Mazorenko : La discussion s’est tenue autour de textes théoriques. Nous avons pris des livres classiques comme The Hungry Steppe de Sarah Cameron, et d’autres plus spécifiques comme L’impérialisme au XXIème siècle de John Smith. La guerre a relancé la très vieille discussion sur l’impérialisme, qui ne s’était pas tenue aussi activement ces 20 dernières années. Une nouvelle vague d’intérêt pour ce thème s’est déclenchée, et nous avons essayé de nous y intégrer.

On ne peut pas tenir un dialogue sur le passé et les traumatismes historiques sans parler du futur. Au Kazakhstan, il y a beaucoup de problèmes écologiques : des feux de forêts à la crise sur le territoire du polygone nucléaire de Semipalatinsk, en passant par l’assèchement des réservoirs et de la mer Caspienne, les problèmes des fleuves transfrontaliers et des troupeaux.

Cela nous coûte cher, et le point de départ de ces problèmes se trouve dans l’exploitation intensive de la terre, autant à l’époque soviétique que maintenant. C’est pourquoi le projet écologique fait partie intégrante des discussions décoloniales.

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Tout au long de l’Histoire, une partie de l’humanité a toujours été exclue de sa définition : les femmes, les peuples indigènes, les minorités ethniques et raciales. À la veille du XXème siècle, l’archétype de l’Homme était représenté comme un colon européen blanc, irrespectueux de l’environnement qui l’entoure, le subordonnant à une production industrielle infinie et à une accumulation de ressources économiques.

La théorie décoloniale critique cette situation. Et au sein du festival, nous essayons de nous penser comme cette fraction oppressée de la nature, où l’Homme devient aussi objet et ressource pour la production. Nous avons besoin de dépasser la logique dans laquelle nous ne sommes qu’une biomasse organisée, incapable d’action politique, de critique, sans droit de parler, de faire, ni de porter de responsabilité.

TVK : Je pense que c’est important. Nous pensons encore ainsi, comme si nous n’avions aucune influence sur la réalité politique et économique. Parce que nous avons longtemps été à la place de cette biomasse qui était contrôlée. Et maintenant, nous essayons de nous défaire de cette façon de penser, mais c’est un processus difficile et dense. C’est bien que vous ayez soulevé ce thème, en utilisant une palette d’instruments aussi large.

Vladislav Sloudski : Et cela se voit au travers de l’art ?

TVK : C’est ce que je voulais vous demander. Je pense que l’art est l’un des instruments les plus forts parmi toutes les pratiques décoloniales. La question est celle de l’audience qu’il regroupe.

Vladislav Sloudski : En réalité, nous ne savons pas. C’est comme cela que fonctionne la culture : on ne sait jamais pourquoi on fait les choses. Mais cette année, nous avons réalisé une enquête via QR-code pour voir ce qu’écrivent les spectateurs à propos du festival. Afin de voir comment les pensées investies dans l’exposition trouvent leur chemin jusqu’au destinataire supposé. Parfois, les pensées du spectateur découlant de ses interprétations sont bien plus intéressantes que celles que l’auteur voulait faire passer.

Dmitri Mazorenko : Je suis parfaitement d’accord avec le fait que l’art est un bon moyen de commencer une discussion sur les problèmes sociaux. Les objets d’art n’expliquent pas un problème, ils incitent plutôt à poser des questions.

C’est le cas de Rafael Vargas-Suarez et de son travail sur les déchets spatiaux. C’est une construction complexe faite de métal et de déchets spatiaux, qui montre la matérialité de la course à l’espace. Ce travail nous montre qu’il ne s’agit pas seulement d’une fantaisie utopique sur l’exploration de l’espace, mais aussi de déchets. Toxiques, radioactifs, ils s’accumulent autour de la planète.

Nous ne les voyons pas, mais d’ici quelques générations nous comprendrons que nous avons fait des choses énormes qui empirent grandement les conditions de vie sur Terre. Et alors, il ne nous restera plus qu’à quitter la planète, ou faire la paix avec l’idée de se détruire en même temps qu’elle. L’art nous permet de penser à cette échelle.

Cette année, nous sommes sortis des galeries et des bibliothèques et avons ouvert la voie à des interactions spontanées dans les rues de la ville. Nous avons organisé des projections de films, qui permettent déjà de s’immerger dans les problèmes, tout en donnant la possibilité d’en discuter. Nous interagissons avec les spectateurs par des moyens divers, et à chaque fois nous étendons cette audience.

TVK : L’anthropocène est un thème sur lequel je médite très souvent. Honnêtement, j’ai une vision pessimiste. Je ne pense pas que nous puissions faire renaître la planète, beaucoup de dégâts ont déjà été faits. Vraisemblablement, nous en mourrons tout simplement. Alors la planète pourra enfin se soigner d’elle-même. Aussi, je pense que ces groupes qui ont un pouvoir d’influence sur la crise écologique se sont déjà complètement détachés de ces problèmes, ils sont trop privilégiés. Alors que ceux qui sont directement concernés par ces problèmes ne peuvent rien faire. Qu’est-ce que vous en pensez ?

Vladislav Sloudski : Je suis très pessimiste quant à cette question. Je pense que rien ne nous sauvera. Je me suis penché sur beaucoup de documentaires et de recherches, et il est évident qu’une grande partie du discours vert est un rebranding des combustibles fossiles. La biomasse, c’est la même sciure, recomposée différemment ; la majorité des grandes installations solaires sont immédiatement alimentées par du pétrole ou du gaz. Tesla fonctionne à l’électricité, mais nous ne savons pas comment décomposer les batteries.

Quand on commence à regarder le fond du problème, on voit qu’il n’y a aucune issue, il n’y a qu’une conversion ou un report de l’échéance de ces mêmes problèmes.

Ce qui pourrait nous sauver, c’est d’arrêter de consommer. Mais, évidemment, nous ne le faisons pas et nous ne l’envisageons même pas pour recycler cette masse critique de déchets. De plus, il y a ce chiffre terrible : en 2020, le poids de tout ce qu’a fait l’Homme a dépassé le poids de tout ce que la Terre a produit.

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Le monde est fait de telle façon que nous allons probablement tous mourir. Mais j’apprécie qu’on rassemble des avis différents. Par exemple, dans les travaux des Vorobiov (Danil et Evguéni Vorobiov, deux chercheurs en biologie, ndlr), il y a cette pensée incisive : « Oui, nous avons saccagé la terre, nous laissons des traces. Mais si nous ne sommes plus là, si on enlève l’anthropos de l’anthropocène, alors qui profitera de tout ça ? »

Dans ce cas, il faut enlever aussi l’art de l’équation : un singe est écologiquement responsable, mais il ne fait pas d’art. D’un côté, qu’est-ce que cela peut faire qu’il n’y ait pas d’art ? De l’autre, j’aime cette civilisation. Donc ce qu’on fait au sein de ce festival n’est pas la panacée mais plutôt l’encadrement d’un dialogue au travers d’opinions différentes.

Dmitri Mazorenko : Je vois un sens pratique dans ce que l’on fait. Le début de chaque nouvelle discussion sur ce sujet, c’est une tentative d’unir plusieurs communautés. Le but du festival n’est pas d’attirer l’attention sur le fait que tout est horrible, que nous produisons des milliards de tonnes de plastique et ainsi de suite. Nous essayons de mettre en lumière un problème systémique : comment nous comprenons la crise écologique.

Ce n’est pas seulement l’anthropocène, il y a un point d’interrogation. Nous posons la question pour savoir si le problème vient réellement de l’anthropocène, du fait qu’en tant que société, nous existons dans la béatitude de la consommation, et que notre seul problème, c’est la dégradation de l’environnement. Non, en fait ce n’est pas le seul problème.

Une grande partie des problèmes économiques d’aujourd’hui est liée aux demandes de groupes privilégiés. Je ne parle pas des citoyens moyens, je parle de ce pourcentage de la population qui peut s’envoler à Milan tous les week-ends en jet privé et laisser une empreinte carbone dont beaucoup ne peuvent même pas rêver.

Une grande partie des émissions de CO₂ dans l’atmosphère est produite par ce même pourcentage de super riches. C’est précisément eux qui veulent telle ou telle fraise unique de l’autre bout du monde pour le petit déjeuner, on la leur apporte, et tout le monde en fait les frais.

Et ce n’est pas seulement un problème personnel, c’est aussi un problème géopolitique. Les pays européens et les États-Unis sont responsables d’une grande partie des émissions produites sur Terre. Ce sont ces mêmes pays qui s’attachent aujourd’hui à un agenda écologique, sans proposer d’instruments pour aider les autres. Tout est encadré par le problème de l’attrait d’investissements, et si vous n’avez pas ça, alors vous continuerez de souffrir de problèmes environnementaux qui, dans leur globalité, n’ont pas été causés par vous.

Par exemple, la production de coton, dont le Kazakhstan a beaucoup souffert sous l’URSS, n’était pas seulement un besoin soviétique : c’est ainsi que l’économie était organisée sur le plan international.

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Nous devons soulever la question, pas simplement du fait qu’il y a des gens qui laissent des traces. Il y a des groupes sociaux définis auxquels sont liés ces problèmes. Ces groupes sont très privilégiés et parasitent d’autres groupes sociaux qui portent tous les coûts écologiques. Une fois de plus, les couches les plus riches peuvent s’offrir des îles privées ou s’élever haut dans les montagnes et ne jamais rencontrer les embouteillages d’Al-Farabi (artère majeure d’Almaty, réputée pour ses embouteillages réguliers, ndlr).

C’est pour cela que le travail théorique sur lequel nous nous appuyons est Capitalocène de Jason Moore. Il pose la question de comment est bâtie notre société, et de comment parler d’écologie avec vérité.

TVK : Je suis d’accord avec vous. Les gens qui disent que c’est aux couches les plus modestes de la population de s’occuper du recyclage des déchets se trouvent à un niveau tel qu’ils ne sont pas confrontés à ces déchets.

Vladislav Sloudski : Il me semble que nous nous situons à un point où, assurément, de gros dommages ont été causés, mais nous n’avons pas encore utilisé toutes nos chances. Tout ce qu’il nous reste, c’est la ressource suivante : avoir des exigences politiques. C’est ce dont ont été privés les gens par les classes privilégiées pendant plusieurs siècles.

Comme je l’ai dit, ils ont été évincés au-delà de la catégorie de personne, on ne leur a pas donné le droit de disposer de leur propre vie, de la terre sur laquelle ils vivent. Mais nous ne pouvons plus être des objets passifs, et nous avons besoin de commencer à exiger des changements dans la production technologique.

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Aujourd’hui, dans l’économie, le seul principe est celui de produire autant qu’il faut pour que les propriétaires, les actionnaires des entreprises et les financiers à différents niveaux aient des ressources. Dans ce cas-là, il n’y a aucune approche parcimonieuse, même si on parle des investissements verts : c’est essentiellement de la profanation, pour continuer à faire ce qu’ils font, mais avec une apparence éthique.

Nous devons très sérieusement poser la question de comment rebâtir l’économie. C’est pour cela qu’apparaissent de nombreuses nouvelles conceptions au sein des sciences économiques, comme la décroissance. Aujourd’hui, nous n’avons pas besoin de produire plus, nous avons besoin de rebâtir le système de répartition des ressources.

TVK : C’est plutôt philosophique, mais je considère que même si la situation semble sans espoir, on peut en parler. C’est une question de responsabilité et de conscience : quand on sait ce qu’on fait, on sait à quoi ça mènera et on fait un choix. Du côté du décolonialisme, la situation semble plus optimiste. Qu’en pensez-vous, où nous dirigeons-nous ?

Vladislav Sloudski : Je pense que nous pouvons encore devenir une nation saine. Si on applique la bonne politique culturelle, c’est-à-dire plus de contacts horizontaux, une interconnexion des communautés des villes, alors la volonté politique dont parle Dmitri est possible au travers de réformes.

Après tout, le style de vie nomade des Kazakhs a laissé très peu de traces. Nous ne disons pas qu’il faut retourner dans les yourtes, c’est peut-être précisément au travers de la technologie qu’on peut avoir une influence sur ces processus.

Je ne pense pas qu’on puisse fondamentalement repenser le capitalisme, mais on peut adapter plusieurs stratégies. Nous sommes très mobiles, nous avons des ressources, et la taille de la société a aussi son importance : il est plus difficile de changer 40 milliards de personnes que 18.

Dmitri Mazorenko : En dépit du commencement de discussions extensives sur l’Histoire, la culture et la langue, les questions économiques en sont absentes. Malheureusement, nous sommes fortement dépendants de la Russie sur le plan économique.

Entre 70 et 80 % des exportations de notre pétrole dépendent de la Russie. 30 à 40 % des marchandises importées au Kazakhstan dépendent de la Russie. Le business russe arrive et rachète les actifs stratégiques, les gisements d’uranium et des produits de l’industrie nationale. Ce champ économique nous mettra constamment à terre, nous rendra dépendants. Nous l’avons déjà vu avec la discussion sur la centrale nucléaire qui découle des intentions de l’entreprise Rosatom (première entreprise russe dans le nucléaire, ndlr).

Nous nous opposons à des choses en particulier, mais nous ne regardons pas le problème dans son entièreté. Ce serait bien d’inclure l’agenda économique aux discussions décoloniales. Parce qu’en réalité, toutes ces questions linguistiques, culturelles et autres sont liées à l’économie.

TVK : Durant l’année et demie passée, j’ai lu beaucoup de choses sur le décolonialisme. La plupart d’entre elles semblent tourner autour du concept sans expliquer au citoyen lambda ce que c’est, ni à quoi il sert. Qu’est-ce que le décolonialisme aujourd’hui, et comment l’approcher ?

Dmitri Mazorenko : Le décolonialisme a des principes définis. Ils se concentrent autour de l’idée du regain de la dignité humaine, qui ne peut pas être séparée de la dignité politique.

Mais le paradoxe de la théorie décoloniale est qu’elle est apparue quand la théorisation académique s’opposait à la pratique politique. Après la chute de l’Union soviétique, une crise idéologique s’est déclarée. Les théoriciens décoloniaux ont vu l’échec du projet soviétique et ont conclu qu’il n’y avait pas assez de pratiques politiques.

C’est pour cela qu’il fallait aborder une reconstruction fondamentale de la conscience.  Regarder vers la culture, l’éducation, la langue, vers la façon dont nous interagissons au quotidien, quelles narrations nous utilisons pour parler de nous-même.

Quand une théorie n’est pas pensée pour proposer un programme alternatif au développement de la société, elle est confrontée à de nombreuses difficultés. Parce que, parfois, nous ne comprenons pas du tout de quoi nous parlons quand nous évoquons le décolonialisme. Nous comprenons que nous ne pouvons pas vivre comme avant, mais nous ne savons pas encore comment vivre autrement.

C’est de cela dont parle, par exemple, Madina Tlostanova (chercheuse travaillant sur le genre et les études décoloniales, ndlr). Elle a été déçue par le chemin intellectuel de la transformation.

Elle observe aussi la crise dans le champ des études décoloniales depuis le début de la guerre en Ukraine, car beaucoup de théoriciens du décolonialisme se sont soudainement rangés du côté de l’agresseur, et essaient de justifier ses actions. Ils pensent que la Russie fait front à un mal occidental général, et c’est pourquoi il est important de compatir pour elle, de traiter les victimes et tout le reste avec compréhension. Et c’est complètement absurde.

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Madina Tlostanova ne comprend pas comment agir dans ce monde, et elle commence à parler de catastrophisme : qu’un futur sans espoir nous attend, et que nous ne comprenons pas quoi en faire.

La théorie du décolonialisme s’est récemment retrouvée coincée dans le piège du catastrophisme de l’économie moderne, du catastrophisme de l’anthropocène. Tout n’ira qu’en s’empirant et nous n’avons aucun pouvoir. C’est précisément pour cela qu’il est important de ramener les discussions sur le futur dans la théorie décoloniale et ne pas se contenter d’une critique émotionnelle du genre protestataire. Nous avons besoin de stratégies politiques et économiques, c’est ce qui manque à la théorie décoloniale.

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Vladislav Sloudski : Pour moi, ce que nous faisons, c’est une force douce, l’antithèse de la haine nue, de l’actionnisme (un mouvement artistique viennois des années 1960 lié au développement de la performance artistique et politique, ndlr) ou du fascisme.

J’aimerais que tous les changements dont nous avons parlé prennent un chemin tranquille. À travers les institutions, les expositions, l’éducation, les musées. Cela prendra du temps, mais garder un équilibre entre le passé et le futur, entre le revanchisme et la réflexivité, est plus important que d’arriver à un nouvel état plus vite.

Les temps actuels sont durs. Il y a moins de ressources dans le monde, il y aura une grande intensification des conflits. La région se militarise en fonction de l’Afghanistan et de la Russie.

De plus en plus de défis externes nous attendent, c’est pour cela qu’il faut construire délicatement un monde dans lequel nous pourrons coexister. Avec des origines culturelles différentes, des langues différentes, des géographies différentes, des valeurs différentes. Pour moi, l’art est l’instrument le plus compréhensible parmi ceux que je peux utiliser pour atteindre ce but.

Propos recueillis par Alexandra Akanaïeva
Journaliste pour The Village Kazakhstan

Traduit du russe par Mathilde Garnier

Édité par Victor Gomariz

Relu par Helene Witkowski

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Tapis, écharpes, tchapans, tant d’arts du textile qui font partie de la culture islamique. Véritables œuvres d’art usant de techniques, de modèles et de structures géométriques complexes, ces créations sont le sujet d’étude principal de Carol Bier, historienne de l’art islamique. Dans cette interview, elle explique les enjeux, l’histoire et les techniques derrière cet art aujourd’hui connu et apprécié du monde entier.

En Asie centrale, les traditions ancestrales de production de textiles sophistiqués sont toujours mises en avant. Aujourd’hui encore, les coquets du monde entier réclament écharpes et tchapans, ces caftans traditionnels, conçus selon la technique de l’ikat.

Les tapis, luxueux, magnifiques et colorés, sont également l’objet d’un procédé complexe, transmis de génération en génération sur cette route du tapis qui couvre toute l’Asie centrale, l’Afghanistan, l’Iran, la Turquie, une partie de l’Égypte, l’Afrique du Nord et l’Espagne. Les interactions entre les peuples nomades et sédentaires de ces régions ont permis de développer cette production de textiles et tapis à laquelle s’intéresse de près l’historienne de l’art islamique Carol Bier.

Autrice de nombreux travaux sur les aspects culturels de la géométrie dans l’art islamique, Carol Bier y montre la beauté des formes, des modèles et des structures. Elle œuvre actuellement en tant que chercheuse, à la fois au centre de recherches islamiques de la Graduate Theological Union à Berkeley, en Californie, mais aussi au musée du textile de Washington. Elle y a été conservatrice des collections orientales de 1984 à 2001, avant de prendre la présidence de la société américaine du textile entre 2006 et 2008. Elle parle dans cette interview de l’origine de cet artisanat, de sa symbolique et des méthodes complexes utilisées pour produire ces tissus.

Central Asian Analytical Network (CAAN) : Vous avez publié de nombreux articles sur les aspects culturels de la géométrie dans l’art islamique. La culture centrasiatique propose en effet quantité de formes qui se répètent. Comment la géométrie s’est-elle manifestée dans l’art islamique ?

Carol Bier : J’ai beaucoup étudié les formes géométriques dans l’art islamique et l’architecture. Je m’y suis intéressée suite à des recherches sur le textile. Le modèle de textile est étroitement lié à la technique de tissage ou de couture, ou bien à la technique de l’ikat, une technique de teinture aussi appelée abrbandi, du perse « nuage » et « lier », en Asie centrale, ou tout du moins en Ouzbékistan. Ainsi, mon intérêt pour les formes géométriques, l’architecture et l’art islamiques est lié aux relations entre l’artisanat et les technologies, ou la construction dans le cas de l’architecture. Mes recherches ont montré l’apparition dans le monde islamique d’une esthétique algorithmique, si bien que la répétition en elle-même est porteuse de sens. Ce sens, comme je le comprends, est étroitement connecté à la géométrie et à son apparition.

Ce que nous savons de l’histoire des formes géométriques, c’est qu’au début du monde arabe, puis du monde perse, l’Asie centrale, l’Espagne et l’Afrique du Nord, des traductions et commentaires de textes anciens sur les mathématiques et la philosophie sont apparus. C’est à partir de là que ma compréhension et mon interprétation des choses ont pris des directions différentes. L’une d’elles concerne l’étude des écritures coraniques sur les monuments, construites sur des modèles géométriques.

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Je pense que les écritures et extraits coraniques choisis pour ces monuments peuvent nous aider à comprendre le fond et le sens des motifs, ainsi que les bâtiments eux-mêmes, mais aussi le mot Amtal, le pluriel de Mital. Ce terme a différentes significations selon l’allégorie ou la parabole, mais pour les mathématiciens, il est synonyme d’exercice géométrique. D’après moi, les extraits du Coran peuvent être interprétés à l’aide des couleurs des motifs géométriques sur les bâtiments ; ainsi, la géométrie appelle la géométrie. C’est à cette interprétation que je suis arrivée en étudiant la géométrie, l’art et l’architecture du monde islamique.

Vous étudiez principalement la culture textile de l’Orient, dont fait partie la région centrasiatique. Pourquoi le textile occupait-il une partie si importante de la vie de ces gens ? En fin de compte, ils pouvaient mener une vie simple, mais ils avaient tout de même des tapis magnifiques et des habits de soie. Y a-t-il une dimension spirituelle dans ces décorations et tissus ?

Je n’explore pas spécialement les considérations spirituelles. On pourrait les étudier plutôt par la tradition écrite ou, comme aujourd’hui, par des entretiens sur les pratiques. J’ai principalement travaillé avec les sources primaires, c’est-à-dire avec la culture matérielle.

Mais je peux dire que toutes les traditions textiles – de la production de chyrdak au Kirghizstan et de suzanis en Ouzbékistan, jusqu’à la production de tapis, etc. – s’appuient sur des ressources renouvelables qui sont facilement accessibles en Asie centrale. Ainsi, la production de feutre et de textile a une très longue histoire, qui prend racine à l’époque préhistorique.

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Les techniques de production textile en Asie centrale sont tout à fait inhabituelles, et nombre d’entre elles sont encore pratiquées aujourd’hui. Les productions d’ikat sont très diverses, par exemple, dans la vallée de Ferghana. La culture du coton y est assez répandue. Les réseaux d’achat et de préparation de teintures pour les matériaux étaient très développés. Les techniques de préparation du fil pour le tissu, mais aussi de teinture et de tissage, l’étaient également. Ainsi, un produit aussi simple qu’une écharpe, par exemple, est déjà le fruit de nombreuses technologies. Pour le chyrdak, la division du feutre en deux couches, puis la pose d’une couche sur l’autre, donne deux motifs identiques, mais avec un contraste de couleurs. C’est une utilisation magnifique d’une technique toute simple de chaleur et de compression pour produire du feutre à partir de fil de laine, avec un jeu de couleurs et d’ornements.

Mais ces dessins peuvent aussi être symboliques, comme la corne de mouton, la barbichette d’une chèvre ou autres éléments qui ont un sens fondamental pour la société locale. En Asie centrale, il existe un contraste marqué entre les cultures d’éleveurs et d’agriculteurs. Ce contraste montre la diversité géographique de la région avec des zones désertiques, des vallées où courent des rivières et des villes-oasis.

Vous avez écrit un article intitulé « Le tissage traditionnel dans l’Asie centrale pré-soviétique » (1992-1993), dans lequel vous parlez des arts textiles de Boukhara comme la broderie, le suzani, de la fabrication des tapis, de la technique de l’ikat, etc. Pouvez-vous en parler à nos lecteurs ? Ces méthodes anciennes sont-elles encore utilisées de nos jours ?

L’ikat, comme je l’ai dit précédemment, s’appelle abrbandi et est lié à la colorisation des fils principaux avant le tressage. Il est actuellement très répandu dans la vallée de Ferghana, où de nombreux studios, ateliers et fabriques produisent ce que nous appelons ikat. Dans les environs de Boukhara, Samarcande et Chakhrisabz, il existe également une tradition marquée de tissage de soie, que l’on appelle suzani.

Pour autant que je sache, nous ne pouvons remonter à l’ikat et au suzani qu’au XIXeme siècle, peut-être à la fin du XVIIIeme, mais nous avons des exemples plus anciens d’autres parties du monde musulman. Je ne suis pas sûre de savoir comment ces techniques sont arrivées en Ouzbékistan, mais elles existaient déjà avant le XIXeme siècle et sont très présentes aujourd’hui.

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Madina Kasymbaïeva est une tisseuse actuelle de suzanis à Tachkent. Son tissage moderne, qui s’appuie sur une base historique, a été mondialement reconnu. En Ouzbékistan, elle a reçu l’un des prix présidentiels réservés aux artistes. Ses travaux sont également présentés au British Museum de Londres.

Vos recherches s’intéressent aussi à d’autres thèmes, comme le kourak korpé kirghiz, un mot qui vient du turc « koura ». Les Kazakhs aussi ont de tels édredons, souvent appelés kourak korpé ou oïou korpé. Il y a également les oreillers traditionnels : en kazakh, ils s’appellent jastyk, en turkmène yassyk. Quelle est l’origine de ces termes ? Y a-t-il d’autres connexions entre les arts textiles, leurs noms et leurs techniques dans les pays d’Asie centrale ?

Yastyk est un mot pour désigner les oreillers en Turquie, et pour autant que je sache, tous ces mots sont étroitement liés les uns aux autres. L’utilisation d’un lexique commun dans différents contextes – du perse au turcique, du turcique au perse ou du tadjik au turc – amène au fait que de nombreux mots se ressemblent. Ainsi, jastyk, yassyk, zazdyk et yastyk sont des mots parents avec des différences de dialecte, et il y a également correspondance entre les arts qu’ils désignent. Cette correspondance culturelle est visible non seulement dans la technique de production de textile, mais aussi en architecture et en cuisine.

Les ornementations dépendent cependant du type de culture à laquelle appartiennent les pays. Par exemple, certaines décorations centrasiatiques sont en grande partie le produit d’une vie citadine, d’autres, d’une vie nomade. Parmi la population urbaine sédentaire, on choisit et reproduit davantage de dessins variés que chez les nomades.

La production principale des cultures nomades est, bien sûr, le tapis. Ils sont non seulement utilisés sur les sols, comme en Occident, mais aussi en qualité de portes et de protections, par exemple pour les coffres, ou pour couvrir le sol des yourtes. Ces tapis peuvent avoir une base de laine, une trame de laine et un molleton de laine ; c’est le molleton du tapis qui apporte les motifs.

Parlons des traditions de couture en patchwork et des tapis d’Orient. Quel est l’intérêt de la couture en patchwork ? Quelles sont ses racines culturelles ?

Le patchwork, technique domestique très importante, c’est ce qui se fait à la maison et pas dans les fabriques. On réunit les chutes de vieux tissus pour en faire des couvertures, des dessus de lit, des couvertures pour les chevaux ou des décorations pour les licols.

J’ai plus étudié les tapis que la couture de patchwork. Partir de la terminologie de tapis oriental, c’est déjà le marqueur d’un point de vue. Désigner quelque chose comme oriental, c’est supposer que c’est venu de l’Orient, qui se situait au XIXeme siècle – l’époque à laquelle correspond l’histoire des collections de tapis européens – vers l’Est d’Istanbul. Ce n’était pas l’Extrême-Orient auquel nous pensons aujourd’hui.

L’apparition des tapis d’Orient elle-même montre que ces tissus sont sortis des limites de leur origine culturelle de la route du tapis. Cette région est sèche, ce qui complique l’agriculture. C’est pourquoi les troupeaux de moutons et les bêtes fournissent aux gens leurs principaux moyens de subsistance. La laine, bien sûr, est une ressource renouvelable : vous tondez un mouton une ou deux fois par an et la laine repousse. Ce n’est pas comme le chachlyk (les brochettes, ndlr), qui ne se renouvelle pas.

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Les tapis fabriqués dans ces régions sont devenus des produits appréciés qui se vendent et s’offrent, que ce soit par des cadeaux d’ambassadeurs ou sous d’autres formes, aux colonisateurs venus d’Europe. Ainsi, les tapis sont sortis des limites du monde oriental et sont devenus des éléments habituels du monde occidental, ce qui a fait qu’on les catégorisait comme tapis d’Orient. Cette catégorie existe en grande partie encore aujourd’hui, bien qu’on considère désormais que cette appellation est politiquement incorrecte. Mais personne n’a jamais tissé de tapis oriental. Les femmes tissaient de simples tapis. C’est ainsi qu’ils s’appellent dans leurs propres cultures.

En ce qui concerne le patchwork, la disposition de ces petits carrés de tissus est supposée chasser le mal. Ainsi, cette technique possède des qualités défensives pour ceux qui les utilisent ou qui les portent.

Historiquement, c’étaient principalement les femmes qui s’occupaient de ce type d’activités. Je pense que les hommes devaient répondre des bêtes, de la composition du troupeau et de le mener paitre. Les femmes, de leur côté, se chargeaient de la traite des animaux et de la production de produits laitiers, mais aussi des traditions artisanales de préparation des fils et des tapis. J’ai vu des hommes qui fabriquaient du feutre – c’est un domaine traditionnellement masculin, car pour transformer la laine en feutre, il faut beaucoup presser. Le feutre était habituellement utilisé pour confectionner des capes de berger, des tapis de feutre ou des chapeaux de derviches.

En ce qui concerne la couture, elle fait aussi partie du royaume de la femme, au quotidien en tout cas. Dans le contexte commercial, j’ai vu des hommes coudre dans le Nord de l’Inde, en Chine de l’Ouest et en Asie centrale. Mais dans le cadre de ces différentes techniques textiles, il existe sans aucun doute des rôles et une différenciation de genres.

La fabrication des tapis est un travail dur, mais les Centrasiatiques, semble-t-il, y voient une toile pour exposer leur œuvre. Comment expliqueriez-vous cette tradition bien ancrée de la production de tapis ?

La fabrication de tapis a une bien plus longue histoire que le monde islamique, qui débute au VIIIeme siècle de notre ère en Asie centrale.

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Le plus vieux tapis connu provient d’une tombe kourgane de la région de Sibérie, en Russie. On l’appelle le tapis de Pazyryk. Il a été découvert en 1949 dans le permafrost de Sibérie. Vu le style, on peut estimer sa datation au Veme ou IVeme siècle avant notre ère, c’est-à-dire avant Alexandre le Grand. Ce qui est intéressant dans ce tapis de mon point de vue, c’est qu’il possède des propriétés techniques exceptionnelles. C’est un exemple de technique avancée de confection de tapis, et nous ne savons rien de la façon dont elle a émergé. Ce tapis a un fil dont les circonvolutions sont très resserrées, un fil qui décrit de beaux nœuds. Le modèle est déjà établi, comme pour des tapis plus tardifs, avec des motifs carrés ou rectangulaires, la répétition de dessins et de nombreuses bordures qui entourent le champ central.

Ainsi, la production de tapis date au moins du Veme ou IVeme siècle avant notre ère. Nous avons des fragments de tapis millénaires, de l’époque seldjoukide, mais aussi des tapis entiers du XVeme siècle ou plus tardifs.

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À l’époque soviétique, pendant la collectivisation, des fabriques de tissage de tapis ont été créées, si bien que la tradition s’est maintenue, mais dans un milieu plus commercial que domestique ou nomade.

Comment le commerce a-t-il influencé le développement de ces tissus ?

Il existe d’une part une tradition domestique, lorsque le textile est produit pour une utilisation personnelle et pour la population locale, et d’autre part la production commerciale. Les objets claniques étaient aussi vendus quand il y avait des besoins d’argent. Ils devenaient des marchandises. C’est sous l’Empire russe qu’ont eu lieu les plus gros efforts de collection.

Ainsi, les plus grandes collections de musées du monde se sont formées à Saint-Pétersbourg, puis, pendant la période soviétique, à Moscou. Dans les musées ethnographiques de ces villes ont été collectées certaines des plus belles collections de tapis ouzbeks. Leurs couleurs sont parfaitement conservées aujourd’hui s’ils n’ont pas trop été exposés à la lumière et n’ont pas été trop lavés. Ils sont vraiment magnifiques.

Qu’est-ce qui vous intéresse le plus dans ce thème : les symboles, l’esprit, les méthodes, les couleurs ?

Il y a un aspect que j’aime étudier à titre personnel, c’est la beauté : le dessin, la forme, la couleur… et ensuite, comme je le disais tout à l’heure, je suis charmée par la relation entre l’artisanat et la technologie, la production artisanale et de produits, que ce soit pour l’utilisation domestique ou pour le commerce. Je pourrais aller plus loin et dire que je suis enthousiasmée par le lien entre le design, la structure, la technique et la fonction.

Pendant toute l’interview, j’ai rappelé quelques-uns de ces liens, la teinture de la base, le tissage et la fabrication d’écharpes ; ou gérer un troupeau, préparer des fils, des couleurs, tisser des tapis et utiliser différentes techniques pour reproduire un modèle. La teinture donne au modèle de l’ikat toutes ses variations de haut en bas, dans les motifs. Quant aux motifs, ils se forment sur les tapis par l’intrication de différents morceaux de fils les uns après les autres. Si bien que c’est un sujet passionnant à étudier.

Propos recueillis par Elvira Aïdarkhanova
Pour CAAN

Traduit du russe par Paulinon Vanackère

Édité par Éléonore Bailly

Relu par Charlotte Bonin

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L’Asie centrale, riche de son passé archéologique et culturel, est longtemps restée indifférente face au fléau du trafic illicite de biens culturels, principalement faute de volonté politique. Mais depuis quelques années, un changement de ton est notable, notamment en Ouzbékistan.

A Tachkent, en Ouzbékistan, s’est tenu les 5, 6 et 7 juin dernier un séminaire organisé par l’Organisation des Nations unies pour l’éducation, la science et la culture (Unesco), consacré à la lutte contre le trafic illicite de biens culturels.

A l’occasion d’une session gouvernementale sur l’état de l’industrie du tourisme, le 26 avril 2022, le président ouzbek Chavkat Mirzioïev en personne s’était ému publiquement de la disparition d’objets dans les musées. Selon lui, en un peu plus de 30 ans, soit depuis l’accession à l’indépendance, 3 000 artefacts ont disparu dans 14 musées du pays,

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L’industrie de la bande dessinée au Kazakhstan n’en est qu’à ses premiers balbutiements. Néanmoins, grâce à plusieurs auteurs et illustrateurs, elle devient peu à peu un élément de la pop-culture locale, tout en donnant envie aux lecteurs de se replonger dans le folklore national. Des créateurs kazakhs partagent leur expérience.

La bande dessinée kazakhe s’empare des motifs nationaux. L’une de ces bandes dessinées s’appelle Mergen. Ses créateurs, Bek-Ata Daniyal et Magira Tleouberdina, ont souhaité partager certains détails du processus de création et évoquent l’importance des bandes dessinées pour l’industrie créative du Kazakhstan.

Mergen est basée sur la légende d’un batyr (un guerrier héroïque, ndlr), Essek Mergen. Le début de l’œuvre raconte son retour de la guerre et l’enterrement de son ami. Fatigué des combats et des batailles, le héros souhaite reprendre une vie paisible, mais des êtres mystiques, contre lesquels il devra lutter, apparaissent dans son aoul natal (village kazakh, ndlr). Pour la création de cette bande dessinée, Bek-Ata Daniyal assure le rôle de scénariste, et Magira Tleouberdina celui d’illustratrice.

Les auteurs ont déjà prévu quatre parties à cette histoire. Dans les deux premières, le récit sera construit autour de conflits contre des menaces externes, notamment contre le méchant, Jeztyrnak. Par la suite, Bek-Ata Daniyal souhaite ouvrir l’intrigue des troisième et quatrième parties sur les conflits internes du héros. “Si l’on peut comparer la bande dessinée Kaisar, Fils de Tengri à Percy Jackson de Rick Riordan, le sujet de Mergen est plus similaire à The Mandalorian : elle s’adresse à un public plus mature, le parcours du héros est plus complexe”, précise l’auteur.

La genèse des personnages et le style de la bande dessinée

Afin de décrire Essek Mergen de façon fidèle, les deux artistes ont rassemblé des informations à son sujet dans le livre des batyrs kazakhs et ont également échangé avec des professeurs de littérature kazakhe. “Nous avons pris la liberté de réécrire un peu la biographie du batyr et d’y ajouter quelques éléments qui nous sont propres. Mais nous l’avons fait en respectant les mythes et légendes. C’est pour ça qu’il n’y a pas beaucoup d’ajouts dans les premières parties”, révèle Bek-Ata Daniyal.

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La différence entre les styles de dessin de Bek-Ata Daniyal et de Magira Tleouberdina est évidente. Les dessins de Magira Tleouberdina sont lumineux et colorés, tandis que les bandes dessinées de Bek-Ata Daniyal sont plus sombres. Ainsi, Bek-Ata Daniyal a décidé de collaborer avec l’illustratrice pour cette bande dessinée après avoir lu une de ses interviews dans le média kazakh The Steppe. « J’ai aimé son approche fraîche du dessin, et elle a aussi un style très agréable, parfait pour une épopée héroïque », explique Bek-Ata Daniyal.

Le processus d’illustration

Magira Tleouberdina affirme avoir beaucoup appris depuis la parution de sa bande dessinée sur le batyr Qabanbaï. Par exemple, ses dessins sont devenus plus dynamiques. C’est pourquoi son style actuel convient parfaitement à la bande dessinée sur Essek Mergen : son histoire est sombre, mais le dessin de Magira Tleouberdina lui donne du charme et de la légèreté. D’après l’illustratrice, elle était initialement très préoccupée par la différence entre son style et la vision de Bek-Ata Daniyal. Avant d’accepter le projet, Magira Tleouberdina a dessiné quelques essais de personnages.

“Ma première bande dessinée était très maladroite et spontanée. Je n’avais pas planifié l’intrigue et il a pu m’arriver de faire une esquisse puis de la retravailler pendant la coloration. Cette fois-ci, Bek-Ata m’a envoyé le scénario, à partir duquel j’ai d’abord réalisé un story-board sommaire. Cela m’a pris environ une semaine, puis j’ai commencé à réfléchir soigneusement aux personnages eux-mêmes et à leur apparence, à élaborer les personnages secondaires et les antagonistes », raconte l’artiste.

« Tout cela a dû être fait rapidement, car Bek-Ata m’a envoyé deux parties de la BD en même temps et j’ai dû lui fournir des croquis. Après son accord, nous avons commencé à travailler sur les détails : poses, vêtements et armes. Essek Mergen est un archer et il était important pour moi de soigner ses armes », poursuit Magira Tleouberdina.

Des scènes de combat

Le plus difficile pour Magira Tleouberdina a été de dessiner les scènes de combat. Il lui a fallu 15 jours pour réaliser 32 pages de la bande dessinée. Actuellement, la dessinatrice travaille sur la couleur. Ensuite, Mergen sera envoyé à la rédaction pour une révision de la bande dessinée et pour la préparation du matériel d’impression.

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Pour créer l’antagoniste, Jeztyrnaq, l’illustratrice s’est inspirée des héroïnes de Kill Bill de Quentin Tarantino. Le scénario de Bek-Ata Daniyal décrivait seulement les actions de Jeztyrnaq: Magira Tleouberdina a donc peaufiné l’héroïne et en a fait un personnage féminin fort.

La publication

Les auteurs prévoient de publier la bande dessinée à la fois en ligne et en version papier. « Nous n’avions montré que les esquisses de la bande dessinée à la maison d’édition lorsqu’elle a accepté de collaborer avec nous. L’objectif principal de la maison d’édition est de fournir aux lecteurs des informations sur l’existence d’une telle bande dessinée », se réjouit Bek-Ata Daniyal.

Auparavant, Magira Tleouberdina s’était vu proposer de publier sa bande dessinée sur le batyr Qabanbaï avec une maison d’édition. Mais elle s’est vite rendue compte que cela ne lui convenait pas. « J’estime qu’il est préférable de faire les choses par soi-même. Car si quelque chose se passe mal, on ne peut s’en prendre qu’à soi-même. Les éditeurs ont leurs propres règles et restrictions. Et même la décision de publier ou non une bande dessinée est prise par la maison d’édition. J’ai choisi la voie d’un rebelle qui fait tout lui-même, et cela me convient parfaitement », explique-t-elle.

Le développement de l’industrie de la bande dessinée au Kazakhstan

La bande dessinée est relativement rentable au Kazakhstan. Selon Bek-Ata Daniyal, les créateurs de QazaqMAN, par exemple, ont mené une très bonne campagne de marketing, et la bande dessinée a été tirée à 15 000 exemplaires. Mais il est encore assez difficile de changer l’opinion des Kazakhs à l’égard des bandes dessinées. Selon Bek-Ata Daniyal et Magira Tleouberdina, elles ne sont pas perçues comme un art à part entière. C’est pourquoi les auteurs veulent montrer que la bande dessinée peut traiter de sujets sérieux. La catégorie d’âge prévue pour Mergen est de 16 ans et plus.

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Bek-Ata Daniyal estime que pour développer l’industrie de la bande dessinée au Kazakhstan, le soutien du gouvernement est nécessaire. En Corée du Sud, de l’argent commence à être investi dans les webtoons (bande dessinées publiées en ligne, ndlr) et les manwha (bande dessinées coréennes, ndlr). Des festivals de bandes dessinées sont créés et les bibliothèques commencent à en compter dans leurs collections. Ainsi, cet art y est devenu un patrimoine national.

« On pense que les batyrs kazakhs peuvent être plus intéressants que les samouraïs japonais. Et s’ils sont bien présentés, ils peuvent devenir populaires dans le monde entier. Il y a une demande pour les bandes dessinées au Kazakhstan, il ne reste plus qu’à mettre en marche cette culture. Nous pensons qu’elle est déjà en marche. Il nous semble que les gens comprendront rapidement que ce sont des œuvres d’art au même titre que des tableaux. De plus, les bandes dessinées sont à l’origine des dessins animés. Nous pouvons dire que nous ouvrons la voie à la création de dessins animés locaux », estiment les auteurs.

Aïana Seïtkhan
Journaliste pour The Steppe

Traduit du russe par Séphora Allag

Edité par Myriam Boulanouar

Relu par Eva Costes

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Après deux reports en raison de la crise sanitaire, l'exposition du Louvre sur l'art ouzbek à travers les âges a bien lieu. Elle retrace les différentes influences qui se sont rencontrées en Ouzbékistan au fil des siècles.

C'est une exposition qui était attendue depuis longtemps : débutée le 23 novembre 2022, elle se tiendra jusqu’au 6 mars 2023. Le Louvre expose l’art ouzbek, carrefour culturel et religieux entre l'Inde, la Perse, la Chine et le monde arabo-musulman.

C'est pourquoi l'exposition du Louvre présente un art imprégné de diverses cultures, souvent méconnues en France, qui ont pourtant connu un essor brillant grâce aux échanges entre les peuples depuis plus de deux millénaires.

D'Alexandre le Grand à l'islam en passant par le bouddhisme

L'exposition est construite de façon chronologique. Une frise située au début permet à chacun de comprendre les différentes phases de l'histoire ouzbèke. L'Asie centrale d’avant Alexandre le Grand est représentée par une belle sculpture de deux serpents en chrysotile et serpentine. Mais c'est à partir des campagnes d'Alexandre le Grand en Bactriane et en Sogdiane et de la prise . . .

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Le 23 novembre prochain à Paris démarrent deux expositions mettant à l’honneur l’art ouzbek et notamment des œuvres inédites, au Louvre et à l’Institut du monde arabe.

Malgré de multiples reports en raison de la crise sanitaire, l’exposition du Louvre sur l’art ouzbek se tiendra finalement du 23 novembre 2022 au 6 avril 2023. Et en parallèle se déroulera une autre exposition à l’Institut du monde arabe du 23 novembre 2022 au 4 juin 2023.

L’Ouzbékistan est présenté comme un carrefour culturel et religieux entre l’Inde, la Perse, la Chine et le monde arabo-musulman. L’art local est ainsi imprégné de religions, de couleurs, d’inspirations et de techniques de productions variées.

« Splendeurs des oasis d’Ouzbékistan »

Au programme de l’exposition du Louvre, 16 siècles d’Histoire allant du début des routes de la Soie (Ier siècle), jusqu’aux Empires timouride et chaybanide (XVème et XVIème siècles), en passant par l’ère de Gengis Khan (XIIème et XIIIème siècles), au travers de 180 pièces. L’évènement présentera essentiellement des fresques, des manuscrits, des céramiques, des textiles brodés d’or ou d’argent, des bustes et des décors.

Lire aussi sur Novastan : L’Ouzbékistan au festival des Cultures du monde de Gannat

L’exposition du Louvre disposera des œuvres encore jamais sorties d’Ouzbékistan. Parmi celles-ci, deux feuillets de l’un des plus anciens Coran du monde, chef d’œuvre du début de l’islam en Asie centrale, ou encore des peintures murales du palais de Samarcande, mais aussi des pièces de céramique ou de soie fine.

« Sur les routes de Samarcande »

A l’Institut du monde arabe, le public pourra trouver l’exposition « Sur les Routes de Samarcande ». Elle présentera les traditions et les savoir-faire ouzbeks, en particulier ceux des XIXème et XXème siècles. Les 300 pièces exposées se concentrent essentiellement sur l’artisanat et l’ornement traditionnels de larges supports et sur les peintures anciennes.

L’exposition présentera des broderies d’or de l’atelier privé de l’émir de Boukhara et des pièces issues de la deuxième plus grande collection de peinture d’avant-garde russe, créée par Igor Savitsky.

Une volonté du gouvernement ouzbek

Les deux galeries sont organisées en partenariat avec la Fondation pour le développement des arts et de la culture de la République d’Ouzbékistan. Cette fondation a été créée par un décret du président Chavkat Mirzioïev le 16 octobre 2017 et dépend du ministère de la Culture d’Ouzbékistan.

Elle a comme objectif, entre autres, de favoriser les dialogues internationaux et interculturels et de promouvoir les domaines culturels et artistiques ouzbeks à l’étranger. L’implication de cette fondation témoigne d’une volonté réelle de mettre en avant la culture ouzbèke à l’étranger.

Claire du Verdier
Rédactrice pour Novastan

Relu par Charlotte Bonin

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